El Teatro Colón, el mejor del mundo

Travel365, uno de los sitios de turismo más destacados del mundo, eligió al Teatro Colón como el teatro de ópera más importante del mundo, por considerarlo “un verdadero monumento del arte teatral, lírico y acústico, sin duda de los mejores de todos los tiempos”.

Según el rating que realizó Travel365 sobre "Los 15 teatros de ópera más importantes del mundo", colocó al Colón -que este año celebró su aniversario número 110- por sobre grandes e históricas casas de ópera como La Scala de Milán, el Teatro Massimo de Palermo o la Opéra Garnier, de París.

“Ha costado mucho, un verdadero dineral, debido a las vicisitudes que pasó la obra; pero en cambio Buenos Aires tiene en él uno de los mejores teatros del mundo y podríamos decir que el mejor de todos, si lo consideramos en conjunto”. Las palabras de la revista Caras y Caretas en las horas previas a la inauguración del Teatro Colón, el 25 de mayo de 1908, resumen y sellan el lugar que tuvo desde entonces en el imaginario colectivo la institución cultural más emblemática de la Argentina.

Pueden leer la nota que realizó Margarita Pollini para MusicaClasicaBA Revista N°8 sobre su historia:"Una noche de mayo, 110 años después". Donde trae a la memoria algunos testimonios que revelan que, por ejemplo, su archifamosa y elogiada acústica no convenció desde un principio, y que la noche inaugural dejó un saldo agridulce gracias a una organización deficiente.

Pero volviendo a la nueva noticia, aquí el rating completo:

1- Teatro Colón, Buenos Aires, Argentina

2- La Scala, Milán, Italia

3- Teatro Massimo, Palermo, Italia

4- Opera Garnier, París, Francia

5- Teatro de la ópera, Viena, Austria

6- Royal Opera House, Londres, Inglaterra

7- Gran Teatro La Fenice, Venecia, Italia

8- Metropolitan Opera House, Nueva York, Estados Unidos

9- Teatro Estatal, Praga, República Checa

10- Fox Theatre, Detroit, Estados Unidos

11- Teatro de la ópera, Copenhague, Dinamarca

12- Teatro Bolshoi, Moscú, Rusia

13- Opera House, Sydney, Australia

14- Opera del Margrave, Bayreuth, Alemania

15- Teatro San Carlo, Napoli, Italia

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Festival Barenboim 2019

Se desarrollará íntegramente en el CCK del 23 de julio al 8 de agosto, con conciertos y encuentros de reflexión para todos los públicos. Acompañarán al pianista y director Daniel Barenboim la West-Eastern Divan Orchestra, Martha Argerich, Anne-Sophie Mutter y Rolando Villazón.

ÓPERA Y BALLET EN EL COLÓN: UNA TEMPORADA DIFÍCIL

Programar una temporada para 2019 en un gran teatro lírico internacional en un país que está atravesando una grave crisis significa elegir a artistas que cobren menor cachet. Pero aparte de esto, la estrategia ya se advirtió el año pasado: traer a artistas famosos para conciertos, no para ópera. Una programación orientada a lo seguro, aún más en el área del ballet.

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 description<blockquote> Se desarrollará íntegramente en el CCK del 23 de julio al 8 de agosto, con conciertos y encuentros de reflexión para todos los públicos. Acompañarán al pianista y director Daniel Barenboim la West-Eastern Divan Orchestra, Martha Argerich, Anne-Sophie Mutter y Rolando Villazón. </blockquote> <img alt="" src="/src/media/images/blog%204/barenboim.png" /> En un acontecimiento excepcional, en julio y agosto el Festival Barenboim fija su residencia en el CCK, con recitales, conciertos y conferencias para todos los públicos. Durante quince días –del 23 de julio al 8 de agosto–, el director y pianista argentino-israelí Daniel Barenboim ofrecerá en la Sala Sinfónica del CCK conciertos sinfónicos y recitales de piano. Lo acompañarán la West-Eastern Divan Orchestra (WEDO), la reconocida pianista argentina Martha Argerich, la violinista alemana Anne-Sophie Mutter –que tocará por primera vez en esta sala– y el tenor mexicano Rolando Villazón. Habrá además ensayos abiertos gratuitos y conversaciones con intelectuales y artistas abiertas al público. Se realizarán transmisiones a través de Contar, la plataforma de contenidos digital y gratuita del Sistema Federal de Medios y Contenidos Públicos que fue lanzada en 2018, y la Televisión Pública Argentina. Dos semanas de música y reflexión de la mano de este gran maestro. Las entradas para los ensayos abiertos (días y horarios a confirmar) serán gratuitas y deberán reservarse previamente y estarán disponibles a través de esta web desde una semana antes de cada fecha. Los encuentros de reflexión también serán abiertos y gratuitos, con la misma modalidad de reserva una semana antes de cada fecha. Las entradas para los conciertos en la Sala Sinfónica estarán a la venta en forma online desde el domingo 3 de marzo a las 12h a través de esta web. También podrán ser adquiridas en forma presencial desde el miércoles 6 de marzo a las 12 en Sarmiento 151, de martes a domingos y feriados, de 12 a 19h. Las localidades adquiridas vía web desde el domingo 3 hasta el domingo 10 de marzo tendrán un descuento del 10%. Los estudiantes, jubilados y pensionados podrán adquirir las localidades con un descuento del 50% (solo en la modalidad presencial), acreditando identidad en mostrador. Luego de sus memorables conciertos en la Sala Sinfónica junto a la Staatskapelle Berlin en julio del 2018, Barenboim y su Festival fijan residencia en una de las mejores salas de América Latina. El Festival dará comienzo el 23 de julio en la Sala Sinfónica del CCK con tres recitales de Daniel Barenboim dedicados a sonatas para piano de Ludwig van Beethoven. El 31 de julio el director ofrecerá, al frente de la West-Eastern Divan Orchestra, un programa también consagrado a Beethoven. <img alt="" src="/src/media/images/blog%204/martha.jpg" /> El 4 y 5 de agosto, la gran pianista Martha Argerich será solista junto a la WEDO y con dirección de Barenboim en el concierto para piano nº 1 de Chaikovski, en un programa que se completa con el Concierto para orquesta de Witold Lutoslawski. El 6 de agosto, se realizará un concierto de cámara a cargo de solistas de la WEDO, con obras de Serguéi Prokófiev y Dmitri Shostakovich, y el 2 de agosto el tenor mexicano Rolando Villazón ofrecerá un recital de canciones. El Festival tendrá una culminación excepcional con el debut en la Sala Sinfónica de la consagrada violinista alemana Anne-Sophie Mutter, quien se presentará junto a Barenboim y la West-Eastern Divan Orchestra el 7 y 8 de agosto. El repertorio estará integrado por el concierto para violín y fragmentos de Pelléas et Mélisande de Jean Sibelius y la sinfonía nº 7 de Beethoven. <h2 dir="ltr" style="text-align:justify"> </h2> <h2 dir="ltr" style="text-align:center">Barenboim en pantalla</h2> Habrá transmisiones de estas actividades en streaming por <a href="https://www.cont.ar/">Contar </a>–la plataforma digital y gratuita del Sistema Federal de Medios y Contenidos Públicos– y la Televisión Pública Argentina. Además, como preludio al festival, se podrán ver cuatro programas especiales con los conciertos que Daniel Barenboimofreció en julio del 2018 junto a la Staatskapelle Berlin en la Sala Sinfónica. Estos programas comprenden la interpretación completa de las sinfonías de Johannes Brahms, y un segmento dedicado a diálogos exclusivos con Barenboim y con instrumentistas de la orquesta. <h2 dir="ltr" style="text-align:justify"> </h2> <h2 dir="ltr" style="text-align:center">La agenda del Festival</h2> Martes 23 de julio, 20h - Sala Sinfónica Daniel Barenboim, piano En programa: sonatas de Ludwig van Beethoven Viernes 26 de julio, 20h - Sala Sinfónica Daniel Barenboim, piano En programa: sonatas de Ludwig van Beethoven Domingo 28 de julio, 20h - Sala Sinfónica Daniel Barenboim, piano En programa: sonatas de Ludwig van Beethoven Miércoles 31 de julio, 20h - Sala Sinfónica West-Eastern Divan Orchestra. Director: Daniel Barenboim. Solista: Michael Barenboim (violín) En programa: de Ludwig van Beethoven: Obertura Egmont, op. 84; Concierto para violín y orquesta en re mayor, op. 61; Sinfonía n° 7 en la mayor, op. 92 Viernes 2 de agosto, 20h - Sala Sinfónica Rolando Villazón (tenor) Recital de Lieder Domingo 4 de agosto, 16h - Sala Sinfónica West-Eastern Divan Orchestra. Director: Daniel Barenboim. Solista: Martha Argerich, piano En programa: Concierto para piano nº 1 de Chaikovski; Concierto para orquesta de Witold Lutoslawski Lunes 5 de agosto, 20h - Sala Sinfónica West-Eastern Divan Orchestra. Director: Daniel Barenboim. Solista: Martha Argerich, piano. En programa: Concierto para piano nº 1 de Chaikovski; Concierto para orquesta de Witold Lutoslawski Martes 6 de agosto, 20h - Sala Sinfónica Miembros de la West-Eastern Divan Orchestra En programa: Concierto de música de cámara. Serguéi Prokófiev: Obertura sobre temas hebreos; Dmitri Shostakovich: Quinteto para piano y cuerdas Miércoles 7 de agosto, 20h - Sala Sinfónica West-Eastern Divan Orchestra. Director: Daniel Barenboim. Solista: Anne-Sophie Mutter, violín En programa: Concierto para violín y fragmentos de Pelléas et Mélisande de Jean Sibelius; Sinfonía n° 7 en la mayor, op. 92, de Beethoven Jueves 8 de agosto, 20h - Sala Sinfónica West-Eastern Divan Orchestra. Director: Daniel Barenboim. Solista: Anne-Sophie Mutter, violín. En programa: Concierto para violín y fragmentos de Pelléas et Mélisande de Jean Sibelius; Sinfonía n° 7 en la mayor, op. 92, de Beethoven <h2 dir="ltr" style="text-align:justify"> </h2> <h2 dir="ltr" style="text-align:justify">Acerca de Daniel Barenboim</h2> <img alt="" src="/src/media/images/blog%204/barenboim1.png" /> Daniel Barenboim nació en Buenos Aires en 1942. Recibió sus primeras clases de piano de su madre a los cinco años. Luego estudió con su padre, quien siguió siendo su único profesor de piano. A los siete años dio su primer concierto público en Buenos Aires. En 1952 se mudó con sus padres a Israel. Su debut internacional llegó a los diez años con conciertos en Viena y Roma, seguido de actuaciones en París (1955), Londres (1956) y Nueva York (1957) bajo la dirección de Leopold Stokowski. Desde su debut como director en 1967 en Londres con la Philharmonia Orchestra, Daniel Barenboim fue llamado numerosas veces a participar con las principales orquestas de todo el mundo. Fue director principal de la Orquesta de París (1975-1989) y director musical de la Chicago Symphony Orchestra (1991-2006). Tras su partida, los músicos de la orquesta lo nombraron director honorario vitalicio. Desde 1992, Barenboim ha sido director general de música de la Staatsoper Unter den Linden. En el año 2000, la Staatskapelle Berlin lo nombró director de orquesta vitalicio. Entre 2011 y 2014 fue director musical del Teatro alla Scala en Milán. En 1999, Barenboim, junto con Edward Said, estableció la Orquesta West - Eastern Divan. Desde 2015, talentosos jóvenes músicos de Medio Oriente estudian en la Academia Barenboim-Said en Berlín, otra iniciativa fundada por Daniel Barenboim. También se encuentra en el mismo edificio que la academia la Pierre Boulez Saal (Sala Pierre Boulez), diseñada por Frank-Gehry, que se inauguró en marzo de 2017 y enriquece la vida musical de Berlín. Barenboim recibió numerosos premios y ha publicado varios libros. <h2 dir="ltr" style="text-align:justify">Acerca de la West-Eastern Divan Orchestra</h2> En 1999, Daniel Barenboim y el escritor estadounidense de origen palestino Edward Said fundaron el West-Eastern Divan, un taller para músicos israelíes, palestinos y árabes. Reunidos en Weimar, Alemania –un lugar donde los ideales humanistas de la Ilustración fueron opacados por los del Holocausto– materializaron su esperanza de reemplazar la ignorancia con la educación, el conocimiento y la comprensión, de humanizar al otro, de imaginar un futuro mejor. En el taller, personas que solo habían interactuado entre sí en un marco de guerra, se encontraron viviendo y trabajando juntos como seres iguales. Mientras se escuchaban el uno al otro durante los ensayos y discusiones, atravesaron profundas divisiones políticas e ideológicas. Aunque este experimento de convivencia fue inicialmente concebido como un evento de una sola vez, se convirtió rápidamente en una orquesta legendaria. <h2 dir="ltr" style="text-align:justify">Acerca de Martha Argerich</h2> <img alt="" src="/src/media/images/blog%204/Marthacck.png" /> Martha Argerich nació en Buenos Aires en 1941 y a los tres años tuvo su primer contacto con el piano e inició su formación musical con el método de Ernestina de Kusrow. Dos años después comenzó a tomar clases con Vincenzo Scaramuzza, quien además la dirigió en su debut a los ocho años con la Orquesta de Radio El Mundo. En 1952 interpretó en el Teatro Colón el concierto de Schumann bajo la batuta de Washington Castro. En 1954 comenzó en Viena sus estudios con Friedrich Gulda y recibió clases de Arturo Benedetti Michelangeli, Nikita Magaloff y Stefen Askenase. En 1957 triunfó en los concursos Busoni de Bolzano e Internacional de Ginebra, y en 1965 en el Chopin de Varsovia. Desde 1960 realiza una intensa actividad discográfica para los sellos más importantes. En 1980 su interés por la música de cámara (junto a artistas como Nelson Freire, Gidon Kremer, Mischa Maisky, Nicolas Economou, Stephen Kovacevich o Daniel Barenboim, entre otros) se tornó en el eje central de su actividad. En diferentes lugares del mundo se desarrollan festivales con su nombre, y el de Beppu, en Japón, ya lleva veinte ediciones. El Progetto Martha Argerich lleva más de diez ediciones en Lugano (Suiza) y tuvo cinco ediciones en Argentina. Argerich recibió premios y distinciones oficiales (premio Kennedy Center entregado por Barack Obama en 2016 y Orden del Sol Naciente otorgada por el emperador Akihito en Japón, entre otras). En su actividad se destaca el interés por brindar oportunidades a jóvenes músicos. Su agenda tiene compromisos hasta 2022. <h2 dir="ltr" style="text-align:justify">Acerca de Anne-Sophie Mutter</h2> <img alt="" src="/src/media/images/blog%204/annie.png" style="height:485px; width:730px" /> Figura indiscutida desde hace más de cuarenta años en los más prestigiosos círculos de la música clásica internacional, la violinista Anne-Sophie Mutter (ganadora de cuatro premios Grammy, entre muchas otras distinciones), es una artista comprometida tanto con la gran tradición musical como con los creadores de nuestro tiempo (ha estrenado cerca de treinta obras, y varios de los más importantes compositores de las últimas décadas han escrito para ella). Paralelamente, la artista se dedica a numerosos proyectos benéficos y al apoyo de las nuevas generaciones. Nacida en 1963 en Rheinfelden (Alemania), Mutter comenzó su formación musical a edad temprana, y recibió en esa etapa lecciones de Erna Honigberger, y luego con Aïda Stucki. En 1976, el legendario director austríaco Herbert von Karajan la escuchó en un recital en Lucerna, e invitó a la violinista, por entonces de trece años, a hacer su concierto debuto junto a la Orquesta Filarmónica de Berlín en Salzburgo; esta colaboración se consolidaría a través de actuaciones y grabaciones de algunos de los conciertos más famosos del repertorio para el sello Deutsche Grammophon. Instalada desde entonces en la primera fila de los artistas internacionales, Mutter colabora con las orquestas y directores más prestigiosos, en un repertorio que va desde el barroco hasta nuestros días. <h2 dir="ltr" style="text-align:justify">Acerca de Rolando Villazón</h2> <img alt="" src="/src/media/images/blog%204/villazon.png" /> Rolando Villazón nació en México D.F. y se formó en el Conservatorio Nacional de Música de su país, y luego en programas para artistas jóvenes en Estados Unidos. Figura reconocida en los escenarios internacionales por su carisma y versatilidad, Villazón –quien recibió, entre otros, las distinciones de Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres– está considerado uno de los tenores más importantes de la actualidad. Paralelamente, se desempeña como director de escena, escritor, director artístico y figura de televisión. A sus premios en el Concurso Operalia de Plácido Domingo (edición 1999) le siguió una carrera fulgurante en los escenarios y festivales más prestigiosos del mundo, en ópera, recitales y conciertos, con un repertorio que va desde Monteverdi hasta la música contemporánea académica y los géneros populares. 
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 short_descProgramar una temporada para 2019 en un gran teatro lírico internacional en un país que está atravesando una grave crisis significa elegir a artistas que cobren menor cachet. Pero aparte de esto, la estrategia ya se advirtió el año pasado: traer a artistas famosos para conciertos, no para ópera. Una programación orientada a lo seguro, aún más en el área del ballet.
 description<blockquote> Programar una temporada para 2019 en un gran teatro lírico internacional en un país que está atravesando una grave crisis significa elegir a artistas que cobren menor cachet. Pero aparte de esto, la estrategia ya se advirtió el año pasado: traer a artistas famosos para conciertos, no para ópera. Una programación orientada a lo seguro, aún más en el área del ballet. </blockquote> Por Pablo Bardin. No es novedad para nadie que el país está atravesando una grave crisis y que el año está marcado por la contienda electoral. Programar una temporada para 2019 en un gran teatro lírico internacional argentino significa que el dólar a 40 duplica el dólar a 20; admitiendo que el presupuesto en dólares se mantenga al mismo nivel de 2018, se elegirá al artista de U$S 25.000 dólares en vez del de U$S 50.000. Pero aparte de esto, la estrategia (en la que creo ver la mano del Director Ejecutivo Martín Boschet) ya se advirtió el año pasado: traer a artistas famosos para conciertos, no para ópera; por más que su cachet sea alto, se paga una vez (o dos, como con Netrebko, que repitió el suyo) y el intérprete está pocos días en Buenos Aires; si se lo contrata para una ópera, debe cumplir con los cuatro abonos y con los ensayos (unos 20 a 25 días para óperas de repertorio habitual) y además hay que rodear a un gran nombre de cantantes de calidad, un sólido director y una buena puesta; los costos se disparan. Esto si el artista está disponible por un período extenso, rara avis para los exitosos, que suelen tener tres o cuatro años de calendario ocupados. A ello se agrega que las programaciones de Arturo Diemecke están orientadas a lo seguro, quizá por tendencia suya pero también porque la Directora Alcaraz quiere el teatro lleno, y desgraciadamente el melómano es muy rutinario: va a llenar ocho funciones de “La Bohème” pero las cuatro obligadas de una ópera de Janácek probablemente tengan muchas ausencias. Con el ballet la tendencia es mucho más marcada, y por cierto Paloma Herrera la promueve. Y volviendo a la ópera, los fondos disponibles de por sí hacen complicado programar más de ocho óperas anuales, lo cual a su vez no alcanza ni para lo indispensable en cuanto a repertorio. No puedo dejar de mencionar brevemente la desastrosa política de abrir el Colón a la música popular ya sea en el Festival Único de Febrero o en el ciclo de ciertos lunes de La Nación, entre otros, y de arrendar el teatro para funciones privadas (no anunciadas en los diarios ni por Prensa del Colón) del más disímil contenido; pero Alcaraz lo dijo claro en una entrevista: mientras paguen da lo mismo quien sea. En el lado positivo quiero mencionar un nuevo abono (que apareció después de todos los otros) donde se `puede elegir libremente (con tal de que haya lugar) la combinación de cualquier ópera, ballet o concierto; si bien revela que los abonos tienen sus claros, es válido. Para el espectador avezado y de buena formación las perspectivas de este año del Colón son pobres; nada hay que entusiasme a priori en lo programado. Si como años atrás se tuviera una oferta interesante del Teatro Argentino, de Buenos Aires Lírica o de Juventus Lyrica, habría alguna compensación para tanta rutina. Pero las noticias (ya desde el año pasado) son entre mediocres y pésimas. Pareció en 2018 que el Argentino no iba a ofrecer nada bueno, pero un arreglo con el Coliseo permitió sobre el cierre de temporada que se vieran una velada de ballets de Araiz y luego el estreno de la ópera “Candide” de Bernstein (que casi se eliminó); estuvo el escenario principal del Argentino cerrado al público todo el año por refacción, y demoras por falta de dinero van a prolongar esta situación hasta el final de Octubre 2019. Mientras escribía este artículo me llegó el anuncio de la temporada 2019. Para ahorrar repetirán “Candide” pero en la remozada Sala Ginastera (Noviembre 15, 17, 22 y 24) (ya habían repetido “Così fan tutte” de Mozart en tres temporadas consecutivas; la crisis del Argentino no es de ahora solamente). En Agosto 13 y 15 el Coliseo de Buenos Aires recibirá un Puccini famoso, “Madama Butterfly”, con Daniela Tabernig, dirigida por Diego Censabella y con régie de Pablo Maritano. Lo más interesante es que el 6 y el 7 de Julio en la Usina del Arte se estrenará “Un Re in ascolto” de Berio, dirigido por Pablo Druker, con Víctor Torres y Hernán Iturralde; ésta es la ópera que en 1998 un comité asesor que no hubiera debido existir le bochó a Gandini cuando él programó la temporada 1999 del Colón… El año pasado BAL anunció que la falta del apoyo que les venía de la Ley de Mecenazgo les impedía realizar el abono; vagamente dijeron que quizá habría algo durante el año, pero no ocurrió. Nada indica que hayan cambiado las cosas para ellos en 2019. Pero ahora es Juventus la que está afectada por el mismo tema; anuncian dos óperas de ultra-repertorio, sin embargo: “La Traviata” y “La Flauta Mágica”, probablemente porque están “rodadas” (se hicieron hace poco en Juventus y tienen la producción); mejor que nada. Y harían una gala en el Colón. Ahora sí daré lo anunciado en el folleto anual (que al menos está bien confeccionado y resulta muy útil, como lo fue en años anteriores, aunque hay algunos errores). <ol> <li dir="ltr"> VERDI: “RIGOLETTO”. Dos repartos (cuatro funciones de abono, cuatro extraordinarias). Fabián Veloz / Leonardo López Linares (Rigoletto), Pavel Valuzhin / Pablo Karaman (Duque), Ekaterina Siurina / Laura Rizzo, Goderdzi Janelidze / George Andguladze (Sparafucile), Guadalupe Barrientos / María Luján Mirabelli (Maddalena), Ricardo Seguel / Leonardo Estévez (Monterone). Director: Maurizio Benini. Director del Coro Estable (salvo aclaración, en todas las óperas): Fabián Martínez. Régie (R, en las siguientes óperas) (ellos lo llaman Dirección de escena): Jorge Takla. Escenografía (E): Nicolás Boni. Vestuario (V): Jesús Ruiz. Iluminación (I): José Luis Fiorruccio. Video: Matías Otarola. Nueva producción del Colón. Marzo 12, GA (Gran Abono); 13, FE (Función Extraordinaria); 15, ANT (Abono Nocturno Tradicional); 16 (FE); 17 (Abono Vespertino); 19, ANN (Abono Nocturno Nuevo); 20, FE; 22, FE. </li> </ol> “Rigoletto” es mi favorita de las tres óperas verdianas llamadas “populares”, pero ello no quita que me indigne un hecho real: dos de las óperas de muy buen nivel de la etapa anterior no se dan en el Colón desde hace más de medio siglo: “Ernani” (1964), “Luisa Miller” (1968). Éste es uno de los tantos datos de su fuerte declinación. “Rigoletto” se va a dar con nuestros dos mejores barítonos verdianos, con artistas eslavos que aquí no se conocen (pueden dar gratas sorpresas) y dos georgianos (uno de ellos intervino en un concierto del año pasado); ¿dónde están los italianos? Y con la duradera y admirable Laura Rizzo. Nueva puesta con un régisseur nuevo para mí: Jorge Takla, brasileño de extensa carrera. <ol start="2"> <li dir="ltr"> ANDRÉ PREVIN: “A STREETCAR NAMED DESIRE” (“UN TRANVÍA LLAMADO DESEO”). Estreno. Basada por supuesto sobre la famosa pieza teatral de Tennessee Williams, a su vez convertida en una gran película de Elia Kazan con Vivien Leigh y Marlon Brando, Previn, conocido como versátil director de orquesta y pianista siempre oscilando entre la música académica y el jazz, y pese a su nacimiento en Berlín muy ligado a Occidente, no había abordado la ópera en su carrera de compositor, a su vez muy ligada al crossover, que incluyó shows como “Coco” y música para películas como “Elmer Gantry”, “Gigi” o “Irma la Douce”. La ópera, con libreto de Philip Littell, fue creada entre 1995 y 1998 y tuvo gran éxito al estrenarse en San Francisco con Renée Fleming, muy elogiada por su interpretación, grabada al año siguiente dirigida por el autor con Fleming y Rodney Gilfry; así la conocí yo y me parece una buena obra, escrita con habilidad y sentido dramático, con un estilo sureño. No objeto su elección, que tiene a su favor un tema conocido por el público (también hay un ballet de Neumeier) y no ser cara (pocos intérpretes y escenarios). Pero sí que vuelven a olvidarse los que manejan el Colón de obras mucho más importantes, aunque arduas; no se conocen aquí óperas tan válidas como “Billy Budd” de Britten, “Cardillac” y “Matías el pintor” de Hindemith, “El joven Lord” de Henze, “De la casa de los muertos” de Janácek, “La muerte de Danton” de Von Einem o “Vanessa” de Barber. O alguna bien elegida de la amplia producción de Gian Francesco Malipiero. O “Esponsales en el monasterio” de Prokofiev. Y no mencioné (porque parece insoluble el problema del idioma) “Rasputin” del finlandés Rautawaara, o cualquiera de las dos óperas en danés de Nielsen: “Saúl y David” y “Mascarada”. Menos mal que hay DVDs. </li> </ol> Sólo cuatro funciones, las de los abonos. Daniela Tabernig (Blanche Dubois), David Adam Moore (Stanley Kowalski), Sarah Jane McMahon (Stella Kowalski), Eric Fennell (Harold “Mitch” Mitchell), Victoria Livengood (Eunice Hubbell). Una argentina de considerable calidad vocal y buen dominio del inglés, además de audacia (lo prueba su intervención en “Powder her face” de Adès) y un grupo de intérpretes del Hemisferio Norte desconocido aquí salvo Livengood. Director musical (debut): David Brophy. Producción del Colón. R: Rita Cosentino. E: Enrique Bordolini. V: Gino Bogani. Video: Celeste Carrasco. I: Fiorruccio. Mayo 7 (GA); 10 (ANT); 12 (AV); 14 (ANN). Después de haber escrito estos párrafos ocurrió el deceso a 89 años del artista, cuyo verdadero nombre era Andreas Ludwig Priwin. En 2009 había escrito una segunda ópera, “Breve encuentro”, sobre la película de David Lean. <ol start="3"> <li dir="ltr"> PUCCINI. “TURANDOT”. Completada por Franco Alfano. Nada menos que diez funciones con tres repartos, en este caso agrego a FE los números 1 ó 2, y pongo primero el personaje. Turandot: María Guleghina (abonos), Elizabeth Blanke-Biggs (FE1), Mónica Ferracani (FE2); Liû (errata en el folleto, no aparece, pero sí sus intérpretes): Verónica Cangemi (abonos), Jaquelina Livieri (FE1), Marina Silva (FE2); Calaf: Kristian Benedikt (abonos), Marcello Giordani (FE1), Enrique Folger (FE2); Timur: James Morris y Fernando Radó : como Radó no tiene una estrella al lado -convención usada en el folleto para segundos repartos- me pregunto si ambos estarán tanto en los abonos como en las FE. Altoum: Raúl Giménez (todas las funciones). No figuran Ping, Pang, Pong. Los repartos presentan varias incógnitas sobre renombrados artistas: Guleghina sólo ofreció en el Colón un concierto con orquesta en Mayo 2007; se verá cómo está su voz en un rol tan fuerte 12 años después; Morris cantó “La Walkiria” en 1996, única presencia suya en nuestro teatro, todavía en la cumbre de su fama; 23 años más tarde compondrá el personaje de un anciano cuando él mismo lo es; resulta tradicional que el ancianísimo Altoum sea un personaje para artistas de reconocida carrera pero que están en sus altos años: el caso de un noble tenor argentino, Raúl Giménez. Tres argentinas de nivel cantan Liù; como Calaf Benedikt es nuevo para mí; tengo buen recuerdo de Giordani; y Folger tiene los medios. No recuerdo haber oído a Blanke-Biggs; y mantengo mi confianza en Ferracani. Director de orquesta: el experimentado Christian Badea. Al Coro Estable se une el de Niños dirigido por César Bustamante. </li> </ol> Con toda razón continúa el aprovechamiento de la herencia de Roberto Oswald. Su “Turandot” de 1993 había sido impactante y se repitió al año siguiente. En 2006 tras el estreno de la segunda versión original de “Boris Godunov” de Mussorgsky (sin Rimsky-Korsakov) durante Octubre el Colón cerró por refacciones hasta Mayo 2010; ello obligó a que la programada “Turandot” de Oswald tuviera que adaptarse al muy diferente ámbito del Luna Park, y allí se dieron las funciones en Noviembre con gran éxito. Oswald fue asistido por Christian Prego, y su vestuarista ya desde 1993 era su habitual colaborador, Aníbal Lápiz. Ahora, en el Colón, Prego repondrá la escenografía y Lápiz el vestuario, y Matías Cambiasso será el repositor de la régie. Iluminador: Rubén Conde. Junio 25 (GA), 26 (FE1), 28 (ANT), 29 (FE2), 30 (AV), Julio 2 (ANN), 3 (FE1), 5 (FE1), 6 (F E2), 7 (FE1). 4) R.STRAUSS: ARIADNA EN NAXOS. Sólo las funciones de abono (ni siquiera a Strauss le tienen confianza los que rigen el Colón en este año sin Wagner). Magnífico logro del compositor con el notable libreto de Hoffmannsthal, “Ariadna” es una de las cinco mejores óperas straussianas. Tuvo atrayentes versiones en el Colón en 1964, 1982 y 1993, y también hubo un notable resultado musical en la de Buenos Aires Lírica en el Avenida. Más allá de que hubiera preferido que se reponga “Daphne”, bella obra que sólo se dio en 1948 dirigida por Erich Kleiber, salvo que yo tenga un blanco en mi memoria y que el Colón la haya dado después de su reapertura (creo que no), también “Ariadna” se hizo esperar y es una buena elección de ópera alemana (la única del año). Carla Filipcic Holm (Ariadna), Gustavo López Manzitti (Baco), Jennifer Holloway (Compositor), Ekaterina Lekhina (Zerbinetta), Hernán Iturralde (Maestro de Música), Luciano Garay (Arlequín), Iván García (Truffaldino). Dos sólidos protagonistas argentinos y dos damas extranjeras en espléndidos personajes: la refinada sensibilidad del Compositor y la estratosférica coloratura de Zerbinetta; aquí la incógnita es Lekhina. Los veteranos no se van a olvidar de Tomova-Sintov o Christa Ludwig, o incluso de Renate Holm, en los tres roles principales femeninos, o de Decker en la orquesta y Pöttgen en la régie, pero esta “Ariadna” puede ser positiva si el enfoque de Lombardero es acertado. Como en La Plata, vuelven a trabajar juntos el director de orquesta Alejo Pérez (que demostró ser buen straussiano en “El caballero de la rosa”) y el régisseur Marcelo Lombardero, con sus habituales colaboradores: Diego Siliano (cuya escenografía será repuesta por Noelia González Svoboda), Luciana Gutman (V) y Fiorruccio (I, por tercera vez en la temporada). Julio 26 (GA), 31 (ANT), Agosto 2 (ANN) y 4 (AV). 5) MONTEVERDI: “L´INCORONAZIONE DI POPPEA”. Esta ópera, la más importante del siglo XVII, tuvo una magnífica versión en nuestro teatro, dirigida por René Jacobs y con régie de Gilbert Deflo. Fue en junio 1996 y con notables intérpretes: Anna Caterina Antonacci, Cecilia Díaz, Michael Chance, Correa Dupuy, Graciela Oddone y Dominique Visse. Gran éxito, pero jamás volvieron Jacobs y Deflo. Hubo luego una honorable interpretación en Buenos Aires Lírica y una hace pocos años en el Coliseo con aceptables cantantes pero desenfocada régie de Lombardero. A 23 años de ese gran recuerdo en el Colón, vuelve esta ópera pero en versión de concierto y por un grupo que quizá sea bueno, admito no conocerlo: el Ensemble Matheus dirigido por Jean-Christophe Spinosi. Los cantantes están mencionados en el folleto aunque sin aclarar personajes: Josè Maria Lo Monaco, Fillipo Mineccia, Anna Sohn, Francesco Fernandes-Rueda, Rupert Charlesworth, Carlo Allemano y Emilie Rose-Brey. Como el año pasado, o con “Rinaldo” de Händel, un título de abono en versión de concierto; obviamente para ahorrar. Con ese dinero traen a algún nombre famoso en el abono de conciertos pero las entradas siguen siendo muy caras en el abono de ópera. Agosto 30(GA), Septiembre 1 (AV), 3 (ANT) y 4 (ANN). Sólo los abonos, y los últimos dos en días seguidos; ¿los cantantes barrocos no se cansan? <ol start="6"> <li dir="ltr"> DONIZETTI: “DON PASQUALE”. Esta famosa opera buffa es una elección segura y barata. En cambio “Anna Bolena” sigue durmiendo el sueño de los justos. En el doble o triple elenco predominan los argentinos. Siete funciones. Don Pasquale: el talentoso Nicola Ulivieri (abonos), Septiembre 24 (GA), 27 (ANT), 29 (AV), Octubre 1 (ANN); Lucas Debevec Mayer, Septiembre 25 y 27 (FE1), Víctor Torres, Octubre 2 (FE2). Norina: Jaquelina Livieri (Abonos), Laura Polverini (FE1 y 2). Ernesto: Santiago Ballerini (Abonos), Santiago Martínez (FE1 y 2). Dottor Malatesta: Dario Solari (Abonos), Cristian Maldonado (FE 1 y 2). Director: nuevo aquí, Srba Dinic. Coro Estable. Producción Colón. R: Favio Sparvoli (debut); E, I, Bordolini; V: Imme Müller. </li> <li dir="ltr"> GLUCK: ORFEO ED EURIDICE. Otra obra de escasa inversión y célebre, con sólo tres personajes y nada más que las funciones de abono. Bien poco queda en esta temporada para los que no están abonados. Dos extranjeros, Daniel Taylor (Orfeo) y Ellen McAteer (Amor), y una española de nuestro medio, Marisú Pavón (Euridice). Director: Manuel Coves (actual director de la OSODRE). Producción del Colón. R: Carlos Trunsky (rara elección para el clasicismo); E, Carmen Auzmendi; I: Rubén Conde. Noviembre 8, 9, 10 y 12. </li> </ol> 8) OFFENBACH: LOS CUENTOS DE HOFFMANN. La fascinante ópera póstuma del creador de la opereta es en la actualidad repertorio en todo el mundo. Aquí se da con frecuencia pese a su complejidad, y no sólo el Colón sino BAL y Juventus se han animado a ponerla en escena. Una tendencia general de los teatros en los últimos años ha sido la de realizar coproducciones con otras salas mundiales, y el año pasado y en la gestión de Lopérfido fueron abundantes. Este año ni una; ¿habrán concluido que con un criterio austero de presupuesto era mejor hacerlas localmente? Sin embargo ni Bordolini ni el elegido para Offenbach, Miguel Zanetti, tienen habitualmente ese criterio artístico. Aquí él estará a cargo de casi todo: R, E y V. I: Eli Sirlin. Seis funciones. Hoffmann: Ramón Vargas (esperemos que repuesto de los problemas que le hicieron cancelar “Werther” años atrás; Abonos): Noviembre 29 (GA), Diciembre 1 (AV), 4 (ANT), 6 (ANN); Darío Schmunck: Noviembre 30 y Diciembre 7 (FE). Lindorf/Coppelius/Miracle/Dapertutto: Rubén Amoretti (Abonos), Fernando Radó (FE). Olympia: Rachel Gilmore (Abonos), Oriana Favaro (FE). Giulietta: Miljana Nikolic (Abonos), Guadalupe Barrientos (FE). Antonia/Stella: Virginia Tola (Abonos), Paula Almerares (FE). Nicklausse: Sophia Koch (Abonos); Adriana Mastrángelo (FE). Figuras nuevas extranjeras o argentinas/rioplatenses de amplia carrera. Director: Enrique Diemecke. Coro Estable. En suma, una temporada muy mediana marcada por el presupuesto restringido y la escasa innovación, como aquellos que conocemos bien la historia del Teatro sabemos que ocurrió en muchos otros años. Falta referirme primeramente a la Ópera de Cámara del Colón dirigida por Marcelo Lombardero, que da sus funciones no en el gran teatro sino en el 25 de Mayo. Nuevo ahorro: repìte “Powder her face” de Thomas Adès, estrenada a fines del año pasado; esto será en marzo 23, 26, 29 y 30. La segunda será para niños (y adultos) y se dará en la sala grande del Colón: “El Principito”, de Rachel Portman, texto de Nicholas Wright sobre Saint-Exupéry (es la primera vez que la Ópera de Cámara se une a la programación para niños; nuevo ahorro); estreno latinoamericano; supongo que traducida (no se aclara). Además no será en las vacaciones de Julio sino en Septiembre: 28 a las 11 hs (Abono niños), mismo día a las 14 hs (FE), 29 a las 11 hs (FE). Director regente de la Orquesta Académica del ISA: Ezequiel Silberstein. R: Mariana Ciolfi; E: Matías Otálora; V: Stella Maris Müller; I: Fabricio Ballarati. No se mencionan los cantantes. Cierra la temporada con el estreno latinoamericano de “Mitridate, Rè di Ponto”, K.97 (74ª), obra del Mozart adolescente con libreto de Vittorio Amedeo Cigna-Santi sobre Racine. Director: Ulises Maino. R: Julián Ignacio Garcés; E: Diego Cirulli; V: Mariana Seropian; I: Verónica Alcoba. Tampoco se especifican los cantantes. Valiosa la elección de la ópera, asombrosa en su calidad. El CETC (Centro de Experimentación) estrenará “Deseo” del suizo Beat Furrer sobre el mito de Orfeo con textos de Ovidio, Virgilio, Cesare Pavese y Günter Eich. Euridice es “Ella”: Natalia Salardino. Orfeo es “Él”, aparentemente no un solista sino un Coro de extraño nombre: Cantando Admont, dirigido por Cordula Buergi. No habría orquesta. Marzo 14, 15 y 16. El ISA presenta dos óperas: “La finta giardiniera” de Mozart en mal ámbito, el CETC (debería estar en el 25 de Mayo); sólo se da el nombre del director: Marcelo Ayub; orquesta, coro y solistas serán alumnos y el proyecto escénico tendrá la tutoría de “Fabbrica” de la Ópera de Roma. Mayo 23 y 24 a las 20 hs, 26 a las 17 hs, 28 y 29 a las 20 hs. Y se ofrecerá la “Armide” de Lully en colaboración con el Centre de Musique Baroque de Versailles. Director: Benjamin Chénier. Tutoría escénica: Deda Cristina Colonna. Nuevamente serán alumnos los intervinientes. Colón Contemporáneo presentará el estreno americano de “El Baile”, en versión concierto (2008-9-12) de Oscar Strasnoy con libreto de Matthew Jocelyn sobre novela corta de Irène Némirovsky, con ilustraciones de Hermenegildo Sábat. Director de la Filarmónica: Wolfgang Wengenroth. ¡No se mencionan cantantes! ¿Será una ópera? BALLET. Ya se sabe cuál es la tendencia de Paloma Herrera como Directora del Ballet del Colón, totalmente avalada por Alcaraz: ballets largos y tradicionales que llenan la sala. Y muchas funciones. Sólo contando las que se dan en la sala grande: ópera: 47; ballet: 44. Al menos este año la ópera supera al ballet, el año pasado fue al revés. EL QUIJOTE (MINKUS/VLADIMIR VASILIEV). Éste es el único ballet que en cantidad de reposiciones puede competir con dos de Tchaikovsky: “Cascanueces” y “El lago de los cisnes” (y este año el segundo reemplaza al primero al final de la temporada). Muy cerca queda “Giselle” de Adam. El pas de deux del acto final es el más trillado que existe en las galas y probablemente incita a ver la obra entera. Data de 1869: “Don Kikhot”, música de Ludwig Minkus, libreto y coreografía de Marius Petipa, reconstruida en 1900 por Aleksandr Gorski en 1900 (reduciendo el ballet a 3 actos y revisando el libreto) y por Rostislav Zakharov en 1940; y pese a la tontería del folleto anual del Colón, que pretende que sea una historia y peripecia del Caballero Andante, se trata realmente del amor de Basilio y Kitri en el episodio de “Las Bodas de Camacho”. A su vez el grand pas de deux (que en su versión completa tiene también intervenciones de amigas de Kitri) fue revisado por Anatole Oboukhov. Hubo luego otras versiones, como las de Balanchine, Vasiliev y la muy vista aquí de Zarko Prebil, innovadora y divertida. Vasiliev, con su esposa Ekaterina Maximova, nos visitó con frecuencia décadas atrás; esta pareja siempre impresionó por su fuerte personalidad y magnífica técnica. Ahora en sus altos años, Vasiliev supervisará su coreografía de “Don Quijote”, tantas veces vista en Rusia pero no aquí (aunque ambos han bailado en el Colón el pas de deux). Director de la Filarmónica: Carlos Vieu. Invitados: Evgenia Obraztsova (Bolshoi); Isaac Hernández (English National Ballet). AN: Abono Nocturno; AV: Abono Vespertino; FE: Función Extraordinaria. Abril 3 y 4 (FE), 5 (AN), 6 (FE), 7 (AV), 9 a 14 (FE). EL CORSARIO (ADAM, PUGNI, DRIGO, DELIBES/ANNA MARIA HOLMES). Repuesto por tercera vez ( o quizá cuarta, no estoy seguro), es un ballet de gran virtuosismo y la producción del Colón es notable (incluso fue pedida en New York). Está fuera del abono, sólo FE en Mayo 30 y 31 y Junio 1 y 2, con los de la casa. Director: Javier Logioia Orbe. NOCHE CLÁSICA Y CONTEMPORÁNEA. La presencia más contemporánea en el año, la segunda obra (que se vio gratis con otras en el Anfiteatro del Parque Centenario durante Carnaval) será CLEAR, MÚSICA DE J.S.BACH (Concierto para violín y oboe), COREOGRAFÍA DE STANTON WELCH (aunque sobre música barroca…) estrenada por el American Ballet Theatre en 2001. La inicial será ALLEGRO BRILLANT (TCHAIKOVSKY/BALANCHINE); “contiene todo lo que sé sobre el ballet clásico en apenas 13 minutos”. Y finalizará con FANCY FREE (BERNSTEIN/ROBBINS), que el American Ballet Theatre dio a conocer aquí en su espléndida visita de Junio 1955 pero nueva para el Colón y exigente por su energía jubilosa y tan neoyorquina; no exactamente contemporánea pero sí ajena al academicismo. El programa es corto (apenas algo más de una hora) aunque difícil para nuestros bailarines, ajenos a estos estilos en general salvo excepciones. Director de la Filarmónica: Carlos Prazeres. Junio 5 y 6 (FE), 7 (AN), 8 (FE) y 9 (AV). LA SYLPHIDE (SCHNEITZHOEFFER/LACOTTE). El propio Lacotte dio a conocer en el Colón hace varias décadas la reconstrucción de la coreografía de Filippo Taglioni para su hija Maria de 1832. El libreto de Adolphe Nourrit se refiere al amor de una sílfide con un escocés. Obra exquisita, tuvo aquí gran repercusión. Por otra parte, también Bournonville se interesó en el tema y realizó su propia inconfundible coreografía de pasos cortos y rápidos en 1836 para el Teatro Real de Copenhague con música de Lövenskjold. Estas dos versiones tuvieron múltiples variantes de muchos otros coreógrafos pero siguen siendo las esenciales, y por suerte hemos podido ver varias veces la de Bournonville, la última hace pocos años por nuestro Ballet del Sur en el Coliseo. Ambas son un placer, y la de Lacotte podrá verse en dos funciones con bailarines invitados, ambos del American Ballet Theatre: la muy promovida bailarina de color Misty Copeland y nuestro Herman Cornejo. Directora: Tara Simoncic. Agosto 20 a 22 (FE), 23 (AN), 24 (FE), 25 (AV) y 27 (FE). LA CENICIENTA (PROKOFIEV/BEN STEVENSON). El año pasado presenciamos el mejor ballet largo del siglo XX, “Romeo y Julieta” de Prokofiev, en la prestigiosa coreografía de Macmillan. En esta temporada podremos ver la versión de Stevenson del siguiente ballet del compositor, “La Cenicienta”, de una gran belleza y frescura, humorística y romántica, con finísima orquestación y esas melodías de penetrante lirismo que sólo pueden ser de Prokofiev. Por cierto es una excelente elección. Hemos visto otras coreografías interesantes, como la de George Skibine, y también hubo un caso bochornoso cuando años atrás tuvo que representarse con música grabada porque el Colón no había pagado el material de orquesta (las fallas de nuestro teatro tienen larga y triste historia al lado de los aspectos positivos). Fue estrenada en Noviembre 1945 con coreografía de Zakharov en el Bolshoi (no en San Petersburgo, como erróneamente dice el folleto). Merece citarse también la coreografía de Ashton de 1948, que innovó con las hermanastras grotescamente bailadas por hombres (la idea fue tomada por otros coreógrafos). Director: Jesús Medina. Bailarín invitado: Marcelo Gomes. Octubre 19 (FE), 20 (AV), 22 (AN), 23 (FE), 24 a 26 (FE). EL LAGO DE LOS CISNES (TCHAIKOVSKY/GALIZZI). Ya vista en años recientes, reemplaza a “Cascanueces” en el final de temporada. Director de la Filarmónica: Diemecke. Diciembre 17 a 19 (FE), 20 (AN), 21 (FE), 22 (AV), 26b a 29 (FE). Habrá adaptaciones de “El Quijote” (Abril 13, 11 hs) y “La Cenicienta” (Octubre 25, 11 hs) para niños. ¿Qué nos dará el Teatro Argentino? Aparte de espectáculos mixtos de relativo interés en otras salas, lo que importa es la versión integral de “Raymonda” de Glazunov (1898) en la reposición de Martín Miranda según Petipa. Lo publicitan como estreno en la Argentina, pero es estreno en La Plata, ya que en el Colón hará unos cuarenta años la presentó el Bolshoi en su extraordinaria visita. Sea como fuere, es una obra extensa, de grata música y mucho despliegue, que se verá con escenografía de Christian Prego y vestuario de Aníbal Lápiz. Había sido un proyecto de Maricel De Mitri años atrás y fue anunciado cuando se presentó la temporada en el San Martín de Buenos Aires, pero a los pocos meses lo programado fue víctima tanto de la crisis financiera como de la falta de interés en la cultura de las autoridades que azotó al Argentino. Habrá funciones en la Sala Ginastera del 19 al 22 de diciembre. En el Coliseo Nuova Harmonia inicia su temporada el 4 de Abril con una gala de Ballet con Eleonora Abbagnato y estrellas Italianas en el mundo a cargo de Daniele Cipriani. Abbagnato es étoile de la Ópera de París y otras figuras serán Silvia Azzoni (Hamburg Ballett), Matrhieu Ganio (Ópera de París), Alexander Ryabko (también del Hamburg) y principales figuras de La Scala y de la Ópera de Roma. . Coreografías de Neumeier, Petipa, Roland Petit, entre otros. Seguramente habrá la habitual Gala Internacional en Agosto, y aunque no hay anuncios claros es muy factible que ya sea ballets italianos dentro de Italia XXI o de otra procedencia bailen en el Coliseo. Si bien carezco de la información exacta, sé que el Ballet Contemporáneo del San Martín tendrá varios estrenos de variada índole, especialmente una versión de “Macbeth”. Y a quienes les interese especialmente lo experimental deberán seguir los frecuentes anuncios en los diarios, ya que son abundantes los grupos. <div> </div>
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 titleIdomeneo, Rey de Creta. Un alegato pacifista en tiempos revueltos.
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 short_descIdomeneo, Rey de Creta, de Mozart en el Teatro Real de Madrid. Al mando el Director de Escena e Iluminador Robert Carsen. Él mismo un átrida combativo, más apolíneo que dionisíaco.
 description<img alt="" src="/src/media/images/Agenda/Idomeneo%201166.jpg" style="height:400px; width:800px" /> PH: Javier del Real <blockquote> Idomeneo, Rey de Creta, de Mozart en el Teatro Real de Madrid. Al mando el Director de Escena e Iluminador Robert Carsen. Él mismo un átrida combativo, más apolíneo que dionisíaco. </blockquote> Información preparada por el departamento de Prensa del Teatro Real: Idomeneo, Rè di Creta se ofreció en el Teatro Real en julio de 2008, en una coproducción del Teatro Real con La Scala de Milán y la Ópera Nacional de París, con dirección musical de Jesús López Cobos y dirección de escena de Luc Bondy. Entonces se interpretó la versión de Munich, de 1781, con el papel de Idamante, escrito originalmente para castrato, interpretado por las mezzosopranos Bernarda Fink y Joyce DiDonato. En esta ocasión se ofrecerá una versión basada en la que Mozart reescribió, con sustanciales modificaciones, para Viena, en 1786, con el rol de Idamante destinado a un tenor, pero prescindiendo de las arias de Arbace y del ballet, en beneficio de la coherencia dramatúrgica de la ópera. Idomeneo vuelve al Real en la concepción de Robert Carsen, como una “declaración anti-belicista potente, con un final lleno de esperanza: la posibilidad de que una nueva generación traiga el amor y la paz y pueda transformar un mundo herido por el poder, la guerra y la destrucción”. Se ofrecerán 9 funciones de la ópera, entre el 19 de febrero y el 1 de marzo, en una nueva producción del Teatro Real en coproducción con la Canadian Opera Company de Toronto y el Teatro dell'Opera di Roma y Copenhague. El director de escena Robert Carsen traslada las luchas homéricas a la actualidad, en una isla del Mediterráneo llena de víctimas de guerra, refugiados y militares interpretados por más de 170 artistas (actores y coro). La dirección musical será de Ivor Bolton, gran experto en la obra de Mozart, que interpretará también, al clave, el acompañamiento a los recitativos de la ópera. Dos repartos darán vida a los personajes de Idomeneo, destacando los cuartetos protagonistas: Eric Cutler y Jeremy Ovenden (Idomeneo); David Portillo y AnicioZorziGiustiniani (Idamante); AnettFritsch y Sabina Puértolas (Ilia), y Eleonora Buratto y HulkarSabirova (Elettra)". EXCURSUS: Por la experiencia personal de esta periodista, Robert Carsen encajó a la perfección en la rueda de prensa arropado por la bonhomía alegre de Ivor Bolton, director de orquesta y Joan Matabosch, director artístico del Real, pero se muestra distante y hosco ante algunas preguntas en el cuerpo a cuerpo. Cuestiona muy serio de dónde se ha conseguido la información para esas preguntas que se le plantean y responde, ante algunas, "que a eso no voy a contestar". Recuerda a lo lejos, en el tiempo, al casi olvidado escritor Francisco Umbral, cuando, en los programas de televisión contestaba, sin prejuicios, "yo he venido a hablar de mi libro". Siempre con escaso tiempo, trabajando 16 horas antes del estreno, parece que ha decidido comentar exclusivamente "su" Idomeneo y su concepto del mundo que emana de esta revisión del mito griego y del clásico mozartiano. A pesar de lo complicada que fue la comunicación con este consagrado canadiense de la escena, hijo de un filántropo y mecenas de las artes y la música de origen judío, fallecido centenario, qué menos que desearle- "noblesseoblige" - como hacen los italianos y algunos europeos ante un estreno, "in bocca al lupo". Lo va a necesitar y que se acuerde, por si acaso, de dejar en su copa de vino, unas gotas para que la liben los antiguos dioses de los troyanos y los griegos... (El lector interesado encontrará más abajo, declaraciones de Robert Carsen sobre la ópera, difundidas también por el Teatro Real). Siguiendo con la información del coliseo madrileño, "en torno a Idomeneo se han programado distintas actividades en el Teatro Real, la Biblioteca Nacional, el Museo Arqueológico Nacional, el Museo Lázaro Galdiano y el British Council. El canal de televisión Mezzo y Palco Digital retransmitirán la ópera en diferido, en una coproducción audiovisual del Teatro Real y François Roussillon&Associés, con posterior distribución internacional y edición en DVD. ATENCIÓN: las representaciones comenzarán a las 19.00 horas y no a las 20.00 horas, como es habitual. La dirección de escena de Robert Carsen ?que firma también la escenografía, junto con Luis F. Carvalho, y la iluminación, compartida con Peter van Praet?, traslada las luchas homéricas entre griegos y troyanos, trasfondo original de la ópera, a una isla del Mediterráneo en la actualidad, donde cerca de 170 intérpretes ?miembros del coro y actores? representan al ejército, deportados, refugiados y víctimas de guerra. Personajes que, según Carsen, “han perdido sus puntos de referencia: desnortados por la guerra y el dolor, no saben hacia dónde dirigirse…” El mar, tan genialmente evocado en la instrumentación de Mozart, está omnipresente en la producción, reforzando la sensación de desarraigo, soledad, inseguridad o temor de los personajes. A sus orillas se desarrollan los grandes temas de la ópera, articulada a partir de una versión ilustrada y afrancesada del canto XXIV de la Iliada en el que Idomeneo, de regreso a Creta después de vencer a los troyanos, para salvar su vida amenazada por la furia del mar, promete a Neptuno sacrificar a la primera persona que encuentre en la orilla, que resultará ser su propio hijo Idamante. La compleja, dolorosa y tensa relación entre padre e hijo, que late a lo largo de toda la ópera, se suele comparar con la que vivía entonces el propio Mozart, que a sus 25 años había dejado Salzburgo y la casa paterna, componiendo gran parte de la partitura en Munich, lejos del yugo y la protección de su progenitor. En la partitura late esa libertad y frescura, con una invención melódica desbordante y una orquestación llena de hallazgos y osadías armónicas, pese a encontrase encorsetada entre dos modelos de ópera ?la italiana y la francesa? que convivían en la Europa convulsa de entonces. Mozart enlaza magistralmente los recitativos, con las arias, números de conjunto y partes corales en una partitura bisagra entre dos estilos que Ivor Bolton conoce con profundidad y veteranía. El director musical del Teatro Real, que dirigirá su cuarto título mozartiano al frente de la Orquesta Titular del Teatro Real ?después de Las bodas de Figaro, La flauta mágica y Lucio Silla? interpretó también Alceste, de Christoph Gluck, en 2014, con la que Idomeneo encuentra muchas afinidades, sobre todo en los maravillosos números para coro, marchas e interludios orquestales." Alicia Perris
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 titleEl Teatro Colón, el mejor del mundo
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 short_descTravel365, uno de los sitios de turismo más destacados del mundo, eligió al Teatro Colón como el teatro de ópera más importante del mundo, por considerarlo “un verdadero monumento del arte teatral, lírico y acústico, sin duda de los mejores de todos los tiempos”.
 description<img alt="" src="/src/media/images/Agenda/Col%C3%B3n.jpg" style="height:400px; width:800px" /> <blockquote> Travel365, uno de los sitios de turismo más destacados del mundo, eligió al <a href="https://www.clarin.com/tema/teatro-colon.html">Teatro Colón</a> como el teatro de ópera más importante del mundo, por considerarlo “un verdadero monumento del arte teatral, lírico y acústico, sin duda de los mejores de todos los tiempos”. </blockquote> Según el rating que realizó Travel365 sobre "Los 15 teatros de ópera más importantes del mundo", colocó al Colón -que este año celebró su aniversario número 110- por sobre grandes e históricas casas de ópera como La Scala de Milán, el Teatro Massimo de Palermo o la Opéra Garnier, de París. <div> “Ha costado mucho, un verdadero dineral, debido a las vicisitudes que pasó la obra; pero en cambio Buenos Aires tiene en él uno de los mejores teatros del mundo y podríamos decir que el mejor de todos, si lo consideramos en conjunto”. Las palabras de la revista Caras y Caretas en las horas previas a la inauguración del Teatro Colón, el 25 de mayo de 1908, resumen y sellan el lugar que tuvo desde entonces en el imaginario colectivo la institución cultural más emblemática de la Argentina. Pueden leer la nota que realizó Margarita Pollini para MusicaClasicaBA Revista N°8 sobre su historia:"<a href="http://musicaclasicaba.com.ar/blog/ver/721/Una_noche_de_mayo_110_anos_despues" target="_blank">Una noche de mayo, 110 años después"</a>. Donde trae a la memoria algunos testimonios que revelan que, por ejemplo, su archifamosa y elogiada acústica no convenció desde un principio, y que la noche inaugural dejó un saldo agridulce gracias a una organización deficiente. Pero volviendo a la nueva noticia, aquí el rating completo: 1- Teatro Colón, Buenos Aires, Argentina <img alt="" src="/src/media/images/Agenda/teatro-colon%20(1).jpg" style="height:400px; width:800px" /> <hr /> 2- La Scala, Milán, Italia <img alt="" src="/src/media/images/Agenda/scala.jpg" style="height:533px; width:800px" /> <hr /> 3- Teatro Massimo, Palermo, Italia <img alt="" src="/src/media/images/Agenda/masimo.jpg" style="height:533px; width:800px" /> <hr /> 4- Opera Garnier, París, Francia <img alt="" src="/src/media/images/Agenda/paris.jpg" style="height:420px; width:800px" /> <hr /> 5- Teatro de la ópera, Viena, Austria <img alt="" src="/src/media/images/Agenda/viena.jpeg" style="height:421px; width:800px" /> <hr /> 6- Royal Opera House, Londres, Inglaterra <img alt="" src="/src/media/images/Agenda/royal.jpg" style="height:533px; width:800px" /> <hr /> 7- Gran Teatro La Fenice, Venecia, Italia <img alt="" src="/src/media/images/Agenda/gran-teatro-la-fenice-1.jpg" style="height:533px; width:800px" /> <hr /> 8- Metropolitan Opera House, Nueva York, Estados Unidos <img alt="" src="/src/media/images/Agenda/MET_OPERA_Auditorium_8270b.jpg" style="height:535px; width:800px" /> <hr /> 9- Teatro Estatal, Praga, República Checa <img alt="" src="/src/media/images/Agenda/g_ALE6595.jpg" style="height:572px; width:800px" /> <hr /> 10- Fox Theatre, Detroit, Estados Unidos <img alt="" src="/src/media/images/Agenda/FoxTourPic5-1024x585.jpg" style="height:457px; width:800px" /> <hr /> 11- Teatro de la ópera, Copenhague, Dinamarca <img alt="" src="/src/media/images/Agenda/cope.jpg" style="height:355px; width:800px" /> <hr /> 12- Teatro Bolshoi, Moscú, Rusia <img alt="" src="/src/media/images/Agenda/teatro-bolshoi.jpg" style="height:550px; width:800px" /> <hr /> 13- Opera House, Sydney, Australia <img alt="" src="/src/media/images/Agenda/sidney.jpg" style="height:450px; width:800px" /> <hr /> 14- Opera del Margrave, Bayreuth, Alemania <img alt="" src="/src/media/images/Agenda/germany.jpg" style="height:600px; width:800px" /> <hr /> 15- Teatro San Carlo, Napoli, Italia <img alt="" src="/src/media/images/Agenda/s_carlo1_.jpg" style="height:639px; width:800px" /> <div> </div> <div> </div> <div> </div> </div>
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El Teatro Colón, el mejor del mundo

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