Este artículo tiene dos partes: la primera visita de una pianista talentosa que nos llega muy tarde en su carrera, heredera de una tradición extraordinaria: la de su maestro Artur Rubinstein. Y dos instancias de buena música de cámara con renovado repertorio.
DUBRAVKA TOMSIC SREBOTNJAK
Lo confieso, este nombre y apellidos tan eslavos me eran desconocidos y me extrañó que figuraran en el costoso y deslumbrante abono del Colón, Grandes Intérpretes Internacionales, que se inició con la Orquesta Filarmónica de Viena dirigida por Gustavo Dudamel y luego de la artista que comento incluirá el debut argentino de Anna Netrebko y los retornos de Bryn Terfel y Juan Diego Flórez. Fui al concierto con extrañeza y volví a mi domicilio feliz de haber conocido a una artista de primera línea, aunque no tuve el placer de ver sus manos tocando (estuve en localidad par). Aclaro que el teclado de mi computadora no incluye los circunflejos al revés que necesitan nombres y apellidos de muchos países europeos; en este caso lo tienen la s y la c de Tomcic. También es necesario informar que Tomsic es su apellido de soltera, pero ella decidió añadir el de su marido durante décadas, el compositor Alojz Srebotnjak (1931-2010), de quien estrenó en este recital sus “Danzas macedonias”, todo lo cual revela que para ella esa relación fue y es esencial; para los latinos no resulta fácil recordar ese doble apellido.
Niña prodigio, a los cinco años dio su primer recital; ahora, según una información que no figura en la biografía del programa, tendría 78 años, lo cual convierte a su carrera en una de las más longevas. Nacida en Eslovenia, a los 12 años se mudó a New York, ingresó en la célebre Juilliard School y se graduó a los 17. Al escucharla en el Carnegie Hall en 1957, Rubinstein la invitó a estudiar con él. De allí en más ofreció 4.000 recitales en todos los continentes; pero la frase “desde 1989 es invitada a actuar en Estados Unidos” desconcierta ya que implica que durante un tiempo largo no lo hizo. Aparentemente fueron muchos los años en donde se radicó en su país de origen, ya que también Srebotnjak era esloveno, y quizá durante un período extenso sus recitales fueron en otras zonas. Recordar que Eslovenia fue parte de Yugoslavia hasta que se independizó (visité la capital, Ljubljana, en 1961, cuando el Mariscal Tito estaba en el poder, y me impresionó como una ciudad bella, con similitudes vienesas, y con una Ópera de buen nivel, donde ví el “Macbeth” de Verdi en esloveno). Dice la biografía: “desde 1987 ha registrado más de 90 CDs” (¡!); en mi catálogo RER del año 2000 sólo figuran dos Koch: Mozart, Sonatas, Vol. 1; y Beethoven, Sonatas Nos. 23, 26 y 31. “El recital en el Colón es su primera presentación en América del Sur”. Lamento haberla desconocida hasta ahora, y enhorabuena que finalmente nos llegó, ya que su recital la mostró en forma admirable, digna discípula del gran Rubinstein, de quien tengo recuerdos inolvidables por conciertos en Washington y París (éste acompañado por Barenboim como director, tocando el Primer Concierto de Brahms a los 85 años con impactante seguridad y soberbio estilo).
Inició su recital vespertino con 5 sonatas de Domenico Scarlatti; ¡5 entre 555! Durante décadas rigió el catálogo Longo, hasta que el gran clavecinista Ralph Kirkpatrick realizó uno más preciso, y es el que ahora se utiliza (Kk). (Además hay 14 no publicadas). Tomsic, pese a que su veteranía implica que las conoció por Longo, se “aggiornó” correctamente y las presentó con sus números Kk. Ignoro cuántas conoce de ese inmenso legado; como supongo aconteció con grandes pianistas del pasado que dejaron grabaciones espléndidas (Maria Tipo, Clara Haskil, Vladimir Horowitz), habrá elegido sobre la base de mucho menos que esas 555 y según su gusto personal. Naturalmente fueron escritas para clave, en el Barroco tardío, ya que Scarlatti las escribió en su gran mayoría en Madrid entre 1733 y 1757, el año de su muerte a los 72 años. Las llamó “esercizi” y en su inmensa mayoría están escritas en forma binaria (dos partes que se repiten) y suelen no pasar de los 5 minutos. Conozco algo más de un centenar, combinando las que tengo en clave o en piano, y me atraen de igual manera en ambos instrumentos, pese a ser tan distintos en su estética: en el clave son más ásperas y contundentes, en el piano tienen matices muy atractivos. Pasa como en Bach pero de modo más marcado. Y cuando la escritura aprovecha los dos teclados del clave ello complica la ejecución pianística. El primero en intentar la grabación completa fue el clavecinista Fernando Valenti en Westminster y tengo 6 de esos discos (12 x 6, 72 sonatas), pero no pudo completar el proyecto debido a la lamentable quiebra de Westminster, una de las mejores y más prolíficas marcas en vinilo en los años 50 y 60. Mucho después, y en CD, dos artistas lograron esa proeza: Scott Ross y Luciano Sgrizzi; intenté en vano conseguirlos; en su tipo el emprendimiento es tan enorme como la integral de las cantatas bachianas. Ningún pianista se planteó ese desafío. Hay una plétora de grabaciones de una selección además de los ya mencionados: por sólo citar nombres básicos, Landowska, Leonhardt y Pinnock en clave; Schiff, Staier, Benedetti Michelangeli, Casadesus, M. Meyer. Mis modelos en recitales que pude escuchar fue Maria Tipo, de excepcional claridad y exactitud, en Buenos Aires; y Casadesus y Gileles en Washington; en clave, Valenti en nuestra ciudad. Y me gustaron mucho las pianísticas de Zacharias filmadas en La Alhambra por Cozarinsky. Como se ve, soy muy scarlattiano; y nuevamente tuve gran placer en apreciar en vivo su música tan imaginativa y fresca, esta vez en manos de Tomsic, que tocó con precisión, gusto y dominio 5 bien elegidas y contrastantes, y sólo una muy tocada: Kk 9 (Longo 413) en re menor; las restantes: Kk 11, 159, 14 y 125 (el programa erróneamente ponía K., lo que confunde con Köchel, el catálogo mozartiano)., fueron un reguero de ideas musicales estimulantes.
Por lo citado más arriba, se ve que Tomsic tiene un enorme repertorio; el CD de Beethoven mencionado contiene sonatas fundamentales; también lo es la justamente célebre Sonata Nº21, “Waldstein” o “Aurora”. Demanda agilidad, coordinación, variedad de fraseo, inteligente manejo del pedal, toucher poético en partes y rotundo en otras, así como expresividad en el movimiento lento; todo esto se pudo apreciar en una versión de gran nivel y firmeza, que demostró que a su alta edad Tomsic mantiene sus muy amplios medios. Por supuesto me recordó a Rubinstein, ¿y qué mejor referencia puede haber? Claro está que cualquier melómano tiene grandes recuerdos de ejecuciones en vivo de esta sonata; los míos son Gulda, Barenboim, Arrau; o menos perfectos pero muy expresivos, R. Serkin o Richter-Haaser; o las extraordinarias grabaciones de Backhaus y Brendel. Pero siempre habrá lugar para una ejecución de categoría, y ésta lo fue; “un 8.000”, como diría un escalador de los Himalayas.
Tontamente el programa no puso los necesarios y tradicionales I y II, pero sí, hubo intervalo tras la “Waldstein”; y la Segunda Parte se inició con el tributo de la intérprete a su marido: la primera audición (no consignada como tal) de las “Danzas macedonias” de Srebotnjak (1931-2010). Cito el útil comentario de Carlos Singer (bienvenida su presencia tras prolongado hiato): “importante compositor y educador musical. Su catálogo comprende música orquestal (Sinfonietta, Conciertos para arpa y para violín, Episodios concertantes), vocal, de cámara, coral, instrumental, el ballet ´La trompeta y el Diablo´, así como partituras para una decena de películas; buena parte de su producción se inspira en melodías tradicionales eslovenas y macedonias. Las ´Danzas Macedonias´ de 1975 son elaboradas transcripciones de danzas folklóricas con un lenguaje que posee fuerte afinidad con el de Bartók”. Conviene aclarar que Macedonia, ahora independiente, fue parte de la Yugoslavia unida de la época de Tito, y que es el complemento histórico de la Macedonia griega, cuna de Alejandro el Grande. Así como Bartók estudió y grabó música folklórica rumana y búlgara y luego utilizó parte de lo investigado en obras suyas, lo hizo Srebotnjak con la macedónica, bastante distinta de la de Eslovenia y emparentada con la Macedonia griega aunque manteniendo aspectos propios, derivados también del hecho de compartir tradiciones con Montenegro. La Macedonia ex yugoslava (que significa “eslavos del Sur”) es una comarca de espléndidos paisajes dominados por el Lago Ohrid y linda con Grecia, Albania, Kosovo, Serbia y Bulgaria; su capital es Skopje. Si bien en Macedonia se comparten tradiciones de la danza kolo con otras repúblicas de la ex Yugoslavia, hay maneras distintas. Instrumentos: el tapan, tambor de dos membranas; como todavía vive en Macedonia gente de origen turco y gitanos, ellos usan el darbuk de una membrana; en las ciudades utilizan un tipo de laúd llamado oot; tienen oboes llamados zurnas. Danzas: todas se bailan en grupo en los países de la ex Yugoslavia. Generalmente en los pueblos sólo bailan los jóvenes; hasta hace medio siglo, a las musulmanas en Macedonia no se les permitía bailar (no olvidar que hubo dominación musulmana en toda la ex Yugoslavia durante más de tres siglos después de la caída del Imperio bizantino); pero fuera de las musulmanas, las mujeres, como en la Macedonia Griega, bailaban de manera recatada, a diferencia del fogoso baile masculino. No hay danzas guerreras, pero sí cómicas, rituales, de casamiento; las que predominan son eróticas, con el hombre cortejando y la mujer aceptando o rechazando. Claro está que la modernidad hace que quede cada vez menos de todo esto, y por eso es importante que en todos los países haya ballets folklóricos que conserven las tradiciones o al menos las recuerden en ciertas fiestas. Las danzas de Srebotnjak me parecieron muy logradas; tres de ellas rápidas, intensas, rústicas, con acordes disonantes y ritmos saltarines; la Segunda, un Andante en cinco secciones contrastadas; y la Cuarta, Adagio, alternando “pasajes de tintes fúnebres con violentas erupciones” (Singer). Naturalmente, esta música estuvo en las manos más fieles y por analogía indica que Tomsic también se siente cómoda en lenguajes más contemporáneos.
Casi por supuesto, la parte final fue dedicada a Chopin, donde el faro conductor por excelencia era y es Rubinstein. Nada nuevo puedo decir en cuanto a las obras, que se encuentran entre las más bellas y auténticas del autor. El programa omitió datos útiles: había que aclarar que la Balada Op.47 es la Nº 3 y que los Nocturnos Op.27 Nos. 1 y 2 son Nos. 7 y 8. El programa concluyó con el Scherzo Nº2, Op.31. En efecto, la Balada Nº3, como dice Singer, es la más lírica y menos turbulenta de la serie; la pianista la reflejó con ese noble y profundo toucher donde cada nota cuenta; más allá de algún pequeño detalle imperfecto, el fraseo poético y el pedal impecable siempre estuvieron. Los Nocturnos Op.27 no están entre los más tocados y me interesaron especialmente; el primero porque su clima grave y sombrío fue captado idealmente, y el segundo porque es de los más melódicos y ella lo expresó con sutileza y gusto refinado. Y en el Scherzo Nº2 supo atenerse al Presto sin correr en demasía (como les pasa a tantos pianistas jóvenes en estas piezas; hasta el talentosísimo Lisiecki se equivocó de enfoque); fulgor y energía, sí, pero sin desbocarse; y nuevamente algún casi imperceptible desliz no afectó el placer de la escucha.
Dos piezas fuera de programa. La primera es un Liszt favorito mío: el estudio “La Leggierezza”, Nº2 de “3 estudios de concierto”, tiene una melodía de armonía innovadora, y la ligereza posterior fue en manos de Tomsic de una perlada perfección y de gran encanto. Finalizó con un tributo al gusto del período del siglo XX previo a la Segunda Guerra Mundial: los arreglos ostentosos y exagerados del Barroco realizados por Busoni; pero el que tocó al menos le permitió mostrar su habilidad para contestar una catarata fortissimo con otra pianissimo segundos después. Me quedo con el Busoni auténtico de su Fantasía contrapuntística. Pero en última instancia lo que importa es que tuvimos la presencia de una admirable pianista que era justicia conocer. Y el testimonio de cómo una técnica y un estilo de verdadera solidez pueden mantenerse (si la salud ayuda) en etapas tardías de la vida mediando la vocación y la energía.
CÁMARA INTERESANTE.
El Salón Anasagasti del Jockey Club (entrada por Cerrito) ha sido durante décadas un lugar muy grato para dar conferencias y conciertos de cámara; mi mujer y yo, p.ej., hicimos allí el paralelo Picasso-Stravinsky con diapos y grabaciones. El ciclo de conciertos es muy variado y alterna entre la música clásica y la buena música popular, en manos de dos amigos míos de larga data: Norberto Padilla y José María Cantilo. Me interesó un programa del Cuarteto Petrus con la pianista Natalia Gozález Figueroa porque (casi con total seguridad) asistí a la primera audición en nuestra ciudad del Quinteto con piano en sol menor, op.49, de Enrique Granados. Hay al menos dos grabaciones pero no las conozco: Rajna y Cuarteto Alberni (CRD) y Ensemble Variable (CPO). Al parecer estuvo un tiempo extraviado, ya que no figura en el Diccionario Grove de mi edición de hace medio siglo. Suscinto y breve(18 minutos), en tres movimientos, está técnicamente bien escrito y resulta agradable, aunque de poco ambiente español; y me pareció que el piano no tiene mucho lucimiento.
El concierto fue presentado por Padilla y por el primer violín del Petrus, Pablo Saraví, y pese a que se pìdió que no aplaudieran entre movimientos, muchos lo hicieron…(de paso, es regla en el Jockey: saco y corbata). El Petrus es un notable cuarteto, integrado además por Hernán Briático (violín II), Adrián Felizia (viola) y Gloria Pankaeva (violoncelo). Fue valioso iniciar la velada con el Adagio y fuga en do menor, K.546, de Mozart, cabal expresión del compositor en su total madurez, cuando había asimilado con entusiasmo las enseñanzas contrapuntísticas de Bach; es música austera, intensa y dramática. Y los artistas la llevaron a cabo con toda solvencia. Los escuché en otras ocasiones en el bien conocido y magnífico Cuarteto Nº6, Op.96, “Americano”, de Dvorak, música comunicativa, romántica, habilísima; lo hacen muy bien, con una natural compenetración de instrumentistas de ley. Y sin patrón comparativo, creo que también ellos y la pianista cumplieron a conciencia con su misión de permitirnos escuchar este Granados camarístico.
En el Salón Dorado del Colón se inició una serie denominada Claude Debussy Esencial de cámara, Homenaje a 100 años del fallecimiento de Claude Debussy, y al parecer lo armó la pianista Anaïs Crestin, que intervino y lo presentó. Tal como disponen las sillas no se ve nada, sólo se escucha; ¿es tan difícil hacer el esfuerzo de colocarlas con suficiente desfasaje para que se pueda ver y no sólo escuchar? Es poco inteligente. Al menos en este primer programa, lo de “esencial” sobra, más bien se estiró mediante arreglos lo que hay instrumental de Debussy para llegar a cuatro programas, pero los siguientes serán más sustanciosos. Y vale la pena continuar yendo. En esta ocasión los artistas fueron muy satisfactorios: Crestin, Matías Villafañe (violoncelo), Julio Domínguez (violín) y Emiliano Barri (saxofón) estudiaron a fondo las obras y las presentaron con segura técnica, musicalidad y afinidad con el estilo, que en este programa varió entre lo incipiente y lo ya asentado. Pero creo que hubiera sido mejor dar tres programas y no rellenar.
El programa se inició con un breve “Romance” massenetiano original para piano y transcripto por Gretchaninov para violoncelo y piano. Hay una “Romance” a secas pero la que se tocó parece ser la Romance “Silence ineffable” (con texto de Paul Bourget, grabada por Gedda y Ciccolini en su original y por Piatigorsky y Pavlovsky en la transcripción; data de 1884, los 22 años del compositor). Para los mismos instrumentos, pero sin transcripción, un Nocturno y Scherzo que duró 5 minutos; fue redescubierto en los años 80; me extrañó que hubiera poca diferencia de carácter y rapidez entre los dos fragmentos; no lo conocía. Es de 1882, inédito en vída del autor; lo grabó Rostropovich con Dedyukhin. Luego, la Rêverie para piano de 1990 se escuchó en una transcripción para violín y piano no especificada (me figuran grabadas varias transcripciones para distintos instrumentos, pero ninguna para esta combinación). El célebre preludio “Minstrels” (Libro 1º, Nº12) se escuchó en arreglo de Alberto Bachmann para violín y piano y me resultó poco satisfactorio. Otro Preludio, el delicioso “La doncella de cabellos de lino” (Libro 1º, Nº8), se escuchó en violín y piano, transcripción correcta de Léon Roques (aunque las grabadas por eminentes violinistas son las de Hartmann y Heifetz). Se escucha raramente la Rapsodia para saxofón y orquesta de 1901, revisada en 1908 y es una lástima, ya que resulta una pieza imaginativa bien del estilo maduro debussyano y el saxofón es un muy atrayente instrumento demasiado poco utilizado por los compositores académicos; en este caso Roger-Ducasse colaboró en la orquestación. Me pareció atinada la reducción para saxofón y piano de Vincent David; no pude cotejar pero la palabra “reducción”, no “transcripción”, parece significar que tiene cortes con respecto al original; y no encontré grabación. Por último, una sorpresa para mí, el Trío para violín, violoncelo y piano en Sol mayor, escrito a los 17 años pero descubierto en los años 80; si bien figura como “Primer Trío” en grabaciones recientes, no hubo segundo. Es una obra simpática, de cuatro movimientos tradicionales, dura 22 minutos y nada hay en ella del impresionismo posterior. Es la creación de un estudiante talentoso. Insólitamente, está grabada no menos de 8 veces; con Debussy sucede lo mismo que con otros grandes clásicos, se graba absolutamente todo lo que compuso y no destruyó. Señal de que hasta a un crítico veterano se le escapan muchas liebres. El mundo de la música académica es gigantesco y jamás se conoce a fondo. Eso es lo fascinante: uno sigue aprendiendo día a día.
El 10º Festival Buenos Aires Danza Contemporánea es gigantesco y va del 9 al 17 de Octubre. Completamente inabarcable (como el BAFICI), revela que hay un mundo off de la danza realmente enorme. Roxana Grinstein es la Directora y el comité de selección estuvo conformado por Gerardo Litvak, Soledad Pérez Tranmar y Carlos Trunsky. Toda la programación es gratuita y está esparcida por numerosos lugares de la CABA. No sólo hay espectáculos, también residencias, talleres y seminarios.
En sólo 8 días se escucharon 3 pianistas de categoría: Konrad Skolarski el 3 de octubre para Chopiniana en el Auditorio de la Fundación Beethoven; Yuja Wang para los dos ciclos del Mozarteum en el Colón el 8 y el 10; y Marcelo Balat para Conciertos del Mediodía del Mozarteum en la Sala Argentina del CCK.
Como anuncian desde el Teatro de la Zarzuela, “De la coloreada escritura de Rimski a la sensual pátina de Chaikovski pasando por la severa concentración de Músorgski, el toque descriptivo de Borodin y las viñetas populares de Cui o Balákirev. Para cantar tan rica música, la oscura, prieta, rotunda y contundente voz de EkaterinaSemenchuk, una mezzo de grandes hechuras, de expresividad muy directa, de probada autenticidad, con la que colabora el pianista SemjonSkigin”. Una información detalladísima y muy didáctica se completa con el programa de mano de Cristina Aguilar.
La principal función de MusicaClasicaBA es fomentar la interacción entre músicos, agentes del sector público y privado y el público en general, permitiendo afianzar los lazos culturales y artísticos de nuestra región.
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titleCompagnia Zappalà Danza, una interesante experiencia
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categoryReseñas
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<p style="text-align:center"><span style="color:#000000"><span style="font-size:16px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>El 10º Festival Buenos Aires Danza Contemporánea es gigantesco y va del 9 al 17 de Octubre. Completamente inabarcable (como el BAFICI), revela que hay un mundo off de la danza realmente enorme. </strong></span></span></span></p>
<p style="text-align:center"><span style="color:#000000"><span style="font-size:16px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>Roxana Grinstein es la Directora y el comité de selección estuvo conformado por Gerardo Litvak, Soledad Pérez Tranmar y Carlos Trunsky. Toda la programación es gratuita y está esparcida por numerosos lugares de la CABA. No sólo hay espectáculos, también residencias, talleres y seminarios. </strong></span></span></span></p>
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<p style="text-align:justify"><strong><span style="color:#000000"><span style="font-size:16px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="font-size:14px">Pablo Bardin.</span></span></span></span></strong></p>
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<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px">Para dar una idea de la intensidad de este Festival, el Domingo 14 hubo 23 actividades de todo tipo. El Festival presentó 63 obras seleccionadas independientes argentinas y además 10 de invitados institucionales: Teatro de la Ribera, Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín, Compañía de Danza de la UNA (Universidad Nacional de las Artes), Compañía NacionaL de Danza Contemporánea, Instituto Nacional del Teatro y Taller de Danza Contemporánea del Teatro San Martín. Curiosamente, también se añaden dos coreografías argentinas, una en Francia y España y la otra en Hamburgo. Y también tres producciones internacionales que se vieron aquí: “Gustavia”, con La Ribot y Mathilde Monnier; “Endo” (Francia) de David Wampach- Association Achle; y dentro del Ciclo Italia XXI y en el Coliseo, “I am beautiful” por la Compagnia Zappalâ Danza, el Domingo 14, que es lo único que pude ver.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"> El único programa que se entregó es el del Festival y hay apenas 11 líneas sobre este espectáculo. La compañía es siciliana y la lidera Roberto Zappalà. “I am beautiful” es la cuarta etapa del proyecto Transiti Humanitatis. Está inspirada en una escultura de Rodin. “Zappalà hace que los cuerpos de los bailarines construyan la belleza con simplicidad, rigor, visceralidad e incertidumbre”. La dirección y coreografía es de Zappalà y la idea es suya y de Nello Calabró. Los intérpretes colaboraron en la construcción y son nueve: Maud de la Purification (extraño nombre o seudónimo), Filippo Domini, Sonia Mingo, Gaetano Montecasino, Adriano Popolo Rubbio, Fernando Roldan Ferrer, Claudia Rossi Valli, Alberto Gnola y Valeria Zampardi. Músicos en vivo: Puccio Castrogiovanni, Salvo Farruggio, Marco Corbino, Gionni Allegra y Salvatore Assenza. Duración: 65 minutos.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"> Hay dos cosas que no están mencionadas: el concepto escenográfico y las luces; y ambas cuestiones tuvieron importancia. Un anfiteatro formado por un sinnúmero de cintas muy largas que van del tope al suelo es penetrable y muchas veces los bailarines van a pasar por ellas; y lo harán desde la total penumbra hasta la luz plena. Y detrás de esa barrera, los cinco instrumentistas estarán ubicados a varios metros del suelo, uno al centro y dos en cada lateral. Estas ideas funcionan muy bien y están integradas a la acción de los bailarines. Y ellos/ellas están todos descalzos y con atuendos blancos bastante transparentes, que dejan bastante en evidencia pechos y colas aunque no los genitales.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"> </p>
<p style="text-align:justify"><iframe frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/I5xVYgrZMiY" width="560"></iframe></p>
<p style="text-align: center;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:11px">Espectáculo del año 2016, Teatro Ristori</span></span></p>
<p style="text-align: center;"> </p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"> Tanto mujeres como hombres están muy exigidos y responden con gran solvencia. Dos de los hombres son muy altos y fornidos, otros son medianos y delgados, pero todos rinden como gimnastas avezados. Y las mujeres pueden repetir las mismas arduas evoluciones que los hombres y con la misma fiereza, pero también hacen gala de talentos de su sexo, como la flexibilidad extrema cuando una de ellas pasa de hombre a hombre por el aire o cuando van a la carrera hacia un bailarín y saltan prendiéndose de su torso. Ellas también tienen diversos físicos y alturas.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"> Los instrumentistas son sobre todo percusionistas, pero también están otros sonidos, como un clarinetista de neta vanguardia, una guitarra eléctrica. Y además cantan con primitiva violencia. ¿Cómo definir la música que se escuchó? Un minimalismo crudo y de muchos decibeles, fuertemente rítmico, casi sin melodía, alterna con largos pasajes nirvanescos y saturantes. A veces, grabado, se escucha una voz en francés, poco inteligible. Lo que hacen está fielmente reflejado en las coreografías y es evidente que los ejecutantes han creado los climas que Zappalà les pidió (y quizá los bailarines).</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"> Trataré de describir lo que vi. Los primeros doce minutos son potentes y arduos y da la sensación visceral y agotadora que se experimentaba viendo “La consagración de la Primavera” por el Ballet del siglo XX de Béjart. Algún bailarín se separaba del grupo y hacía movimientos distorsionados de muñeco sin rumbo. Pero luego la penumbra dominaba, las voces gritaban y los bailarines desaparecían; gradualmente se los vislumbraba como sombras en el fondo de la escena, y luego se iban colando a través de las cintas y pasaban al escenario como fantasmas, mientras la música totalmente estática parecía acompañar una cuasi-catalepsia colectiva. Lentamente parecíeron volver a la vida mientras la música añadía elementos; todos unidos horizontalmente como si los brazos fueran cuerdas; luego empezaron a separarse y formar distintas figuras con otra dinámica. En un largo crescendo marcado por las disonancias audaces de clarinete se llegó a un paroxismo con voces y fuertes luces en el último tramo, mientras los bailarines danzaban con frenesí cada vez mayor. Y un fuerte aplauso al final de un público joven acostumbrado a la danza contemporánea. Zappalà, hombre maduro, apareció y se unió a bailarines e instrumentistas. En suma, una interesante experiencia de danza muy fisica y colectiva.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><strong>Pablo Bardin</strong> </span></span></p>
<p> </p>
titleWang, Balat y Skolarski: Tres maneras de tocar muy bien el piano
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categoryReseñas
short_descEn sólo 8 días se escucharon 3 pianistas de categoría: Konrad Skolarski el 3 de octubre para Chopiniana en el Auditorio de la Fundación Beethoven; Yuja Wang para los dos ciclos del Mozarteum en el Colón el 8 y el 10; y Marcelo Balat para Conciertos del Mediodía del Mozarteum en la Sala Argentina del CCK.
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<p style="text-align: center;"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="font-size:16px"><span style="color:#000000"><strong>En sólo 8 días se escucharon 3 pianistas de categoría: Konrad Skolarski el 3 de octubre para Chopiniana en el Auditorio de la Fundación Beethoven; Yuja Wang para los dos ciclos del Mozarteum en el Colón el 8 y el 10; y Marcelo Balat para Conciertos del Mediodía del Mozarteum en la Sala Argentina del CCK.</strong></span></span></span></p>
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<p><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000"><strong>Por Pablo Bardin.</strong></span></span></span></p>
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<p style="text-align: justify;"><strong><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px">MOZARTEUM ARGENTINO</span></span></strong></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"> Yuja Wang es considerada un fenómeno de virtuosismo y su debut era muy esperado. Nació en Beijing en 1984; madre bailarina, padre percusionista. Inicialmente estudió en el Conservatorio Central de la capital china; en 1999, a los 15 años se trasladó a Canadá, donde estudió en el Mount Royal Conservatory de Calgary; en 2001 fue elegida Artista Steinway y al año siguiente se perfeccionó con el gran pianista Gary Graffman en el célebre Curtis Institute of Music de Filadelfia. Se graduó en 2008 cuando ya había logrado un exitoso debut con la National Arts Center Orchestra de Ottawa y cuando reemplazó a Argerich en el Primer Concierto de Tchaikovsky con la Sinfónica de Boston. Desde el año siguiente es artista exclusiva de Deutsche Grammophon y para esta empresa grabó conciertos de Prokofiev, Rachmaninov y Ravel. Los más famosos directores en las mejores salas la han dirigido; además realizó recitales en múltiples ciudades. Un talento innato, sin duda, pero también estudios prologados y serios han producido una artista que se destaca dentro de la miríada de eficaces pianistas en el mundo. También se destaca por su interés en la moda, reconocido por el Women´s Circle de Giorgio Armani. Tiene su lado excéntrico pero es innegable la fuerza y exactitud de sus interpretaciones en repertorios afines, como el Romanticismo y Prokofiev; y sobre ellos se basó su recital en Buenos Aires.</span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"> Yo estuve el 8 de Octubre. Mujer atrayente y menuda, salió con un vestido negro y largo de gran elegancia y saludó con un gesto que será invariable: una rápida y profunda reverencia con las manos sobre el busto. El contundente Preludio en sol menor, op.23 Nº5, de Rachmaninov, fue tocado con impresionante garra y solvencia. Siguió del mismo autor la Vocalise Op.34 Nº14, que había sido escrita para la soprano Antonina Nezhdanova en 1915; se escuchó en el convincente arreglo del gran pianista húngaro Zoltan Kocsis (1952-2016) y Wang tocó con innegable encanto esta espléndida melodía. Pero luego cambió el programa sin aviso, y en lugar del anunciado Étude-tableau en mi bemol menor, Op.39 Nº5, obra enjundiosa y ardua, de Rachmaninov, tocó la grata, breve y simpática Canción sin palabras Op. 67 Nº2, de Mendelssohn, en estilo y respetando su suave romanticismo. Buena parte del auditorio, incluso algún colega, no captó el cambio bastante drástico de repertorio. Curiosamente el 10 de octubre sí tocó el Étude-tableau, y también la pieza de Mendelssohn, pero como yapa.</span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"> Chopin había asombrado con la Sonata Nº2 por su audacia y originalidad; la Tercera Sonata, en si menor, Op.58, es amplia y exigente pero con mayor respeto por la tradición. El tema inicial del primer movimiento, Allegro maestoso, es poderoso y dramático: el segundo tema en cambio es lírico y cantable. Respeta la forma sonata con su intenso desarrollo, recapitulación y coda, y con la particular coloración melancólica de si menor, la tonalidad de la gran Sonata de Liszt. Wang demostró ya en este comienzo que su dinamismo y perfección técnica se atienen a la partitura, con rubatos controlados, bello toucher, y el don de la continuidad. El Scherzo fue fulgurante, como debe serlo, y su contrapartida, el Trío, lento y cantable, tal como lo escribió Chopin. Nunca me convenció del todo el extenso Largo, cuya parte intermedia me parece monótona y desmesurada, con un material demasiado escaso; Wang controló su temperamento y no apuró los tempi, pero tampoco agregó algún toque de color o rubato que lo hiciera más interesante. Estuvo a sus anchas, deslumbrante, en el dificilísimo Finale, un Rondó-sonata de una variedad e imaginación que lo sitúan como el mejor de esta obra y comparable a la Primera Balada. Allí Wang demostró ser una artista de primer rango. En particular fue extraordinario escuchar pasajes en semicorcheas vertiginosas donde la pulsación permitía apreciar cada una de esas notas con un color perlado.</span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"> Bastante tarde en el intervalo afinaron el piano del Colón, mejorando graves cavernosos y agudos opacos. Hasta el mejor piano se desgasta con el tiempo; quizá sea el momento para planificar un reemplazo.</span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"> Cambio de “look”: esta vez Wang se presentó con un vestido colorado ultracorto. Tocó una obra favorita mía: la Sexta sonata, en La mayor, Op.82, de Prokofiev. Décadas antes había escrito la magnífica Segunda sonata, típica de lo mejor de su etapa joven; antes de la Sexta habían pasado 16 años desde la serena Sonata Nº5. La Sexta es estrenada por el propio compositor, gran pianista, en una audición radial de la Unión de Compositores el 8 de abril de 1940. Y meses después Sviatoslav Richter hace su estreno público en su debut formal en la Sala del Conservatorio de Moscú. Hago mías estas palabras del legendario intérprete: “Con una audacia bárbara el compositor rompe con los ideales románticos y anima su música con las devastadoras pulsaciones del siglo XX”. Comenta Claudia Guzmán: “pocos meses faltaban para que Alemania violara el tratado de no agresión firmado por Hitler y Stalin en 1939 e iniciara la invasión rusa poniendo en marcha la Operación Barbarroja” (en realidad lo firmaron Von Ribbentrop y Molotov, pero avalado por los dictadores). También la Séptima y la Octava sonatas fueron escritas durante la Guerra, y las tres fueron consideradas “sonatas de guerra”; la Séptima es otra obra maestra.</span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"> El Allegro moderato inicial se caracteriza de inmediato por un disonante diseño, pese a estar en La mayor; esa primera sección es agitada y dramática. Luego aparece el lirismo en el segundo tema, que gradualmente se hace virulento, y aparece un motivo de notas repetidas que trae ritmos insistentes. Ya en este movimiento Wang tocó con un salvajismo impactante y con una absoluta seguridad que mantuvo en vilo a la audiencia. El Allegretto que sigue es muy distinto; neoclásico y humorístico, “entre sonrisas y muecas” (Guzmán); y Wang se adaptó a este nuevo carácter. El “Tempo di valzer lentísimo” (tercer movimiento) parece emparentado con la música amorosa de “Romeo y Julieta”, aunque interrumpido por “oscuras y estremecedoras sonoridades heredadas del primer movimiento” (Guzmán). Y aquí también Wang supo dar ternura a su fraseo y temor a la interrupción, con una lectura exactísima de la música. Pero será en el desenfrenado último movimiento donde ella llegará también a su más trascendente nivel. En efecto, la música tiene una “trepidante mecanicidad” (Guzmán), que a mí me evocó el ballet “El paso de acero”, y con otro cariz aparecen el gesto inicial de la sonata y el tema de notas repetidas, antes del sector conclusivo, de alto virtuosismo y fuerte disonancia. En las manos de Wang, todo fluyó con irrepetible brío.</span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"> Conocí la Sexta en los años 50, una muy buena grabación de Leonard Pennario, y luego sólidos pianistas del Hemisferio Norte la tocaron en Buenos Aires: Malcolm Frager en 1963 y Ronald Turini en 1968; y luego la escuché poco, aisladamente, en vivo. Hay grandes grabaciones de las que sólo conozco la de Richter: Kissin, Ashkenazy y Bronfman. Pero no tengo dudas: la de Wang en vivo está en esa selecta compañía y con un toque personal que sin embargo es fiel al espíritu y a la letra de la obra.</span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"> Ella es personal hasta en su manera de ofrecer piezas fuera de programa (mal llamadas bises). Habitualmente los artistas no dan “yapas” de primera instancia; ella sí. Cada vez que salió a saludar tocó; saludó cinco veces, dio cinco piezas, generosamente, con mucha cordialidad. Y tres de las cinco fueron “rompededos”, arreglos enormemente complicados a los cuales ella añadió algunos firuletes. Empezó con la polca “Tritsch-Tratsch” de Johann Strauss II en el “inhumano” arreglo de György Cziffra, bastante moderno, donde ella hizo prodigios nunca vistos aquí. Siguió con el único arreglo bien conocido y excelente, difícil pero no absurdamente difícil: “Margarita en la rueca” (“Gretchen am Spinnrade”), de Schubert-Liszt; muy bien interpretado. Luego, algo inesperado: le ponen un atril y lee el arreglo para piano del muy escuchado “Danzón Nº2” de Márquez, notable en su versión orquestal y muy bien arreglado, aunque no sé si por el compositor; bastante extenso (unos 8 minutos), lo tocó con clara comprensión de su lenguaje caribeño; ¿lo aprendió para esta gira?</span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"> Se había escuchado aquí, creo, el increíble arreglo de Volodos sobre el “Rondó a la turca” de la Sonata Nº 11 de Mozart (él también había dado muchas piezas extras en su recital del Colón, de gran categoría); aquí Wang añadió, además de los propios, varios aportes jazzeros del pianista turco Fazil Say: ejemplo insuperable de extravagancia y super-virtuosismo. Y para finalizar, las Variaciones sobre “Carmen” de Horowitz (básicamente la Danza bohemia), con agregados de Wang, para hacerlo aún más rápido y estrepitoso; para entonces las ovaciones de las zonas altas del teatro eran casi rockeras.</span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"> Wang es china y su extremada flexibilidad me hace pensar en los acróbatas chinos, los mejores del mundo: hacen con sus cuerpos lo que ningún occidental puede hacer. Hay miles de horas de entrenamiento pero también facultades genéticas. En la actualidad sobran los virtuosos en el mundo (por ejemplo, pianistas rusas de muchos dedos y poca sustancia), impresionantes en cierto sentido, pero sin autocontrol ni personalidad. Y eso es lo que tiene Wang y la hace genuinamente diferente.</span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"> Me caben dudas sobre cómo se maneja en repertorios clásicos y en Beethoven o Schubert; sin embargo, un buen amigo se quedó asombrado con su versión del Cuarto concierto de Beethoven, aquel que otra oriental, Mitsuko Ushida, tocó con profundo refinamiento en su única visita, de modo que quizá su espectro es mucho más amplio de lo que pudo apreciarse en este debut. También, me interesaría saber si logra la variedad caracterológica que necesita Schumann o la sutileza tímbrica de Debussy. Creo que tiene en ambos casos la capacidad, pero no sé si la empatía; el tiempo dirá. Entretanto, ella es la revelación del año.</span></span></p>
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<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><img alt="" src="/src/media/images/Agenda/1501178166_marcelo-balat1366x550.png" style="height:322px; width:800px" /></span></span></p>
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<p style="text-align: justify;"><strong><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px">CONCIERTOS DEL MEDIODÍA</span></span></strong></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"> Hace tiempo que pienso que Marcelo Balat, eximio gran discípulo de Pía Sebastiani, es el mejor pianista argentino de su generación. Tiene actualmente 35 años. Ya pasando los cuarenta está la gran figura de Antonio Formaro y la solidez de Alexander Panizza, y cercano a los 50 el indudable líder de su generación, Nelson Goerner.</span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"> Su programa en esta ocasión puso el acento en Schubert, con dos obras: los Momentos musicales y la Fantasía “Wanderers” (“del Caminante”). La pauta de tiempo para estos conciertos es de una hora, y el pianista se percató que sumando las obras de Debussy y Falla que completaban lo previsto se pasaba de ese límite; en consecuencia avisó que sólo tocaría los Momentos musicales Nos. 1, 2 y 5, eludiendo el más famoso, Nº3 (no lo lamenté)., y se lo avisó al público. Pero lo que no le dijo fue algo muy extraño: que tocaría de inmediato, sin dar lugar a aplausos, la extensa Fantasía; el melómano avezado se dio cuenta; sin embargo, no todos lo son y no me pareció bien. Y más raro todavía fue que hizo lo mismo con las otras tres piezas, o sea que después de Debussy enganchó directo con las dos obras de Manuel de Falla.</span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"> Esto aparte, el recital fue un continuo placer. El primer Momento musical es de por sí largo y abundoso, pero además sus numerosos sectores tienen barra de repetición y Balat los observó al pie de la letra; esto es discutible: en la época schubertiana no había discos y las barras eran para que los asistentes fijen mejor la música. No obstante, el estilo y la musicalidad del pianista fueron tan impecables que me dejé llevar por el indiscutible encanto schubertiano. El cuarto Momento es bastante breve y cantable, y el quinto, también breve, es rápido y en acordes muy ritmados; nuevamente el buen gusto, la calidad tímbrica y el fraseo fueron de un schubertiano de ley y me recordó a Badura-Skoda. Y curiosamente, hay una afinidad entre ese quinto Momento y el comienzo de la gran Fantasía sobre el Lied del Caminante, también poderoso, rápido y en poderosos acordes. La obra, que llega a unos 20 minutos, es quizá la más difícil del autor, junto a las tres enormes últimas sonatas. Y también de las más inspiradas, no sólo por la belleza de las melodías sino por la variedad con la cual se la expande, incluso un notable fugato hacia el final; torrentes de notas se suceden a alta velocidad salvo un episodio Adagio, y la estructura es de sonata: Allegro, Adagio, Scherzo y Finale. Salvo muy mínimos deslices en algunos de los centenares de acordes, la versión fue admirable en su comprensión de estilo y dominio técnico, y nuevamente me evocó a Badura-Skoda, cuyo recital Schubert fue lo más destacado de sus varias visitas.</span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"> Y nuevamente, en algo muy distinto, refinamiento y gran capacidad técnica: el mundo líquido de “Reflets dans l´eau” (“Reflejos en el agua”), primera pieza del primer libro de “Imágenes” (1905) de Claude Debussy, impresionismo puro en planos superpuestos, el secreto que aplicó el mismo año en su obra maestra “El Mar”, ayudado por los timbres orquestales ; secreto que también tuvo Ravel en sus “Jeux d´eau” (“Juegos de agua”) y que fue intuido por Liszt en sus “Juegos de agua en la Villa d´Este”. La “Serenata Andaluza” de Manuel de Falla data de 1900 en su versión para piano; había sido escrita para violín y piano el año anterior. Es una pieza muy grata escrita a los 24 años y raramente tocada; Balat lo hizo con mucha sensibilidad. Y luego atacó esa obra extraordinaria, la amplia Fantasía Baetica dedicada a Rubinstein, quien la estrenó en 1920 en New York. Baetica era la zona sureña de Hispania, la unión de tres provincias españolas en el Imperio Romano, y Cádiz (Gades) era un gran puerto; y muchos siglos después, la ciudad natal del compositor. Música audaz, moderna, tan difícil como los más difíciles episodios de la “Iberia” de Albéniz, es todo un desafío para un pianista, y Balat la resolvió como el gran maestro que es. El mejor elogio posible: sólo una vez escuché la obra con tanta calidad, y fue por Alicia de Larrocha.</span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"> La pieza extra nos retornó a las “Images” y al agua: “Poissons d´or” (“Peces dorados”), 3ª del primer Volumen. Otra oportunidad para que Balat muestre su talento para este tipo de música tan bello y sutil.</span></span></p>
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<p style="text-align: center;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><img alt="" src="/src/media/images/Agenda/kolarski.jpg" style="height:386px; width:700px" /></span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><strong><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px">CHOPINIANA</span></span></strong></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"> Por distintas circunstancias (salud o colisiones con otras citas musicales o familiares) no pude hacerme presente en las primeras cinco fechas del ciclo Chopiniana, que este año se hace en el buen Auditorio de la Fundación Beethoven, Santa Fe 1452, en días miércoles a las 19,30 hs, gran mejora acústica con respecto a la Sala Oval del Palacio Paz, muy bella pero terriblemente retumbante. Lamenté en particular perder el primero, con el pianista italiano Giulio Biddau; dio otros dos conciertos en distintas salas pero nuevamente no logré coincidir. El segundo tuvo que ser cambiado: por un absurdo asunto de visación, no vino el inglés Mark Viner, que hubiera traído como obra de fondo algo importante: la oportunidad de escuchar una obra de Alkan: la Gran Sonata “Las cuatro épocas”; en cambio tocó el pianista argentino Rodrigo Tavera. Siguieron tríos de pianistas jóvenes: por Austria, Daniel Lesko, Dominik Zhang y Benedikt Holter; por Argentina, Javier Miranda, Franco Broggi y Leonardo Pitella Lahoz. Y finalmente, el argentino de amplia trayectoria internacional Eduardo Delgado.</span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"> El retorno del polaco Konrad Skolarski fue bienvenido; el año pasado había dado buena impresión y estrenado varias piezas de compositores polacos poco conocidos aquí. Esta vez en cambio eligió piezas habituales de repertorio; lástima que no puso ni una obra de infrecuente ejecución. Fue presentado con oportunas palabras del Embajador polaco.</span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"> Como lo demostró en todo el programa, tiene una técnica muy sólida y todo lo prepara con cabal profesionalismo. Las interpretaciones son en cambio de desigual interés. En general me resultó atinada su visión de la Sonata Nº8, “Patética”, de Beethoven: sonido potente y controlado, digitación muy segura, buen fraseo. Sólo podría objetar que, siguiendo una moda que no comparto, las partes lentas son algo más lentas que lo necesario y los silencios más pronunciados, y en cambio las rápidas tienen algunos puntos de metrónomo (no muchos) añadidos; pero fue una buena versión.</span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"> Las “Escenas infantiles” de Schumann, como lo insinué más arriba en este artículo, son, como muchas otras obras suyas, caracterológicas: los títulos de cada fragmento indican que no sólo hay que tocar correctamente las notas sino también darles un carácter de acuerdo a esos títulos, y ello no siempre pasó. Fue muy eficiente en las piezas rápidas y de intrincados ritmos, pero a veces careció de poesía en varias de las más contemplativas, aunque siempre dentro de un nivel técnico correcto.</span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"> Toda la segunda parte fue dedicada a Fryderyk (a la polaca) Chopin, y aquí lo sentí en casi todo momento de acuerdo con el sentido emocional de la música y con buen manejo del rubato. Las partes rápidas del Scherzo Nº1, op.20, son agitadas y vertiginosas, y logró tocarlas con brillantez; pero la melodía lenta sonó algo monótona. Curiosamente todas las piezas que eligió están en tono menor, el Chopin melancólico o dramático. Tocó dos nocturnos: el Nº15 en fa menor, op.55 Nº1, y el Nº 13 en do menor, op.48 Nº1. Son bastante distintos; el Nº 15 tiene una melodía triste, luego contrastada con un episodio dramático, y retomada con bastantes florilegios. El Nº 13 es de los más complejos: se inicia Lento, con una melodía dolorosa; luego, “Poco più lento”, otra melodía pero en acordes, como un coral, que luego se transmuta en un episodio dramático y arduo en octavas; cuando vuelve la melodía principal tendrá que dominar un entramado de acordes hasta diluirse en los compases finales a un pianissimo. En los dos Nocturnos encontré muy adecuada la interpretación del pianista, a quien se lo sintió involucrado. Terminó lo programado con la menos intensa de las Baladas, la Cuarta, en fa menor, op.52. Aquí también lo sentí cómodo, y cuando la música se hace más rápida y contrastada tras una extensa zona serena Skolarski acertó con el fraseo y la intensidad.</span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"> En su pieza extra cambió de compositor, y nos dio una válida versión del Preludio Nº 6 en sol menor de Rachmaninov. Skolarski no tiene mayor empatía en la comunicación con el público pero es sin duda un pianista de calidad.</span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px">Pablo Bardin</span></span></p>
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titleEkaterina Semenchuk, la mezzo rusa que sedujo al público de la Zarzuela de Madrid
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categoryReseñas
short_descComo anuncian desde el Teatro de la Zarzuela, “De la coloreada escritura de Rimski a la sensual pátina de Chaikovski pasando por la severa concentración de Músorgski, el toque descriptivo de Borodin y las viñetas populares de Cui o Balákirev. Para cantar tan rica música, la oscura, prieta, rotunda y contundente voz de EkaterinaSemenchuk, una mezzo de grandes hechuras, de expresividad muy directa, de probada autenticidad, con la que colabora el pianista SemjonSkigin”. Una información detalladísima y muy didáctica se completa con el programa de mano de Cristina Aguilar.
description<p style="text-align:center"><img alt="" src="/src/media/images/Agenda/ekate.jpg" style="height:385px; width:667px" /></p>
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<p style="text-align:center"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong><span style="font-size:16px"><span style="color:#000000">Como anuncian desde el Teatro de la Zarzuela, “De la coloreada escritura de Rimski a la sensual pátina de Chaikovski pasando por la severa concentración de Músorgski, el toque descriptivo de Borodin y las viñetas populares de Cui o Balákirev. </span></span></strong></span></p>
<p style="text-align:center"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong><span style="font-size:16px"><span style="color:#000000">Para cantar tan rica música, la oscura, prieta, rotunda y contundente voz de EkaterinaSemenchuk, una mezzo de grandes hechuras, de expresividad muy directa, de probada autenticidad, con la que colabora el pianista SemjonSkigin”. Una información detalladísima y muy didáctica se completa con el programa de mano de Cristina Aguilar.</span></span></strong></span></p>
</blockquote>
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<p style="text-align:justify"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px">Por Alicia Perris.</span></span></strong></span></p>
<p style="text-align:justify"> </p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px">Este concierto ha sido dedicado al conocido grupo nacionalista ruso, y a Chaikovski. Este grupo de creadores, reunidos en torno a Balákirevincluía a Cuí, Músorgski, Rimski-Kórsakov y Borodín —los cinco que se reconocen como «el grupo de los cinco» o también, «el gran puñado»-. Gerald Abraham sugirió en el Grove Dictionary of Music que ellos nunca se dieron ese apelativo a sí mismos, ni fueron llamados en Rusia «Los Cinco», aunque no es raro encontrar su equivalente en ruso «??????a» («Piatiorka»). En sus Memorias, Rimski-Kórsakovhabla del grupo como «el círculo de Balákirev» y utiliza, poco, «El Gran Puñado», a veces con un tono despectivo.</span></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px">Gran velada pues de música rusa, con dos músicos de primera fila. El pianista, SemjonSkigin, completamente volcado al servicio de una cantante exultante de vida, con una voz fresca, reluciente, espléndida, que sin embargo no pierde su cuidada y encuadrada condición de acompañante.</span></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px">Efectivamente, EkaterinaSemenchuk es una diva en ciernes, todo llega, a la manera de las que brotaron de ese manantial incansable de talento que es la constelación del Teatro Mariinsky y su factotum, ValeryGergiev. Como Anna Netrebko u Olga Borodina, gracias a la dedicación de la Academia del mencionado teatro de San Petersburgo.</span></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px">Semenchuk por lo tanto, realizó actuaciones con Larissa Gergieva, hermana del maestro homónimo y se presenta a sí misma como una personalidad fogosa y fina. El recital, de hecho, estuvo envuelto en su apasionamiento y entrega, a menudo nimbado por una galaxia de ensoñación, nostalgia y ternura.</span></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px">La mezzosoprano rusa tiene un instrumento oscuro con una tesitura que le permite exhibir un registro grave sorprendente, amaderada y nocturnal y unos agudos fáciles y elegantes, que salen solos, con una línea de canto destacada.Un fiato que esconde una respiración que no se puede percibir entre las entretelas de un escote de su traje negro y dorado, de un raso sedoso y ancestral, como si se hubiera vestido con galas del pasado imperial de los zares. Largo, suntuoso, y unas sandalias.</span></span></span></p>
<p style="text-align:justify"> </p>
<p style="text-align:justify"><iframe frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/-L3igJwmCa0" width="560"></iframe></p>
<p style="text-align:center"><span style="font-size:11px"><span style="color:#000000">Ekaterina Semenchuk en un concierto del año 2016.</span></span></p>
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<p style="text-align:justify"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px">La performance de Semenchuk es sentida, lírica, de una gran amplitud e interpretación escénica, en la verdadera tradición de su país, con la fluidez de una voz de pecho que resuena e invade el escenario y la sala como si fuera un inmenso samovar vocal.</span></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px">Todas estas capacidades son las que facilitan que un público, que en su gran mayoría no comprende el ruso y tiene que guiarse por los sobretítulos del teatro, pueda seguir sus devaneos escénicos, y acceder a los textos, dulces y en general, llenos de tristeza. Eros y Tánatos, también hay tiempo para la exaltación y el casi galope teatral, como en Jopak, de Músogorski, que cierra la primera parte con un brío y un entusiasmo contagiosos.</span></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px">La velada se clausuró con varios encore, como una tonadilla dramática de Granados, un tema ruso, la Perichole de Offenbach, siguiendo la línea chispeante y vividora, las Canciones que me enseñó mi madre de Dvorak o la Habanera de Carmen. Clásicos desconocidos, enmarcados en partituras vividas por todos.</span></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px">Solo faltó la resonancia de un Steinway en el escenario, incomparable, pero la cantante rusa, venida de las lejanas tierras del este, esas que llenan de ensoñaciones y aventuras nuestro imaginario colectivo occidental, más abarcable y pautado, por conocido, suplió con creces los armónicos maravillosos como una matrioska generosa y frutal.</span></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><strong>Alicia Perris</strong></span></span></span></p>
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<p><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000">XXV Ciclo de lied - Recital II – Del alma rusa. Lunes 8 de octubre, 2018</span></span></p>
<p><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000"><strong>EKATERINA SEMENCHUK, MEZZOSOPRANO</strong></span></span></p>
<p><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000"><strong>PIANO: SEMJON SKIGIN</strong></span></span></p>
<p><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000">Programa</span></span></p>
<p><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000"><strong>NikoláiRimski-Kórsakov</strong> (1844-1908)</span></span></p>
<p><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000">De lo que sueño en la tranquila noche, op. 40, nº 3 (1897)</span></span></p>
<p><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000">Las nubes comienzan a abrirse, op. 42, nº 3 (1897)</span></span></p>
<p><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000">El ruiseñor esclavo de la rosa, op. 2, nº 2 (1865/66)</span></span></p>
<p><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000">La alondra canta más fuerte, op. 43, nº 1 (1897)</span></span></p>
<p><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000"><strong>César Cui</strong> (1835-1918)</span></span></p>
<p><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000">Rocé una flor, op. 49, nº 1 (1889/92)</span></span></p>
<p><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000">Al oír los horrores de la guerra, op. 62, nº 4 (1902)</span></span></p>
<p><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000">La estatua de Tsarskoye Selo, op. 57, nº 17 (1899)</span></span></p>
<p><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000"><strong>Mili Balákirev</strong> (1837-1910)</span></span></p>
<p><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000">¡Abrázame, bésame!, 20 canciones, nº 2 (1858)</span></span></p>
<p><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000">Cuando oigo tu voz, 20 canciones, nº 18 (1863)</span></span></p>
<p><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000">Le amaba, 10 canciones, nº 5 (1895/96)</span></span></p>
<p><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000"><strong>Aleksandr Borodin</strong> (1833-1887)</span></span></p>
<p><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000">En casa de unos tipos (1881)</span></span></p>
<p><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000"><strong>ModestMúsorgski</strong> (1839-1881)</span></span></p>
<p><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000">Olvidado (1874)</span></span></p>
<p><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000">Jopak (1866)</span></span></p>
<p><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000">Pausa</span></span></p>
<p><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000"><strong>Piotr Ilich Chaikovski</strong> (1840-1893)</span></span></p>
<p><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000">Una lágrima se estremece, op. 6, nº 4 (1869)</span></span></p>
<p><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000">Olvidar tan pronto (1870)*</span></span></p>
<p><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000">Los fuegos en los cuartos, op. 63, nº 5 (1866/67)</span></span></p>
<p><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000">Nadie sino el corazón solitario, op. 6, nº 6 (1869)</span></span></p>
<p><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000">Era al principio de la primavera, op. 38, nº 2 (1878)</span></span></p>
<p><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000">El terrible momento, op. 28, nº 6 (1875)</span></span></p>
<p><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000">Noches de insomnio, op. 60, nº 6 (1886)</span></span></p>
<p><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000">Muerte, op. 57, nº 5 (1884)</span></span></p>
<p><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000">Juntos nos sentamos, op. 73, nº 1 (1893)</span></span></p>
<p><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000">¿Reina el día? op. 47, nº 6 (1880)</span></span></p>
<p><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000"><strong>*“Olvidar tan pronto, ¡Dios mío!</strong></span></span></p>
<p><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000"><strong>Toda la felicidad de la vida pasada!”</strong> (Traducción de los textos, Amelia Serra</span>ller Calvo)</span></p>
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short_desc Este artículo tiene dos partes: la primera visita de una pianista talentosa que nos llega muy tarde en su carrera, heredera de una tradición extraordinaria: la de su maestro Artur Rubinstein. Y dos instancias de buena música de cámara con renovado repertorio.
description<blockquote>
<p style="text-align:center"> <span style="color:#000000"><span style="font-size:16px"> <strong>Este artículo tiene dos partes: la primera visita de una pianista talentosa que nos llega muy tarde en su carrera, heredera de una tradición extraordinaria: la de su maestro Artur Rubinstein. Y dos instancias de buena música de cámara con renovado repertorio.</strong></span></span></p>
</blockquote>
<p style="text-align:center"> </p>
<p style="text-align:center"><iframe frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/NLNFql9iEvY" width="560"></iframe></p>
<p style="text-align:center"> </p>
<p style="text-align:justify"><strong><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">DUBRAVKA TOMSIC SREBOTNJAK</span></span></strong></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> Lo confieso, este nombre y apellidos tan eslavos me eran desconocidos y me extrañó que figuraran en el costoso y deslumbrante abono del Colón, Grandes Intérpretes Internacionales, que se inició con la Orquesta Filarmónica de Viena dirigida por Gustavo Dudamel y luego de la artista que comento incluirá el debut argentino de Anna Netrebko y los retornos de Bryn Terfel y Juan Diego Flórez. Fui al concierto con extrañeza y volví a mi domicilio feliz de haber conocido a una artista de primera línea, aunque no tuve el placer de ver sus manos tocando (estuve en localidad par). Aclaro que el teclado de mi computadora no incluye los circunflejos al revés que necesitan nombres y apellidos de muchos países europeos; en este caso lo tienen la s y la c de Tomcic. También es necesario informar que Tomsic es su apellido de soltera, pero ella decidió añadir el de su marido durante décadas, el compositor Alojz Srebotnjak (1931-2010), de quien estrenó en este recital sus “Danzas macedonias”, todo lo cual revela que para ella esa relación fue y es esencial; para los latinos no resulta fácil recordar ese doble apellido.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> Niña prodigio, a los cinco años dio su primer recital; ahora, según una información que no figura en la biografía del programa, tendría 78 años, lo cual convierte a su carrera en una de las más longevas. Nacida en Eslovenia, a los 12 años se mudó a New York, ingresó en la célebre Juilliard School y se graduó a los 17. Al escucharla en el Carnegie Hall en 1957, Rubinstein la invitó a estudiar con él. De allí en más ofreció 4.000 recitales en todos los continentes; pero la frase “desde 1989 es invitada a actuar en Estados Unidos” desconcierta ya que implica que durante un tiempo largo no lo hizo. Aparentemente fueron muchos los años en donde se radicó en su país de origen, ya que también Srebotnjak era esloveno, y quizá durante un período extenso sus recitales fueron en otras zonas. Recordar que Eslovenia fue parte de Yugoslavia hasta que se independizó (visité la capital, Ljubljana, en 1961, cuando el Mariscal Tito estaba en el poder, y me impresionó como una ciudad bella, con similitudes vienesas, y con una Ópera de buen nivel, donde ví el “Macbeth” de Verdi en esloveno). Dice la biografía: “desde 1987 ha registrado más de 90 CDs” (¡!); en mi catálogo RER del año 2000 sólo figuran dos Koch: Mozart, Sonatas, Vol. 1; y Beethoven, Sonatas Nos. 23, 26 y 31. “El recital en el Colón es su primera presentación en América del Sur”. Lamento haberla desconocida hasta ahora, y enhorabuena que finalmente nos llegó, ya que su recital la mostró en forma admirable, digna discípula del gran Rubinstein, de quien tengo recuerdos inolvidables por conciertos en Washington y París (éste acompañado por Barenboim como director, tocando el Primer Concierto de Brahms a los 85 años con impactante seguridad y soberbio estilo).</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> Inició su recital vespertino con 5 sonatas de Domenico Scarlatti; ¡5 entre 555! Durante décadas rigió el catálogo Longo, hasta que el gran clavecinista Ralph Kirkpatrick realizó uno más preciso, y es el que ahora se utiliza (Kk). (Además hay 14 no publicadas). Tomsic, pese a que su veteranía implica que las conoció por Longo, se “aggiornó” correctamente y las presentó con sus números Kk. Ignoro cuántas conoce de ese inmenso legado; como supongo aconteció con grandes pianistas del pasado que dejaron grabaciones espléndidas (Maria Tipo, Clara Haskil, Vladimir Horowitz), habrá elegido sobre la base de mucho menos que esas 555 y según su gusto personal. Naturalmente fueron escritas para clave, en el Barroco tardío, ya que Scarlatti las escribió en su gran mayoría en Madrid entre 1733 y 1757, el año de su muerte a los 72 años. Las llamó “esercizi” y en su inmensa mayoría están escritas en forma binaria (dos partes que se repiten) y suelen no pasar de los 5 minutos. Conozco algo más de un centenar, combinando las que tengo en clave o en piano, y me atraen de igual manera en ambos instrumentos, pese a ser tan distintos en su estética: en el clave son más ásperas y contundentes, en el piano tienen matices muy atractivos. Pasa como en Bach pero de modo más marcado. Y cuando la escritura aprovecha los dos teclados del clave ello complica la ejecución pianística. El primero en intentar la grabación completa fue el clavecinista Fernando Valenti en Westminster y tengo 6 de esos discos (12 x 6, 72 sonatas), pero no pudo completar el proyecto debido a la lamentable quiebra de Westminster, una de las mejores y más prolíficas marcas en vinilo en los años 50 y 60. Mucho después, y en CD, dos artistas lograron esa proeza: Scott Ross y Luciano Sgrizzi; intenté en vano conseguirlos; en su tipo el emprendimiento es tan enorme como la integral de las cantatas bachianas. Ningún pianista se planteó ese desafío. Hay una plétora de grabaciones de una selección además de los ya mencionados: por sólo citar nombres básicos, Landowska, Leonhardt y Pinnock en clave; Schiff, Staier, Benedetti Michelangeli, Casadesus, M. Meyer. Mis modelos en recitales que pude escuchar fue Maria Tipo, de excepcional claridad y exactitud, en Buenos Aires; y Casadesus y Gileles en Washington; en clave, Valenti en nuestra ciudad. Y me gustaron mucho las pianísticas de Zacharias filmadas en La Alhambra por Cozarinsky. Como se ve, soy muy scarlattiano; y nuevamente tuve gran placer en apreciar en vivo su música tan imaginativa y fresca, esta vez en manos de Tomsic, que tocó con precisión, gusto y dominio 5 bien elegidas y contrastantes, y sólo una muy tocada: Kk 9 (Longo 413) en re menor; las restantes: Kk 11, 159, 14 y 125 (el programa erróneamente ponía K., lo que confunde con Köchel, el catálogo mozartiano)., fueron un reguero de ideas musicales estimulantes.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> Por lo citado más arriba, se ve que Tomsic tiene un enorme repertorio; el CD de Beethoven mencionado contiene sonatas fundamentales; también lo es la justamente célebre Sonata Nº21, “Waldstein” o “Aurora”. Demanda agilidad, coordinación, variedad de fraseo, inteligente manejo del pedal, toucher poético en partes y rotundo en otras, así como expresividad en el movimiento lento; todo esto se pudo apreciar en una versión de gran nivel y firmeza, que demostró que a su alta edad Tomsic mantiene sus muy amplios medios. Por supuesto me recordó a Rubinstein, ¿y qué mejor referencia puede haber? Claro está que cualquier melómano tiene grandes recuerdos de ejecuciones en vivo de esta sonata; los míos son Gulda, Barenboim, Arrau; o menos perfectos pero muy expresivos, R. Serkin o Richter-Haaser; o las extraordinarias grabaciones de Backhaus y Brendel. Pero siempre habrá lugar para una ejecución de categoría, y ésta lo fue; “un 8.000”, como diría un escalador de los Himalayas.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> Tontamente el programa no puso los necesarios y tradicionales I y II, pero sí, hubo intervalo tras la “Waldstein”; y la Segunda Parte se inició con el tributo de la intérprete a su marido: la primera audición (no consignada como tal) de las “Danzas macedonias” de Srebotnjak (1931-2010). Cito el útil comentario de Carlos Singer (bienvenida su presencia tras prolongado hiato): “importante compositor y educador musical. Su catálogo comprende música orquestal (Sinfonietta, Conciertos para arpa y para violín, Episodios concertantes), vocal, de cámara, coral, instrumental, el ballet ´La trompeta y el Diablo´, así como partituras para una decena de películas; buena parte de su producción se inspira en melodías tradicionales eslovenas y macedonias. Las ´Danzas Macedonias´ de 1975 son elaboradas transcripciones de danzas folklóricas con un lenguaje que posee fuerte afinidad con el de Bartók”. Conviene aclarar que Macedonia, ahora independiente, fue parte de la Yugoslavia unida de la época de Tito, y que es el complemento histórico de la Macedonia griega, cuna de Alejandro el Grande. Así como Bartók estudió y grabó música folklórica rumana y búlgara y luego utilizó parte de lo investigado en obras suyas, lo hizo Srebotnjak con la macedónica, bastante distinta de la de Eslovenia y emparentada con la Macedonia griega aunque manteniendo aspectos propios, derivados también del hecho de compartir tradiciones con Montenegro. La Macedonia ex yugoslava (que significa “eslavos del Sur”) es una comarca de espléndidos paisajes dominados por el Lago Ohrid y linda con Grecia, Albania, Kosovo, Serbia y Bulgaria; su capital es Skopje. Si bien en Macedonia se comparten tradiciones de la danza kolo con otras repúblicas de la ex Yugoslavia, hay maneras distintas. Instrumentos: el tapan, tambor de dos membranas; como todavía vive en Macedonia gente de origen turco y gitanos, ellos usan el darbuk de una membrana; en las ciudades utilizan un tipo de laúd llamado oot; tienen oboes llamados zurnas. Danzas: todas se bailan en grupo en los países de la ex Yugoslavia. Generalmente en los pueblos sólo bailan los jóvenes; hasta hace medio siglo, a las musulmanas en Macedonia no se les permitía bailar (no olvidar que hubo dominación musulmana en toda la ex Yugoslavia durante más de tres siglos después de la caída del Imperio bizantino); pero fuera de las musulmanas, las mujeres, como en la Macedonia Griega, bailaban de manera recatada, a diferencia del fogoso baile masculino. No hay danzas guerreras, pero sí cómicas, rituales, de casamiento; las que predominan son eróticas, con el hombre cortejando y la mujer aceptando o rechazando. Claro está que la modernidad hace que quede cada vez menos de todo esto, y por eso es importante que en todos los países haya ballets folklóricos que conserven las tradiciones o al menos las recuerden en ciertas fiestas. Las danzas de Srebotnjak me parecieron muy logradas; tres de ellas rápidas, intensas, rústicas, con acordes disonantes y ritmos saltarines; la Segunda, un Andante en cinco secciones contrastadas; y la Cuarta, Adagio, alternando “pasajes de tintes fúnebres con violentas erupciones” (Singer). Naturalmente, esta música estuvo en las manos más fieles y por analogía indica que Tomsic también se siente cómoda en lenguajes más contemporáneos.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> Casi por supuesto, la parte final fue dedicada a Chopin, donde el faro conductor por excelencia era y es Rubinstein. Nada nuevo puedo decir en cuanto a las obras, que se encuentran entre las más bellas y auténticas del autor. El programa omitió datos útiles: había que aclarar que la Balada Op.47 es la Nº 3 y que los Nocturnos Op.27 Nos. 1 y 2 son Nos. 7 y 8. El programa concluyó con el Scherzo Nº2, Op.31. En efecto, la Balada Nº3, como dice Singer, es la más lírica y menos turbulenta de la serie; la pianista la reflejó con ese noble y profundo toucher donde cada nota cuenta; más allá de algún pequeño detalle imperfecto, el fraseo poético y el pedal impecable siempre estuvieron. Los Nocturnos Op.27 no están entre los más tocados y me interesaron especialmente; el primero porque su clima grave y sombrío fue captado idealmente, y el segundo porque es de los más melódicos y ella lo expresó con sutileza y gusto refinado. Y en el Scherzo Nº2 supo atenerse al Presto sin correr en demasía (como les pasa a tantos pianistas jóvenes en estas piezas; hasta el talentosísimo Lisiecki se equivocó de enfoque); fulgor y energía, sí, pero sin desbocarse; y nuevamente algún casi imperceptible desliz no afectó el placer de la escucha.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> Dos piezas fuera de programa. La primera es un Liszt favorito mío: el estudio “La Leggierezza”, Nº2 de “3 estudios de concierto”, tiene una melodía de armonía innovadora, y la ligereza posterior fue en manos de Tomsic de una perlada perfección y de gran encanto. Finalizó con un tributo al gusto del período del siglo XX previo a la Segunda Guerra Mundial: los arreglos ostentosos y exagerados del Barroco realizados por Busoni; pero el que tocó al menos le permitió mostrar su habilidad para contestar una catarata fortissimo con otra pianissimo segundos después. Me quedo con el Busoni auténtico de su Fantasía contrapuntística. Pero en última instancia lo que importa es que tuvimos la presencia de una admirable pianista que era justicia conocer. Y el testimonio de cómo una técnica y un estilo de verdadera solidez pueden mantenerse (si la salud ayuda) en etapas tardías de la vida mediando la vocación y la energía.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"> </p>
<hr />
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<p style="text-align:justify"><strong><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">CÁMARA INTERESANTE.</span></span></strong></p>
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<p style="text-align:center"><strong><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><img alt="" src="/src/media/images/Agenda/ntrus.jpg" style="height:480px; width:622px" /></span></span></strong></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> El Salón Anasagasti del Jockey Club (entrada por Cerrito) ha sido durante décadas un lugar muy grato para dar conferencias y conciertos de cámara; mi mujer y yo, p.ej., hicimos allí el paralelo Picasso-Stravinsky con diapos y grabaciones. El ciclo de conciertos es muy variado y alterna entre la música clásica y la buena música popular, en manos de dos amigos míos de larga data: Norberto Padilla y José María Cantilo. Me interesó un programa del Cuarteto Petrus con la pianista Natalia Gozález Figueroa porque (casi con total seguridad) asistí a la primera audición en nuestra ciudad del Quinteto con piano en sol menor, op.49, de Enrique Granados. Hay al menos dos grabaciones pero no las conozco: Rajna y Cuarteto Alberni (CRD) y Ensemble Variable (CPO). Al parecer estuvo un tiempo extraviado, ya que no figura en el Diccionario Grove de mi edición de hace medio siglo. Suscinto y breve(18 minutos), en tres movimientos, está técnicamente bien escrito y resulta agradable, aunque de poco ambiente español; y me pareció que el piano no tiene mucho lucimiento.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> El concierto fue presentado por Padilla y por el primer violín del Petrus, Pablo Saraví, y pese a que se pìdió que no aplaudieran entre movimientos, muchos lo hicieron…(de paso, es regla en el Jockey: saco y corbata). El Petrus es un notable cuarteto, integrado además por Hernán Briático (violín II), Adrián Felizia (viola) y Gloria Pankaeva (violoncelo). Fue valioso iniciar la velada con el Adagio y fuga en do menor, K.546, de Mozart, cabal expresión del compositor en su total madurez, cuando había asimilado con entusiasmo las enseñanzas contrapuntísticas de Bach; es música austera, intensa y dramática. Y los artistas la llevaron a cabo con toda solvencia. Los escuché en otras ocasiones en el bien conocido y magnífico Cuarteto Nº6, Op.96, “Americano”, de Dvorak, música comunicativa, romántica, habilísima; lo hacen muy bien, con una natural compenetración de instrumentistas de ley. Y sin patrón comparativo, creo que también ellos y la pianista cumplieron a conciencia con su misión de permitirnos escuchar este Granados camarístico.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"> </p>
<p style="text-align:center"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><img alt="" src="/src/media/images/Agenda/74968_68-2.jpg" style="height:388px; width:640px" /></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> En el Salón Dorado del Colón se inició una serie denominada Claude Debussy Esencial de cámara, Homenaje a 100 años del fallecimiento de Claude Debussy, y al parecer lo armó la pianista Anaïs Crestin, que intervino y lo presentó. Tal como disponen las sillas no se ve nada, sólo se escucha; ¿es tan difícil hacer el esfuerzo de colocarlas con suficiente desfasaje para que se pueda ver y no sólo escuchar? Es poco inteligente. Al menos en este primer programa, lo de “esencial” sobra, más bien se estiró mediante arreglos lo que hay instrumental de Debussy para llegar a cuatro programas, pero los siguientes serán más sustanciosos. Y vale la pena continuar yendo. En esta ocasión los artistas fueron muy satisfactorios: Crestin, Matías Villafañe (violoncelo), Julio Domínguez (violín) y Emiliano Barri (saxofón) estudiaron a fondo las obras y las presentaron con segura técnica, musicalidad y afinidad con el estilo, que en este programa varió entre lo incipiente y lo ya asentado. Pero creo que hubiera sido mejor dar tres programas y no rellenar.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> El programa se inició con un breve “Romance” massenetiano original para piano y transcripto por Gretchaninov para violoncelo y piano. Hay una “Romance” a secas pero la que se tocó parece ser la Romance “Silence ineffable” (con texto de Paul Bourget, grabada por Gedda y Ciccolini en su original y por Piatigorsky y Pavlovsky en la transcripción; data de 1884, los 22 años del compositor). Para los mismos instrumentos, pero sin transcripción, un Nocturno y Scherzo que duró 5 minutos; fue redescubierto en los años 80; me extrañó que hubiera poca diferencia de carácter y rapidez entre los dos fragmentos; no lo conocía. Es de 1882, inédito en vída del autor; lo grabó Rostropovich con Dedyukhin. Luego, la Rêverie para piano de 1990 se escuchó en una transcripción para violín y piano no especificada (me figuran grabadas varias transcripciones para distintos instrumentos, pero ninguna para esta combinación). El célebre preludio “Minstrels” (Libro 1º, Nº12) se escuchó en arreglo de Alberto Bachmann para violín y piano y me resultó poco satisfactorio. Otro Preludio, el delicioso “La doncella de cabellos de lino” (Libro 1º, Nº8), se escuchó en violín y piano, transcripción correcta de Léon Roques (aunque las grabadas por eminentes violinistas son las de Hartmann y Heifetz). Se escucha raramente la Rapsodia para saxofón y orquesta de 1901, revisada en 1908 y es una lástima, ya que resulta una pieza imaginativa bien del estilo maduro debussyano y el saxofón es un muy atrayente instrumento demasiado poco utilizado por los compositores académicos; en este caso Roger-Ducasse colaboró en la orquestación. Me pareció atinada la reducción para saxofón y piano de Vincent David; no pude cotejar pero la palabra “reducción”, no “transcripción”, parece significar que tiene cortes con respecto al original; y no encontré grabación. Por último, una sorpresa para mí, el Trío para violín, violoncelo y piano en Sol mayor, escrito a los 17 años pero descubierto en los años 80; si bien figura como “Primer Trío” en grabaciones recientes, no hubo segundo. Es una obra simpática, de cuatro movimientos tradicionales, dura 22 minutos y nada hay en ella del impresionismo posterior. Es la creación de un estudiante talentoso. Insólitamente, está grabada no menos de 8 veces; con Debussy sucede lo mismo que con otros grandes clásicos, se graba absolutamente todo lo que compuso y no destruyó. Señal de que hasta a un crítico veterano se le escapan muchas liebres. El mundo de la música académica es gigantesco y jamás se conoce a fondo. Eso es lo fascinante: uno sigue aprendiendo día a día.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><strong><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Pablo Bardin</span></span></strong></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">PH portada: Arnaldo Colombaroli</span></span></p>
<p> </p>
description<p>Gestión de módulos en el Panel de Control</p>
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