Este artículo tiene dos partes: la primera visita de una pianista talentosa que nos llega muy tarde en su carrera, heredera de una tradición extraordinaria: la de su maestro Artur Rubinstein. Y dos instancias de buena música de cámara con renovado repertorio.
DUBRAVKA TOMSIC SREBOTNJAK
Lo confieso, este nombre y apellidos tan eslavos me eran desconocidos y me extrañó que figuraran en el costoso y deslumbrante abono del Colón, Grandes Intérpretes Internacionales, que se inició con la Orquesta Filarmónica de Viena dirigida por Gustavo Dudamel y luego de la artista que comento incluirá el debut argentino de Anna Netrebko y los retornos de Bryn Terfel y Juan Diego Flórez. Fui al concierto con extrañeza y volví a mi domicilio feliz de haber conocido a una artista de primera línea, aunque no tuve el placer de ver sus manos tocando (estuve en localidad par). Aclaro que el teclado de mi computadora no incluye los circunflejos al revés que necesitan nombres y apellidos de muchos países europeos; en este caso lo tienen la s y la c de Tomcic. También es necesario informar que Tomsic es su apellido de soltera, pero ella decidió añadir el de su marido durante décadas, el compositor Alojz Srebotnjak (1931-2010), de quien estrenó en este recital sus “Danzas macedonias”, todo lo cual revela que para ella esa relación fue y es esencial; para los latinos no resulta fácil recordar ese doble apellido.
Niña prodigio, a los cinco años dio su primer recital; ahora, según una información que no figura en la biografía del programa, tendría 78 años, lo cual convierte a su carrera en una de las más longevas. Nacida en Eslovenia, a los 12 años se mudó a New York, ingresó en la célebre Juilliard School y se graduó a los 17. Al escucharla en el Carnegie Hall en 1957, Rubinstein la invitó a estudiar con él. De allí en más ofreció 4.000 recitales en todos los continentes; pero la frase “desde 1989 es invitada a actuar en Estados Unidos” desconcierta ya que implica que durante un tiempo largo no lo hizo. Aparentemente fueron muchos los años en donde se radicó en su país de origen, ya que también Srebotnjak era esloveno, y quizá durante un período extenso sus recitales fueron en otras zonas. Recordar que Eslovenia fue parte de Yugoslavia hasta que se independizó (visité la capital, Ljubljana, en 1961, cuando el Mariscal Tito estaba en el poder, y me impresionó como una ciudad bella, con similitudes vienesas, y con una Ópera de buen nivel, donde ví el “Macbeth” de Verdi en esloveno). Dice la biografía: “desde 1987 ha registrado más de 90 CDs” (¡!); en mi catálogo RER del año 2000 sólo figuran dos Koch: Mozart, Sonatas, Vol. 1; y Beethoven, Sonatas Nos. 23, 26 y 31. “El recital en el Colón es su primera presentación en América del Sur”. Lamento haberla desconocida hasta ahora, y enhorabuena que finalmente nos llegó, ya que su recital la mostró en forma admirable, digna discípula del gran Rubinstein, de quien tengo recuerdos inolvidables por conciertos en Washington y París (éste acompañado por Barenboim como director, tocando el Primer Concierto de Brahms a los 85 años con impactante seguridad y soberbio estilo).
Inició su recital vespertino con 5 sonatas de Domenico Scarlatti; ¡5 entre 555! Durante décadas rigió el catálogo Longo, hasta que el gran clavecinista Ralph Kirkpatrick realizó uno más preciso, y es el que ahora se utiliza (Kk). (Además hay 14 no publicadas). Tomsic, pese a que su veteranía implica que las conoció por Longo, se “aggiornó” correctamente y las presentó con sus números Kk. Ignoro cuántas conoce de ese inmenso legado; como supongo aconteció con grandes pianistas del pasado que dejaron grabaciones espléndidas (Maria Tipo, Clara Haskil, Vladimir Horowitz), habrá elegido sobre la base de mucho menos que esas 555 y según su gusto personal. Naturalmente fueron escritas para clave, en el Barroco tardío, ya que Scarlatti las escribió en su gran mayoría en Madrid entre 1733 y 1757, el año de su muerte a los 72 años. Las llamó “esercizi” y en su inmensa mayoría están escritas en forma binaria (dos partes que se repiten) y suelen no pasar de los 5 minutos. Conozco algo más de un centenar, combinando las que tengo en clave o en piano, y me atraen de igual manera en ambos instrumentos, pese a ser tan distintos en su estética: en el clave son más ásperas y contundentes, en el piano tienen matices muy atractivos. Pasa como en Bach pero de modo más marcado. Y cuando la escritura aprovecha los dos teclados del clave ello complica la ejecución pianística. El primero en intentar la grabación completa fue el clavecinista Fernando Valenti en Westminster y tengo 6 de esos discos (12 x 6, 72 sonatas), pero no pudo completar el proyecto debido a la lamentable quiebra de Westminster, una de las mejores y más prolíficas marcas en vinilo en los años 50 y 60. Mucho después, y en CD, dos artistas lograron esa proeza: Scott Ross y Luciano Sgrizzi; intenté en vano conseguirlos; en su tipo el emprendimiento es tan enorme como la integral de las cantatas bachianas. Ningún pianista se planteó ese desafío. Hay una plétora de grabaciones de una selección además de los ya mencionados: por sólo citar nombres básicos, Landowska, Leonhardt y Pinnock en clave; Schiff, Staier, Benedetti Michelangeli, Casadesus, M. Meyer. Mis modelos en recitales que pude escuchar fue Maria Tipo, de excepcional claridad y exactitud, en Buenos Aires; y Casadesus y Gileles en Washington; en clave, Valenti en nuestra ciudad. Y me gustaron mucho las pianísticas de Zacharias filmadas en La Alhambra por Cozarinsky. Como se ve, soy muy scarlattiano; y nuevamente tuve gran placer en apreciar en vivo su música tan imaginativa y fresca, esta vez en manos de Tomsic, que tocó con precisión, gusto y dominio 5 bien elegidas y contrastantes, y sólo una muy tocada: Kk 9 (Longo 413) en re menor; las restantes: Kk 11, 159, 14 y 125 (el programa erróneamente ponía K., lo que confunde con Köchel, el catálogo mozartiano)., fueron un reguero de ideas musicales estimulantes.
Por lo citado más arriba, se ve que Tomsic tiene un enorme repertorio; el CD de Beethoven mencionado contiene sonatas fundamentales; también lo es la justamente célebre Sonata Nº21, “Waldstein” o “Aurora”. Demanda agilidad, coordinación, variedad de fraseo, inteligente manejo del pedal, toucher poético en partes y rotundo en otras, así como expresividad en el movimiento lento; todo esto se pudo apreciar en una versión de gran nivel y firmeza, que demostró que a su alta edad Tomsic mantiene sus muy amplios medios. Por supuesto me recordó a Rubinstein, ¿y qué mejor referencia puede haber? Claro está que cualquier melómano tiene grandes recuerdos de ejecuciones en vivo de esta sonata; los míos son Gulda, Barenboim, Arrau; o menos perfectos pero muy expresivos, R. Serkin o Richter-Haaser; o las extraordinarias grabaciones de Backhaus y Brendel. Pero siempre habrá lugar para una ejecución de categoría, y ésta lo fue; “un 8.000”, como diría un escalador de los Himalayas.
Tontamente el programa no puso los necesarios y tradicionales I y II, pero sí, hubo intervalo tras la “Waldstein”; y la Segunda Parte se inició con el tributo de la intérprete a su marido: la primera audición (no consignada como tal) de las “Danzas macedonias” de Srebotnjak (1931-2010). Cito el útil comentario de Carlos Singer (bienvenida su presencia tras prolongado hiato): “importante compositor y educador musical. Su catálogo comprende música orquestal (Sinfonietta, Conciertos para arpa y para violín, Episodios concertantes), vocal, de cámara, coral, instrumental, el ballet ´La trompeta y el Diablo´, así como partituras para una decena de películas; buena parte de su producción se inspira en melodías tradicionales eslovenas y macedonias. Las ´Danzas Macedonias´ de 1975 son elaboradas transcripciones de danzas folklóricas con un lenguaje que posee fuerte afinidad con el de Bartók”. Conviene aclarar que Macedonia, ahora independiente, fue parte de la Yugoslavia unida de la época de Tito, y que es el complemento histórico de la Macedonia griega, cuna de Alejandro el Grande. Así como Bartók estudió y grabó música folklórica rumana y búlgara y luego utilizó parte de lo investigado en obras suyas, lo hizo Srebotnjak con la macedónica, bastante distinta de la de Eslovenia y emparentada con la Macedonia griega aunque manteniendo aspectos propios, derivados también del hecho de compartir tradiciones con Montenegro. La Macedonia ex yugoslava (que significa “eslavos del Sur”) es una comarca de espléndidos paisajes dominados por el Lago Ohrid y linda con Grecia, Albania, Kosovo, Serbia y Bulgaria; su capital es Skopje. Si bien en Macedonia se comparten tradiciones de la danza kolo con otras repúblicas de la ex Yugoslavia, hay maneras distintas. Instrumentos: el tapan, tambor de dos membranas; como todavía vive en Macedonia gente de origen turco y gitanos, ellos usan el darbuk de una membrana; en las ciudades utilizan un tipo de laúd llamado oot; tienen oboes llamados zurnas. Danzas: todas se bailan en grupo en los países de la ex Yugoslavia. Generalmente en los pueblos sólo bailan los jóvenes; hasta hace medio siglo, a las musulmanas en Macedonia no se les permitía bailar (no olvidar que hubo dominación musulmana en toda la ex Yugoslavia durante más de tres siglos después de la caída del Imperio bizantino); pero fuera de las musulmanas, las mujeres, como en la Macedonia Griega, bailaban de manera recatada, a diferencia del fogoso baile masculino. No hay danzas guerreras, pero sí cómicas, rituales, de casamiento; las que predominan son eróticas, con el hombre cortejando y la mujer aceptando o rechazando. Claro está que la modernidad hace que quede cada vez menos de todo esto, y por eso es importante que en todos los países haya ballets folklóricos que conserven las tradiciones o al menos las recuerden en ciertas fiestas. Las danzas de Srebotnjak me parecieron muy logradas; tres de ellas rápidas, intensas, rústicas, con acordes disonantes y ritmos saltarines; la Segunda, un Andante en cinco secciones contrastadas; y la Cuarta, Adagio, alternando “pasajes de tintes fúnebres con violentas erupciones” (Singer). Naturalmente, esta música estuvo en las manos más fieles y por analogía indica que Tomsic también se siente cómoda en lenguajes más contemporáneos.
Casi por supuesto, la parte final fue dedicada a Chopin, donde el faro conductor por excelencia era y es Rubinstein. Nada nuevo puedo decir en cuanto a las obras, que se encuentran entre las más bellas y auténticas del autor. El programa omitió datos útiles: había que aclarar que la Balada Op.47 es la Nº 3 y que los Nocturnos Op.27 Nos. 1 y 2 son Nos. 7 y 8. El programa concluyó con el Scherzo Nº2, Op.31. En efecto, la Balada Nº3, como dice Singer, es la más lírica y menos turbulenta de la serie; la pianista la reflejó con ese noble y profundo toucher donde cada nota cuenta; más allá de algún pequeño detalle imperfecto, el fraseo poético y el pedal impecable siempre estuvieron. Los Nocturnos Op.27 no están entre los más tocados y me interesaron especialmente; el primero porque su clima grave y sombrío fue captado idealmente, y el segundo porque es de los más melódicos y ella lo expresó con sutileza y gusto refinado. Y en el Scherzo Nº2 supo atenerse al Presto sin correr en demasía (como les pasa a tantos pianistas jóvenes en estas piezas; hasta el talentosísimo Lisiecki se equivocó de enfoque); fulgor y energía, sí, pero sin desbocarse; y nuevamente algún casi imperceptible desliz no afectó el placer de la escucha.
Dos piezas fuera de programa. La primera es un Liszt favorito mío: el estudio “La Leggierezza”, Nº2 de “3 estudios de concierto”, tiene una melodía de armonía innovadora, y la ligereza posterior fue en manos de Tomsic de una perlada perfección y de gran encanto. Finalizó con un tributo al gusto del período del siglo XX previo a la Segunda Guerra Mundial: los arreglos ostentosos y exagerados del Barroco realizados por Busoni; pero el que tocó al menos le permitió mostrar su habilidad para contestar una catarata fortissimo con otra pianissimo segundos después. Me quedo con el Busoni auténtico de su Fantasía contrapuntística. Pero en última instancia lo que importa es que tuvimos la presencia de una admirable pianista que era justicia conocer. Y el testimonio de cómo una técnica y un estilo de verdadera solidez pueden mantenerse (si la salud ayuda) en etapas tardías de la vida mediando la vocación y la energía.
CÁMARA INTERESANTE.
El Salón Anasagasti del Jockey Club (entrada por Cerrito) ha sido durante décadas un lugar muy grato para dar conferencias y conciertos de cámara; mi mujer y yo, p.ej., hicimos allí el paralelo Picasso-Stravinsky con diapos y grabaciones. El ciclo de conciertos es muy variado y alterna entre la música clásica y la buena música popular, en manos de dos amigos míos de larga data: Norberto Padilla y José María Cantilo. Me interesó un programa del Cuarteto Petrus con la pianista Natalia Gozález Figueroa porque (casi con total seguridad) asistí a la primera audición en nuestra ciudad del Quinteto con piano en sol menor, op.49, de Enrique Granados. Hay al menos dos grabaciones pero no las conozco: Rajna y Cuarteto Alberni (CRD) y Ensemble Variable (CPO). Al parecer estuvo un tiempo extraviado, ya que no figura en el Diccionario Grove de mi edición de hace medio siglo. Suscinto y breve(18 minutos), en tres movimientos, está técnicamente bien escrito y resulta agradable, aunque de poco ambiente español; y me pareció que el piano no tiene mucho lucimiento.
El concierto fue presentado por Padilla y por el primer violín del Petrus, Pablo Saraví, y pese a que se pìdió que no aplaudieran entre movimientos, muchos lo hicieron…(de paso, es regla en el Jockey: saco y corbata). El Petrus es un notable cuarteto, integrado además por Hernán Briático (violín II), Adrián Felizia (viola) y Gloria Pankaeva (violoncelo). Fue valioso iniciar la velada con el Adagio y fuga en do menor, K.546, de Mozart, cabal expresión del compositor en su total madurez, cuando había asimilado con entusiasmo las enseñanzas contrapuntísticas de Bach; es música austera, intensa y dramática. Y los artistas la llevaron a cabo con toda solvencia. Los escuché en otras ocasiones en el bien conocido y magnífico Cuarteto Nº6, Op.96, “Americano”, de Dvorak, música comunicativa, romántica, habilísima; lo hacen muy bien, con una natural compenetración de instrumentistas de ley. Y sin patrón comparativo, creo que también ellos y la pianista cumplieron a conciencia con su misión de permitirnos escuchar este Granados camarístico.
En el Salón Dorado del Colón se inició una serie denominada Claude Debussy Esencial de cámara, Homenaje a 100 años del fallecimiento de Claude Debussy, y al parecer lo armó la pianista Anaïs Crestin, que intervino y lo presentó. Tal como disponen las sillas no se ve nada, sólo se escucha; ¿es tan difícil hacer el esfuerzo de colocarlas con suficiente desfasaje para que se pueda ver y no sólo escuchar? Es poco inteligente. Al menos en este primer programa, lo de “esencial” sobra, más bien se estiró mediante arreglos lo que hay instrumental de Debussy para llegar a cuatro programas, pero los siguientes serán más sustanciosos. Y vale la pena continuar yendo. En esta ocasión los artistas fueron muy satisfactorios: Crestin, Matías Villafañe (violoncelo), Julio Domínguez (violín) y Emiliano Barri (saxofón) estudiaron a fondo las obras y las presentaron con segura técnica, musicalidad y afinidad con el estilo, que en este programa varió entre lo incipiente y lo ya asentado. Pero creo que hubiera sido mejor dar tres programas y no rellenar.
El programa se inició con un breve “Romance” massenetiano original para piano y transcripto por Gretchaninov para violoncelo y piano. Hay una “Romance” a secas pero la que se tocó parece ser la Romance “Silence ineffable” (con texto de Paul Bourget, grabada por Gedda y Ciccolini en su original y por Piatigorsky y Pavlovsky en la transcripción; data de 1884, los 22 años del compositor). Para los mismos instrumentos, pero sin transcripción, un Nocturno y Scherzo que duró 5 minutos; fue redescubierto en los años 80; me extrañó que hubiera poca diferencia de carácter y rapidez entre los dos fragmentos; no lo conocía. Es de 1882, inédito en vída del autor; lo grabó Rostropovich con Dedyukhin. Luego, la Rêverie para piano de 1990 se escuchó en una transcripción para violín y piano no especificada (me figuran grabadas varias transcripciones para distintos instrumentos, pero ninguna para esta combinación). El célebre preludio “Minstrels” (Libro 1º, Nº12) se escuchó en arreglo de Alberto Bachmann para violín y piano y me resultó poco satisfactorio. Otro Preludio, el delicioso “La doncella de cabellos de lino” (Libro 1º, Nº8), se escuchó en violín y piano, transcripción correcta de Léon Roques (aunque las grabadas por eminentes violinistas son las de Hartmann y Heifetz). Se escucha raramente la Rapsodia para saxofón y orquesta de 1901, revisada en 1908 y es una lástima, ya que resulta una pieza imaginativa bien del estilo maduro debussyano y el saxofón es un muy atrayente instrumento demasiado poco utilizado por los compositores académicos; en este caso Roger-Ducasse colaboró en la orquestación. Me pareció atinada la reducción para saxofón y piano de Vincent David; no pude cotejar pero la palabra “reducción”, no “transcripción”, parece significar que tiene cortes con respecto al original; y no encontré grabación. Por último, una sorpresa para mí, el Trío para violín, violoncelo y piano en Sol mayor, escrito a los 17 años pero descubierto en los años 80; si bien figura como “Primer Trío” en grabaciones recientes, no hubo segundo. Es una obra simpática, de cuatro movimientos tradicionales, dura 22 minutos y nada hay en ella del impresionismo posterior. Es la creación de un estudiante talentoso. Insólitamente, está grabada no menos de 8 veces; con Debussy sucede lo mismo que con otros grandes clásicos, se graba absolutamente todo lo que compuso y no destruyó. Señal de que hasta a un crítico veterano se le escapan muchas liebres. El mundo de la música académica es gigantesco y jamás se conoce a fondo. Eso es lo fascinante: uno sigue aprendiendo día a día.
El teatro vigente más antiguo de Europa, Teatro di San Carlo manifiesta encarnar un homenaje a Nureyev (en el 25 aniversario de su fallecimiento y 80 de su nacimiento) en conjunto con el 150 aniversario del fallecimiento de Gioachino Rossini quien fuese un excelentísimo músico de gran importancia para el Teatro; sin embargo solo quedará para él un número interpretado por el mismo Giuseppe Piccone (actual director del ballet del Teatro) por supuesto con música de Rossini. El homenaje al gran bailarín quedará reducido a una larga, pero emotiva referencia a su vida, al comienzo de la gala, y a un pasaje por los Grand pas de deux de su repertorio, dejando a fuera algo fundamental si hablamos de homenaje: su impronta.
La elección de las obras para el último concierto de la temporada en la Facultad de Derecho, no tuvo desperdicio. Obras de entre 7 y 15 minutos de duración, dos de ellas con solistas y otras dos con coro, de compositores cuyos estilos difieren bastante entre sí, sumado a ello una obra de un compositor argentino.
La duración, variedad y diversidad ayudaron muchísimo a mantener La atención y a que el concierto sea ameno, en un momento del año en el que estrés y el cansancio de la rutina anual, se hacen más presentes que nunca.
En su segunda presentación en el teatro sureño, el trío liderado por genial bajista argentino recorrió estilos y ritmos en un show lúdico y despreocupado.
La principal función de MusicaClasicaBA es fomentar la interacción entre músicos, agentes del sector público y privado y el público en general, permitiendo afianzar los lazos culturales y artísticos de nuestra región.
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titleGala de Ballet Homenaje a Nureyev y Rossini - Teatro di San Carlo
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description<p style="text-align: center;"><img alt="" src="/src/media/images/Agenda/47689264_2296483907254725_226434193423335424_o.jpg" style="height:400px; width:800px" /></p>
<p style="text-align: center;"><span style="font-size:11px"><span style="color:#000000">PH: Carlos Villamayor</span></span></p>
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<p style="text-align: center;"><strong><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">El teatro vigente más antiguo de Europa, Teatro di San Carlo manifiesta encarnar un homenaje a Nureyev (en el 25 aniversario de su fallecimiento y 80 de su nacimiento) en conjunto con el 150 aniversario del fallecimiento de Gioachino Rossini quien fuese un excelentísimo músico de gran importancia para el Teatro; sin embargo solo quedará para él un número interpretado por el mismo Giuseppe Piccone (actual director del ballet del Teatro) por supuesto con música de Rossini. </span></span></span></strong></p>
<p style="text-align: center;"><strong><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">El homenaje al gran bailarín quedará reducido a una larga, pero emotiva referencia a su vida, al comienzo de la gala, y a un pasaje por los Grand pas de deux de su repertorio, dejando a fuera algo fundamental si hablamos de homenaje: su impronta.</span></span></span></strong></p>
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<p style="text-align: justify;"><strong><span style="color:rgb(0, 0, 0); font-family:verdana,geneva,sans-serif; font-size:14px">Por Luz Lassalle.</span></strong></p>
<p style="text-align: justify;"> </p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">La gala comenzó con un video sobre la vida y obra de éste ícono mundial de la danza clásica. Acontecen las imágenes, mientras se escucha un relato en italiano en primera persona, contando lo que significó la danza en su vida; relata cómo a sentir la música penetrar en su cuerpo, ya le era imposible no seguir el ritmo; el movimiento emergía desde lo más profundo de sí, para salir transformado en danza. Cuenta lo difícil que fue, y todos los obstáculos que tuvo que atravesar (Segunda Guerra Mundial de por medio) para cumplir su sueño. Agradece haber sido dueño de ese cuerpo bailarín y haber podido llegar donde llegó. La voz que se escucha es una voz dolida, habla desde sus últimos días, donde ya se encuentra postrado en una silla de ruedas, con este otro cuerpo que no le permite volar como antes. Así mismo manifiesta todas esas sensaciones vivas que le fue dejando la danza y proclama casi como un deseo, como un consejo, que todo ser humano debería bailar, aunque su propósito no sea el de ser un Nureyev.</span></span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Inmediatamente, con la sensibilidad a flor de piel después de haber visto el resplandor de un grande, se hace presente El príncipe Sigfrido buscando a Odette: estamos ante el <strong>Cisne Blanco</strong> (Pas de deux), variación que pertenece al acto blanco de El lago de los cisnes (música Tchaikowsky, coreografía Petipa) con excelentísima técnica y espectacular interpretación de Luisa Leluzzi y su partenaire Stanislao Cappisi. No faltaron los movimientos suaves, etéreos, que son característicos de esta obra emblemática del romanticismo; así mismo es difícil, tratándose de un homenaje, no remontarse al mismísimo Nureyev y no entrar en comparaciones. A continuación se presentan Giovanna Sorrentino, Carlo de Martino y Luana Damiano, para bailar el <strong>Pas de Trois de Paquita</strong> (música Minkus, coreografía Petipa) Correctos en su técnica, prolijos pero no exactos como lo requiere un pas de este tipo; a pesar de las imperfecciones ninguno de los tres bailarines dejó de demostrar plenitud y gracia durante la variación.</span></span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Siguiendo con la programación, se hace presente en <strong>Volver</strong> Edmundo Tucci, con una muy buena puesta de luces y una interpretación muy sentida de la letra en italiano (A. Mallardo) de nuestro famoso tango, propio de Gardel y Le Pera. Un claro manejo del cuerpo puesto a disposición de un interesante lenguaje de movimiento, adecuado a la tónica de la letra.</span></span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">El Adagio de <strong>Scheherazade </strong>(música Korsakov, coreografía M.Fokine) sí resultó digno de un homenaje (a pesar de no ser famoso en el repertorio de Nureyev) con una excelente técnica y precisión. El rol masculino tuvo una magnífica interpretación de Alessandro Staiano, con una presencia escénica impecable, y una muy buena conexión con la partenaire femenina, sumada la sensualidad propia de rol de Zobeida interpretado por Ana Chiara Amirante; ambos bailarines, se entrelazaron con un sin fin de arabesques, attitudes, poses y pasos entretejiendo una variación cargada de pasión y sensualidad, sin descuidar en lo más mínimo los detalles que requiere la técnica.</span></span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Sin embargo, para el momento de <strong>Tchaikowski Classique</strong> (música Tchaikowski, coreografía G. Picone) no quedó reflejado el mismo cuidado escénico ya que éste se pareció más a una ensalada de pasos clásicos tratando llenar tanta música, con variedad de repeticiones, unísonos, dúos, cánones y diagonales, con buena técnica, pero con una falta interpretativa notoria y algunos desajustes evidentes entre los bailarines que se encontraban más cerca de sufrir la coreografía que de disfrutarla.</span></span></span></p>
<p style="text-align: justify;"> </p>
<p style="text-align: center;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><img alt="" src="/src/media/images/Agenda/47508847_2296483560588093_1305308340133298176_o.jpg" style="height:515px; width:800px" /></span></span></span></p>
<p style="text-align: center;"> </p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">La segunda parte de esta Gala, si bien, a diferencia de lo esperado, no se escucha ni mención referida a la obra de Rossini, nos deleita con <strong>La muerte del cisne</strong> (música C.S.Saens, coreografía M.Fokine) una deliciosa representación nuevamente de Anna Chiara Amirante. Ella logra llenar el escenario con su magnífica técnica e interpretación, acompañada de esta excelentísima pieza musical creada para la mencionada miniatura coreográfica, que tiene la particularidad de que su trama se reduce a los últimos instantes de la vida de esta emblemática ave adoptada por el ballet.</span></span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Sigue en el repertorio elegido el Grand pas de deux del segundo acto de <strong>La Bella Durmiente</strong> (música Tchaikowski, coreografía G. Picone), muy correctos en interpretación y técnica.</span></span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Llega el momento de <strong>Elegie</strong> (música Rachmaninoff, coreografía G. Picone) con mínimos y camuflados trajes que dejan ver el trabajo físico que requiere la entrega de cualquier bailarín de este nivel, un correcto trabajo de líneas neoclásicas en aliados movimientos de los dos intérpretes muy afinados a la música envolvente.</span></span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Y es el momento entonces del tan esperado <strong>Homenaje a Rossini </strong>con música del mismo compositor y una variación coreográfica presentada como estreno mundial del coreógrafo Francesco Annarumma, interpretada en este caso por el director del ballet Giuseppe Picone. Mostrando un abanico de habilidades motoras, dignas de un buen entrenamiento y una evidente experiencia escénica, con posiciones altas y movimientos precisos, no faltaron los grand battements, bien clásicos, dejando en claro las posibilidades que le brinda su gran elongación, combinando movimientos mecánicos más propios de la danza moderna, sin una clara relación entre los dos lenguajes de movimiento presentes en esta coreografía.</span></span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Acercándonos al final se presentan Claudia D´Antonio y Salvatore Manzo para interpretar el Grand Pas de Deux de <strong>Don Quijote </strong>(música Minkus, coreografía Petipa). Ambos bailarines lograron el carácter que requiere la interpretación de una obra de ésta índole: alegre, chispeante, con gracia y excelente técnica; no faltaron los grandes saltos del rol masculino y famosos Rond de Jambe fouettés en la variación femenina.</span></span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">El cierre es con <strong>Raymonda </strong><strong>Gran Final</strong> (música Glazunov, coreografia Petipa) haciéndose presente en escena gran parte del cuerpo de baile del Teatro, Valentina Vitale, Natalia Mele, Annalisa Casillio, Adriana Pappalardo, Martina Affaticato, Luana Damiano, Fabio Gison, Marco Spizzica, Marcello Pepe, Massimo Sorrentino, Gian Luca Nunziata, Ferdinando De Riso, Francesco Lorusso, Giuseppe Ciccarelli.</span></span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Fueron pocos los momentos en que se puede hablar de Homenaje propiamente dicho, queda claro que estar a la altura de semejantes figuras del arte, tanto Nureyev como Rossini, no es tarea sencilla, su trayectoria y su trascendencia superan cualquier expectativa. Igualmente no podemos dejar de mencionar la gran calidad escénica de muchas (aunque no de todas) de las variaciones que presentó El Teatro di San Carlo para esta oportunidad. </span></span></span></p>
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titleÚltimo concierto de la temporada de la Orquesta Juvenil
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categoryReseñas
short_descLa elección de las obras para el último concierto de la temporada en la Facultad de Derecho, no tuvo desperdicio. Obras de entre 7 y 15 minutos de duración, dos de ellas con solistas y otras dos con coro, de compositores cuyos estilos difieren bastante entre sí, sumado a ello una obra de un compositor argentino.
La duración, variedad y diversidad ayudaron muchísimo a mantener La atención y a que el concierto sea ameno, en un momento del año en el que estrés y el cansancio de la rutina anual, se hacen más presentes que nunca.
description<p style="text-align: center;"><img alt="" src="/src/media/images/Agenda/concierto_4.jpg" style="height:400px; width:800px" /></p>
<blockquote>
<p style="text-align: center;"><strong><span style="color:#000000"><span style="font-size:16px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">La elección de las obras para el último concierto de la temporada en la Facultad de Derecho, no tuvo desperdicio. Obras de entre 7 y 15 minutos de duración, dos de ellas con solistas y otras dos con coro, de compositores cuyos estilos difieren bastante entre sí, sumado a ello una obra de un compositor argentino.</span></span></span></strong></p>
<p style="text-align: center;"><strong><span style="color:#000000"><span style="font-size:16px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">La duración, variedad y diversidad ayudaron muchísimo a mantener La atención y a que el concierto sea ameno, en un momento del año en el que estrés y el cansancio de la rutina anual, se hacen más presentes que nunca.</span></span></span></strong></p>
</blockquote>
<p> </p>
<p><strong><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Por Camila Ramadán.</span></span></span></strong></p>
<p> </p>
<p dir="ltr" style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">El “Ciclo de Grandes Conciertos” en la Facultad de Derecho comenzó en 1949, a los pocos años de inaugurar el edificio. Originalmente fue los días jueves, y a partir de 1995 comenzó a realizarse los sábados. Ofrece en la actualidad, casi un centenar de conciertos anuales.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Aunque todas las semanas hay una cita presente, la última vez que fui a un concierto en la Facultad de Derecho, </span><strong>todavía ni estaba en planes la estación de subte homónima</strong><span style="background-color:transparent">. Aún más, creo que ni siquiera se había inaugurado la anterior. Haciendo más memoria y cometiendo un </span><em>sincericidio</em><span style="background-color:transparent">, me animo a pensar, que a la Orquesta Sinfónica Juvenil Nacional “José de San Martín” hace aún más tiempo que no la escucho.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Me dirigía al concierto expectante y con ganas de ser sorprendida. Al salir de la estación de subte, </span><strong>me encontraba entre ombúes, frailes y filtros</strong><span style="background-color:transparent">. El lector quizá ya lo sepa: hace 500 años cuando se fundó la ciudad por segunda vez y se repartieron las tierras, en la zona predominaban estos árboles; no por nada la chacra de Ortiz de Zárate -a quien se le cedieron las tierras-, se llamó "Los Ombúes". Más tarde fue habitada por los Frailes Recoletos, quienes le dieron el nombre al barrio. En la década de 1940, donde hoy nos encontramos, se hallaban los filtros de Obras Sanitarias de la Nación, demolidos para construir el edificio de la facultad.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Luego de recibir la bienvenida por parte de Juan Carlos Figueiras, en el Salón de Actos, el periodista y conductor Nelson Castro se hizo presente para comentar las obras que se escucharían en la primera parte del concierto.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">El primer deleite llegó cuando los músicos salieron a escena: el público aplaudió hasta que apareció el último. La verdad, siempre </span><em>me</em><span style="background-color:transparent"> </span><em>duele</em><span style="background-color:transparent"> un poco cuando no es sostenido y los últimos veinte integrantes que salen, lo hacen en silencio. </span><strong>Esta vez fue diferente</strong><span style="background-color:transparent">. Punto para el público.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Luego de aplaudir a un </span><em>falso concertino</em><span style="background-color:transparent"> (un violinista que entró después y que al parecer tenía un inconveniente con su silla) y de sí hacerlo con el verdadero, la orquesta se dispuso a afinar para comenzar el concierto. Primero, Benzecry nos dio la noticia de que uno de los violistas recientemente entró por concurso a la Orquesta Estable del Teatro Colón. </span><strong>Vayan las felicitaciones desde estas líneas para dicho músico</strong><span style="background-color:transparent">.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">El Director Titular de la orquesta es una de estas personas a gusto con su profesión y con ganas de que sus músicos progresen. No por nada, pasaron ya varios años desde aquel 1994 en el que fundó la orquesta. A día de hoy cuenta con un centenar de músicos, sin olvidar a la Directora Adjunta, los Directores Asistentes y más personas que están detrás y la hacen una realidad.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Parece mentira que una orquesta que debiera ser considerada como “</span><em>semillero</em><span style="background-color:transparent">” de las orquestas profesionales y ser más valorada, haya sido olvidada este año, teniendo que </span><strong>trabajar más de un semestre sin remuneración y esperando hasta el mes de agosto para que se empezara a saldar la deuda</strong><span style="background-color:transparent">. El lector seguramente acordará, sin importar la bandera política que enarbole, en </span><strong>la gravedad que conlleva dejar de lado a todas aquellas personas que día a día, crean y mantienen la cultura</strong><span style="background-color:transparent"> de este país.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Una vez que el </span><em>coro de toses</em><span style="background-color:transparent"> interpretó la tan famosa melodía pre-comienzo de concierto, la música comenzó a sonar.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">La primera obra fue las </span><strong>"Variaciones Dowland"</strong><span style="background-color:transparent"> del compositor tucumano </span><strong>Eduardo Alonso Crespo</strong><span style="background-color:transparent">, escrita entre finales del milenio pasado y principios de éste. Fue curioso, demostró </span><strong>que no hay que temer cada vez que un compositor argentino figura en un programa</strong><span style="background-color:transparent">.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">No puedo ser políticamente correcta: la gran mayoría de las veces que fui a un concierto y se encontraba anunciada una obra de un compositor argentino, los comentarios (o las expresiones de las caras) eran repetidas; nos falta todavía un tramo hasta incorporar la música compuesta por contemporáneos y dejar de describirla como "</span><em>ruidosa</em><span style="background-color:transparent">", "</span><em>rara</em><span style="background-color:transparent">" y "</span><em>difícil de entender</em><span style="background-color:transparent">".</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Alonso Crespo planteó algo totalmente diferente, una obra amable, que supo coquetear con el interés musical del público. Dicho en </span><em>criollo</em><span style="background-color:transparent">: más parecida a música clásica. Claro, la obra se llama Variaciones Dowload en homenaje a John Dowload, un compositor inglés muy popular para su tiempo -quien existió, mientras Buenos Aires transitaba sus primeros años de vida-. Aunque he de decir, que cuando el piano dio comienzo al Tema y Variaciones, encontré a un Satie escurriéndose entre las notas, hasta encontrar a la flauta traversa.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">La disposición de la orquesta se mantuvo todo el concierto, aunque con ausencia de algunos instrumentos dependiendo la obra. Violines primeros a la izquierda del director, a su lado los segundos y a sus espaldas, piano, arpa y percusión. Enfrente las violas -a la derecha del director- y al lado de ellas los violoncellos, mientras que por detrás los contrabajos y timbales. Mirando de frente al director y completando la formación, la sección de vientos.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">La segunda obra, “</span><strong>Kol Nidrei</strong><span style="background-color:transparent">”, de </span><strong>Max Bruch</strong><span style="background-color:transparent"> (1838-1920), prescindió de algunos músicos que se retiraron previamente a su ejecución.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Aunque se suele afirmar que Bruch era un compositor judío, en realidad era cristiano protestante. Se cuenta que escribió esta obra especialmente para la comunidad judía de Liverpool, cuando trabajaba como director de la orquesta de dicha ciudad.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Kol Nidrei (1880) se basa en dos melodías tradicionales hebreas. La primera, de donde toma el nombre, se realiza en la víspera del </span><em>Yom Kipur</em><span style="background-color:transparent">. Es una tefilá -oración o plegaria-, donde se anulan todas aquellas promesas hechas a Dios pero no cumplimentadas. La segunda, se inspira en el poema de Byron "</span><em>Those that Wept on Babel's stream</em><span style="background-color:transparent">".</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Esta obra incluye un violoncello solista, en esta jornada a cargo de Yetsabel Ramírez, intérprete venezolana que viajó por todo el mundo junto a la Sinfónica de Caracas. A subrayar su técnica, uso del arco y del vibrato.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">La segunda satisfacción ocurrió cuando presté atención a los vientos en el recambio de músicos, entre obra y obra: </span><strong>dentro de la familia de los metales, la mitad de los ejecutantes son mujeres</strong><span style="background-color:transparent">; tan poco común hace no tanto tiempo, pero que a día de hoy es una realidad. Podemos afirmar que ya no existen "</span><em>instrumentos para hombres</em><span style="background-color:transparent">" o "</span><em>instrumentos más delicados</em><span style="background-color:transparent">".</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">La tercera obra fue "</span><strong>Passione Amorosa</strong><span style="background-color:transparent">" del italiano </span><strong>Giovanni Bottesini</strong><span style="background-color:transparent"> (1821-1889), el </span><em>Paganini del contrabajo</em><span style="background-color:transparent">. Esta obra de tres movimientos planteada para orquesta sólo de cuerdas, incluye dos contrabajos solistas, esta vez, a cargo de Juan Manuel Fernández Rossi (1° contrabajo, el primero al lado del director) y Manuel Volpe (2° contrabajo). Ambos se encuentran estudiando en el Conservatorio Superior de Música "Manuel de Falla", es de destacar la labor de su profesor Edgardo Vizioli, sin dejar de notar la trayectoria de cada músico. Aunque los dos solistas tuvieron un buen desempeño individual y supieron entenderse y dialogar, brilló la actuación de Fernández Rossi por su personalidad, sonido y musicalidad.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align: justify;"> </p>
<p dir="ltr" style="text-align: center;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent"><img alt="" src="/src/media/images/Agenda/concierto_1.jpg" style="height:600px; width:800px" /></span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align: justify;"> </p>
<p dir="ltr" style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Mientras la finalización del segundo movimiento era inminente, reconozco que pensé en aplaudir. Digo, lo hubiese hecho si </span><em>estuviese permitido</em><span style="background-color:transparent"> hacerlo entre movimientos. No sé si las decenas de personas que se encontraban allí presentes me leyeron la mente y cumplieron mi deseo, o realmente todos fuimos conmovidos por un movimiento tan expresivo y tan bien logrado, porque al acabar el </span><em>Andante</em><span style="background-color:transparent">, la sala entera recompensó la interpretación. No me juzguen de antemano, aunque quisiera, jamás aplaudo cuando </span><em>no debo</em><span style="background-color:transparent">.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Luego del intervalo, Nelson Castro comentó las obras de la segunda parte, que contendría obras de Beethoven y Borodin. El reencuentro halló al público un poco desganado. Esta vez los aplausos no esperaron a que todos los músicos aparecieran, aunque sí llegaron cuando el coro comenzó a ubicarse envolviendo a la orquesta. Éste estuvo compuesto por la </span><strong>Asociación Coral “Lagun Onak”</strong><span style="background-color:transparent"> y por el </span><strong>Coro de la Facultad de Derecho</strong><span style="background-color:transparent">, dirigidos por </span><strong>Miguel Ángel Pesce</strong><span style="background-color:transparent">, quien se presentó como un coreuta más.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Se interpretaron dos obras de </span><strong>Ludwig van Beethoven</strong><span style="background-color:transparent"> (1770-1827). Curiosamente, en el año en el que la muerte encontraba al Maestro, la Universidad de Buenos Aires festejaba sus primeros seis años de vida.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Por un lado, </span><strong>“Elegischer Gesang” (“Canto Elegíaco”)</strong><span style="background-color:transparent"> escrita en 1814, para su amigo el Barón Pasqualati, debido al fallecimiento de su esposa ocurrido tres años antes.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Luego se interpretó </span><strong>“Meeresstille und glückliche Fahrt” (“Mar calmo y viaje feliz”)</strong><span style="background-color:transparent">, creada en 1815, basada en dos poemas breves de Goethe. Cuenta la anécdota que el compositor le escribió al poeta comentándole sobre su obra, pero Goethe jamás le respondió. Se dice que esta actitud era normal en él.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">La historia nos relata que sólo se encontraron en persona unos instantes en el año 1812, protagonizando una situación algo incómoda y que no volvieron a verse otra vez. Por la personalidad de cada uno, Goethe un tanto maleducado y Beethoven, orgulloso y efusivo, se puede suponer que no lamentaron demasiado el no haber podido construir una amistad.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Cuando acabó la interpretación, no sé si fue porque todos estábamos impactados por la belleza de la obra (o porque teníamos miedo de </span><em>pifiarle</em><span style="background-color:transparent">, seamos sinceros), pero por un segundo nadie respiró en la sala. Fue un momento eterno donde todo se aquietó, antes del gran aplauso.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Estas obras, ambas con coro, contrastaron demasiado con la siguiente del compositor Alexander Borodin, quien otorgó más protagonismo a la orquesta y donde los </span><em>forte</em><span style="background-color:transparent"> y </span><em>fortissimo</em><span style="background-color:transparent"> predominaron en gran medida. </span><strong>Si había alguien dormido en la sala no le duró mucho el sueño, puedo asegurarlo.</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Mientras disfrutaba a Beethoven (es de mis preferidos), el </span><em>tic tic tic</em><span style="background-color:transparent"> del reloj de la señora al lado mío estaba mortificándome. Aunque más o menos coincidía con el </span><em>tempo</em><span style="background-color:transparent">, no podía evitar escuchar a la orquesta y al mismo tiempo cuestionarme por qué tengo tan agudizado el oído. ¿O aquel reloj sonaba particularmente fuerte?</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Como sea, da cuenta que Beethoven fluctuaba más entre </span><em>pianos</em><span style="background-color:transparent"> y </span><em>fortes</em><span style="background-color:transparent">, con </span><em>crescendos</em><span style="background-color:transparent"> incluidos, mientras que la pieza de </span><strong>Alexander Borodin</strong><span style="background-color:transparent"> (1833-1887) me dio esa paz mental haciendo desaparecer </span><em>el tic tic tic</em><span style="background-color:transparent"> de la señora. Punto para Borodin.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">De este autor escuchamos las </span><strong>“Danzas Polovtsianas”</strong><span style="background-color:transparent">, que en realidad son parte de su ópera “El Príncipe Igor”. Sin terminar por cierto, porque </span><em>la parca</em><span style="background-color:transparent"> vino a buscarlo antes. Por suerte, sus amigos Rimsky-Korsakov y otro Alexander, Glazunov, </span><em>recogieron el guante</em><span style="background-color:transparent"> y acabaron la obra.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Estas danzas adquirieron un protagonismo propio y generalmente se las interpreta como si fuese una pieza independiente. Aunque a veces se prescinde del coro, en esta oportunidad se escuchó la versión original, incluyéndolo.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">En esta obra, a diferencia de las anteriores, se sintió algún detalle, que no quedó claro de dónde provenía. Sin embargo, en general </span><strong>el rendimiento de la orquesta y el coro en todo el concierto, fue más que bueno</strong><span style="background-color:transparent">. </span><strong>El público opinó lo mismo, puesto que los aplausos desbordaban la sala no tan llena. El entusiasmo era notorio y el cariño hacia el Director, notable.</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">En síntesis, la elección de las obras para el último concierto de la temporada en la Facultad de Derecho, no tuvo desperdicio. Obras de entre 7 y 15 minutos de duración, dos de ellas con solistas y otras dos con coro, de compositores cuyos estilos difieren bastante entre sí, sumado a ello una obra de un compositor argentino.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">La duración, variedad y diversidad ayudaron muchísimo a mantener la atención y a que el concierto sea ameno, </span><strong>en un momento del año en el que estrés y el cansancio de la rutina anual, se hacen más presentes que nunca</strong><span style="background-color:transparent">.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Obras no tan usuales, pero agradables. Muy diferentes unas de otras. Cantidad pero sin agotar.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>Un programa inmejorable. </strong></span></span></span></p>
<p style="text-align: justify;"> </p>
<p dir="ltr" style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><em>Nota de interés: la temporada 2019 del “Ciclo de Grandes Conciertos” comienza el sábado 23 de marzo. Para enterarse de los programas de cada fin de semana, puede consultarse a través de Facebook, enviando un correo electrónico o llamando por teléfono.</em></span></span></span></p>
<p style="text-align: justify;"> </p>
<p dir="ltr" style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><em>Twitter y Facebook: /GConciertosDer</em></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align: justify;"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000"><em>Email: </em></span><a href="mailto:grandesconciertos@derechouba.ar" style="text-decoration-line: none;"><span style="color:#000000"><em>grandesconciertos@derechouba.ar</em></span></a></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><em>Teléfonos: 4809-5649 / 5287-7013 (lunes a viernes), 4809-5600 (sábados)</em></span></span></span></p>
<div> </div>
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created2018-12-12
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titleJavier Malosetti & La Colonia en el Teatro Roma, vacaciones permanentes
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categoryReseñas
short_descEn su segunda presentación en el teatro sureño, el trío liderado por genial bajista argentino recorrió estilos y ritmos en un show lúdico y despreocupado.
description<p dir="ltr" style="text-align: center;"><img alt="" src="/src/media/images/Agenda/m_IV_6773_DxO11.jpg" style="height:384px; width:678px" /></p>
<blockquote>
<p dir="ltr" style="text-align: center;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="font-size:16px"><strong>En su segunda presentación en el teatro sureño, el trío liderado por genial bajista argentino recorrió estilos y ritmos en un show lúdico y despreocupado.</strong></span></span></span></span></p>
</blockquote>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><strong><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Por Iván Gordin.</span></span></span></strong></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">“¿El humor tiene lugar en la música?” preguntaba Frank Zappa hace algunos años. Javier Malosetti, quien tiene un tatuaje del bigotudo, no sé si alguna vez tuvo la respuesta a ello, pero sin lugar a dudas tiene ese espíritu que le niega el espacio a la solemnidad. Pese a haber nacido en el seno del jazz (hijo del guitarrista de Walter Malosetti), el multiinstrumentista nunca optó por la postura de saco y corbata que caracteriza a la ortodoxia del género. En camisa, Malosetti se ríe constantemente y pasea por standards, blues, funk, soul y rock & roll sin perder su toque particular. Mejor que no le avisen a Wynton Marsalis.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">La Colonia, nueva agrupación conformada por el baterista Tommy Sainz (Huevo) y el tecladista/cantante MIlton Amadeo (sí, el de Mambrú) parece llevar ese nombre por la juventud y diversión de sus músicos. La impronta de este nuevo trío se alínea con el estilo que el bajista ha tomado desde su disco </span><em>Ten</em><span style="background-color:transparent"> (2010). Más cercana a la fusión y a la canción que a los largos soliloquios jazzeros. Es así que en el repertorio de Javier desfilan Jimi Hendrix, Sly Stone, Ornette Coleman y Luis Alberto Spinetta. También hubo espacio para nuevos temas próximos a editar como Ostara Furita, pieza llena de complejos obligados y esquizofrenia temporal.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Salvo algunos desperfectos técnicos hacia el final, la acústica del Teatro Roma es excelente y la amplificación aguantó la oscilación entre los tremendos graves y los solos con pedal octavador, que son ya marca registrada de la estética Malosetti. Algo similar sucedió con el tremendo sonido de las teclas de Amadeo, complementadas por la pared rítmica de los fortísimos golpes de Tommy Sainz a su bata.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Con una sonrisa de ceja a ceja durante la hora y media del concierto, Javier Malosetti & La Colonia demostró una vez más que la comunión y el disfrute son elementos esenciales para cualquier conversación musical.</span></span></span></span></p>
<div> </div>
short_desc Este artículo tiene dos partes: la primera visita de una pianista talentosa que nos llega muy tarde en su carrera, heredera de una tradición extraordinaria: la de su maestro Artur Rubinstein. Y dos instancias de buena música de cámara con renovado repertorio.
description<blockquote>
<p style="text-align:center"> <span style="color:#000000"><span style="font-size:16px"> <strong>Este artículo tiene dos partes: la primera visita de una pianista talentosa que nos llega muy tarde en su carrera, heredera de una tradición extraordinaria: la de su maestro Artur Rubinstein. Y dos instancias de buena música de cámara con renovado repertorio.</strong></span></span></p>
</blockquote>
<p style="text-align:center"> </p>
<p style="text-align:center"><iframe frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/NLNFql9iEvY" width="560"></iframe></p>
<p style="text-align:center"> </p>
<p style="text-align:justify"><strong><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">DUBRAVKA TOMSIC SREBOTNJAK</span></span></strong></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> Lo confieso, este nombre y apellidos tan eslavos me eran desconocidos y me extrañó que figuraran en el costoso y deslumbrante abono del Colón, Grandes Intérpretes Internacionales, que se inició con la Orquesta Filarmónica de Viena dirigida por Gustavo Dudamel y luego de la artista que comento incluirá el debut argentino de Anna Netrebko y los retornos de Bryn Terfel y Juan Diego Flórez. Fui al concierto con extrañeza y volví a mi domicilio feliz de haber conocido a una artista de primera línea, aunque no tuve el placer de ver sus manos tocando (estuve en localidad par). Aclaro que el teclado de mi computadora no incluye los circunflejos al revés que necesitan nombres y apellidos de muchos países europeos; en este caso lo tienen la s y la c de Tomcic. También es necesario informar que Tomsic es su apellido de soltera, pero ella decidió añadir el de su marido durante décadas, el compositor Alojz Srebotnjak (1931-2010), de quien estrenó en este recital sus “Danzas macedonias”, todo lo cual revela que para ella esa relación fue y es esencial; para los latinos no resulta fácil recordar ese doble apellido.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> Niña prodigio, a los cinco años dio su primer recital; ahora, según una información que no figura en la biografía del programa, tendría 78 años, lo cual convierte a su carrera en una de las más longevas. Nacida en Eslovenia, a los 12 años se mudó a New York, ingresó en la célebre Juilliard School y se graduó a los 17. Al escucharla en el Carnegie Hall en 1957, Rubinstein la invitó a estudiar con él. De allí en más ofreció 4.000 recitales en todos los continentes; pero la frase “desde 1989 es invitada a actuar en Estados Unidos” desconcierta ya que implica que durante un tiempo largo no lo hizo. Aparentemente fueron muchos los años en donde se radicó en su país de origen, ya que también Srebotnjak era esloveno, y quizá durante un período extenso sus recitales fueron en otras zonas. Recordar que Eslovenia fue parte de Yugoslavia hasta que se independizó (visité la capital, Ljubljana, en 1961, cuando el Mariscal Tito estaba en el poder, y me impresionó como una ciudad bella, con similitudes vienesas, y con una Ópera de buen nivel, donde ví el “Macbeth” de Verdi en esloveno). Dice la biografía: “desde 1987 ha registrado más de 90 CDs” (¡!); en mi catálogo RER del año 2000 sólo figuran dos Koch: Mozart, Sonatas, Vol. 1; y Beethoven, Sonatas Nos. 23, 26 y 31. “El recital en el Colón es su primera presentación en América del Sur”. Lamento haberla desconocida hasta ahora, y enhorabuena que finalmente nos llegó, ya que su recital la mostró en forma admirable, digna discípula del gran Rubinstein, de quien tengo recuerdos inolvidables por conciertos en Washington y París (éste acompañado por Barenboim como director, tocando el Primer Concierto de Brahms a los 85 años con impactante seguridad y soberbio estilo).</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> Inició su recital vespertino con 5 sonatas de Domenico Scarlatti; ¡5 entre 555! Durante décadas rigió el catálogo Longo, hasta que el gran clavecinista Ralph Kirkpatrick realizó uno más preciso, y es el que ahora se utiliza (Kk). (Además hay 14 no publicadas). Tomsic, pese a que su veteranía implica que las conoció por Longo, se “aggiornó” correctamente y las presentó con sus números Kk. Ignoro cuántas conoce de ese inmenso legado; como supongo aconteció con grandes pianistas del pasado que dejaron grabaciones espléndidas (Maria Tipo, Clara Haskil, Vladimir Horowitz), habrá elegido sobre la base de mucho menos que esas 555 y según su gusto personal. Naturalmente fueron escritas para clave, en el Barroco tardío, ya que Scarlatti las escribió en su gran mayoría en Madrid entre 1733 y 1757, el año de su muerte a los 72 años. Las llamó “esercizi” y en su inmensa mayoría están escritas en forma binaria (dos partes que se repiten) y suelen no pasar de los 5 minutos. Conozco algo más de un centenar, combinando las que tengo en clave o en piano, y me atraen de igual manera en ambos instrumentos, pese a ser tan distintos en su estética: en el clave son más ásperas y contundentes, en el piano tienen matices muy atractivos. Pasa como en Bach pero de modo más marcado. Y cuando la escritura aprovecha los dos teclados del clave ello complica la ejecución pianística. El primero en intentar la grabación completa fue el clavecinista Fernando Valenti en Westminster y tengo 6 de esos discos (12 x 6, 72 sonatas), pero no pudo completar el proyecto debido a la lamentable quiebra de Westminster, una de las mejores y más prolíficas marcas en vinilo en los años 50 y 60. Mucho después, y en CD, dos artistas lograron esa proeza: Scott Ross y Luciano Sgrizzi; intenté en vano conseguirlos; en su tipo el emprendimiento es tan enorme como la integral de las cantatas bachianas. Ningún pianista se planteó ese desafío. Hay una plétora de grabaciones de una selección además de los ya mencionados: por sólo citar nombres básicos, Landowska, Leonhardt y Pinnock en clave; Schiff, Staier, Benedetti Michelangeli, Casadesus, M. Meyer. Mis modelos en recitales que pude escuchar fue Maria Tipo, de excepcional claridad y exactitud, en Buenos Aires; y Casadesus y Gileles en Washington; en clave, Valenti en nuestra ciudad. Y me gustaron mucho las pianísticas de Zacharias filmadas en La Alhambra por Cozarinsky. Como se ve, soy muy scarlattiano; y nuevamente tuve gran placer en apreciar en vivo su música tan imaginativa y fresca, esta vez en manos de Tomsic, que tocó con precisión, gusto y dominio 5 bien elegidas y contrastantes, y sólo una muy tocada: Kk 9 (Longo 413) en re menor; las restantes: Kk 11, 159, 14 y 125 (el programa erróneamente ponía K., lo que confunde con Köchel, el catálogo mozartiano)., fueron un reguero de ideas musicales estimulantes.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> Por lo citado más arriba, se ve que Tomsic tiene un enorme repertorio; el CD de Beethoven mencionado contiene sonatas fundamentales; también lo es la justamente célebre Sonata Nº21, “Waldstein” o “Aurora”. Demanda agilidad, coordinación, variedad de fraseo, inteligente manejo del pedal, toucher poético en partes y rotundo en otras, así como expresividad en el movimiento lento; todo esto se pudo apreciar en una versión de gran nivel y firmeza, que demostró que a su alta edad Tomsic mantiene sus muy amplios medios. Por supuesto me recordó a Rubinstein, ¿y qué mejor referencia puede haber? Claro está que cualquier melómano tiene grandes recuerdos de ejecuciones en vivo de esta sonata; los míos son Gulda, Barenboim, Arrau; o menos perfectos pero muy expresivos, R. Serkin o Richter-Haaser; o las extraordinarias grabaciones de Backhaus y Brendel. Pero siempre habrá lugar para una ejecución de categoría, y ésta lo fue; “un 8.000”, como diría un escalador de los Himalayas.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> Tontamente el programa no puso los necesarios y tradicionales I y II, pero sí, hubo intervalo tras la “Waldstein”; y la Segunda Parte se inició con el tributo de la intérprete a su marido: la primera audición (no consignada como tal) de las “Danzas macedonias” de Srebotnjak (1931-2010). Cito el útil comentario de Carlos Singer (bienvenida su presencia tras prolongado hiato): “importante compositor y educador musical. Su catálogo comprende música orquestal (Sinfonietta, Conciertos para arpa y para violín, Episodios concertantes), vocal, de cámara, coral, instrumental, el ballet ´La trompeta y el Diablo´, así como partituras para una decena de películas; buena parte de su producción se inspira en melodías tradicionales eslovenas y macedonias. Las ´Danzas Macedonias´ de 1975 son elaboradas transcripciones de danzas folklóricas con un lenguaje que posee fuerte afinidad con el de Bartók”. Conviene aclarar que Macedonia, ahora independiente, fue parte de la Yugoslavia unida de la época de Tito, y que es el complemento histórico de la Macedonia griega, cuna de Alejandro el Grande. Así como Bartók estudió y grabó música folklórica rumana y búlgara y luego utilizó parte de lo investigado en obras suyas, lo hizo Srebotnjak con la macedónica, bastante distinta de la de Eslovenia y emparentada con la Macedonia griega aunque manteniendo aspectos propios, derivados también del hecho de compartir tradiciones con Montenegro. La Macedonia ex yugoslava (que significa “eslavos del Sur”) es una comarca de espléndidos paisajes dominados por el Lago Ohrid y linda con Grecia, Albania, Kosovo, Serbia y Bulgaria; su capital es Skopje. Si bien en Macedonia se comparten tradiciones de la danza kolo con otras repúblicas de la ex Yugoslavia, hay maneras distintas. Instrumentos: el tapan, tambor de dos membranas; como todavía vive en Macedonia gente de origen turco y gitanos, ellos usan el darbuk de una membrana; en las ciudades utilizan un tipo de laúd llamado oot; tienen oboes llamados zurnas. Danzas: todas se bailan en grupo en los países de la ex Yugoslavia. Generalmente en los pueblos sólo bailan los jóvenes; hasta hace medio siglo, a las musulmanas en Macedonia no se les permitía bailar (no olvidar que hubo dominación musulmana en toda la ex Yugoslavia durante más de tres siglos después de la caída del Imperio bizantino); pero fuera de las musulmanas, las mujeres, como en la Macedonia Griega, bailaban de manera recatada, a diferencia del fogoso baile masculino. No hay danzas guerreras, pero sí cómicas, rituales, de casamiento; las que predominan son eróticas, con el hombre cortejando y la mujer aceptando o rechazando. Claro está que la modernidad hace que quede cada vez menos de todo esto, y por eso es importante que en todos los países haya ballets folklóricos que conserven las tradiciones o al menos las recuerden en ciertas fiestas. Las danzas de Srebotnjak me parecieron muy logradas; tres de ellas rápidas, intensas, rústicas, con acordes disonantes y ritmos saltarines; la Segunda, un Andante en cinco secciones contrastadas; y la Cuarta, Adagio, alternando “pasajes de tintes fúnebres con violentas erupciones” (Singer). Naturalmente, esta música estuvo en las manos más fieles y por analogía indica que Tomsic también se siente cómoda en lenguajes más contemporáneos.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> Casi por supuesto, la parte final fue dedicada a Chopin, donde el faro conductor por excelencia era y es Rubinstein. Nada nuevo puedo decir en cuanto a las obras, que se encuentran entre las más bellas y auténticas del autor. El programa omitió datos útiles: había que aclarar que la Balada Op.47 es la Nº 3 y que los Nocturnos Op.27 Nos. 1 y 2 son Nos. 7 y 8. El programa concluyó con el Scherzo Nº2, Op.31. En efecto, la Balada Nº3, como dice Singer, es la más lírica y menos turbulenta de la serie; la pianista la reflejó con ese noble y profundo toucher donde cada nota cuenta; más allá de algún pequeño detalle imperfecto, el fraseo poético y el pedal impecable siempre estuvieron. Los Nocturnos Op.27 no están entre los más tocados y me interesaron especialmente; el primero porque su clima grave y sombrío fue captado idealmente, y el segundo porque es de los más melódicos y ella lo expresó con sutileza y gusto refinado. Y en el Scherzo Nº2 supo atenerse al Presto sin correr en demasía (como les pasa a tantos pianistas jóvenes en estas piezas; hasta el talentosísimo Lisiecki se equivocó de enfoque); fulgor y energía, sí, pero sin desbocarse; y nuevamente algún casi imperceptible desliz no afectó el placer de la escucha.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> Dos piezas fuera de programa. La primera es un Liszt favorito mío: el estudio “La Leggierezza”, Nº2 de “3 estudios de concierto”, tiene una melodía de armonía innovadora, y la ligereza posterior fue en manos de Tomsic de una perlada perfección y de gran encanto. Finalizó con un tributo al gusto del período del siglo XX previo a la Segunda Guerra Mundial: los arreglos ostentosos y exagerados del Barroco realizados por Busoni; pero el que tocó al menos le permitió mostrar su habilidad para contestar una catarata fortissimo con otra pianissimo segundos después. Me quedo con el Busoni auténtico de su Fantasía contrapuntística. Pero en última instancia lo que importa es que tuvimos la presencia de una admirable pianista que era justicia conocer. Y el testimonio de cómo una técnica y un estilo de verdadera solidez pueden mantenerse (si la salud ayuda) en etapas tardías de la vida mediando la vocación y la energía.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"> </p>
<hr />
<p style="text-align:justify"> </p>
<p style="text-align:justify"><strong><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">CÁMARA INTERESANTE.</span></span></strong></p>
<p style="text-align:justify"> </p>
<p style="text-align:center"><strong><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><img alt="" src="/src/media/images/Agenda/ntrus.jpg" style="height:480px; width:622px" /></span></span></strong></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> El Salón Anasagasti del Jockey Club (entrada por Cerrito) ha sido durante décadas un lugar muy grato para dar conferencias y conciertos de cámara; mi mujer y yo, p.ej., hicimos allí el paralelo Picasso-Stravinsky con diapos y grabaciones. El ciclo de conciertos es muy variado y alterna entre la música clásica y la buena música popular, en manos de dos amigos míos de larga data: Norberto Padilla y José María Cantilo. Me interesó un programa del Cuarteto Petrus con la pianista Natalia Gozález Figueroa porque (casi con total seguridad) asistí a la primera audición en nuestra ciudad del Quinteto con piano en sol menor, op.49, de Enrique Granados. Hay al menos dos grabaciones pero no las conozco: Rajna y Cuarteto Alberni (CRD) y Ensemble Variable (CPO). Al parecer estuvo un tiempo extraviado, ya que no figura en el Diccionario Grove de mi edición de hace medio siglo. Suscinto y breve(18 minutos), en tres movimientos, está técnicamente bien escrito y resulta agradable, aunque de poco ambiente español; y me pareció que el piano no tiene mucho lucimiento.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> El concierto fue presentado por Padilla y por el primer violín del Petrus, Pablo Saraví, y pese a que se pìdió que no aplaudieran entre movimientos, muchos lo hicieron…(de paso, es regla en el Jockey: saco y corbata). El Petrus es un notable cuarteto, integrado además por Hernán Briático (violín II), Adrián Felizia (viola) y Gloria Pankaeva (violoncelo). Fue valioso iniciar la velada con el Adagio y fuga en do menor, K.546, de Mozart, cabal expresión del compositor en su total madurez, cuando había asimilado con entusiasmo las enseñanzas contrapuntísticas de Bach; es música austera, intensa y dramática. Y los artistas la llevaron a cabo con toda solvencia. Los escuché en otras ocasiones en el bien conocido y magnífico Cuarteto Nº6, Op.96, “Americano”, de Dvorak, música comunicativa, romántica, habilísima; lo hacen muy bien, con una natural compenetración de instrumentistas de ley. Y sin patrón comparativo, creo que también ellos y la pianista cumplieron a conciencia con su misión de permitirnos escuchar este Granados camarístico.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"> </p>
<p style="text-align:center"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><img alt="" src="/src/media/images/Agenda/74968_68-2.jpg" style="height:388px; width:640px" /></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> En el Salón Dorado del Colón se inició una serie denominada Claude Debussy Esencial de cámara, Homenaje a 100 años del fallecimiento de Claude Debussy, y al parecer lo armó la pianista Anaïs Crestin, que intervino y lo presentó. Tal como disponen las sillas no se ve nada, sólo se escucha; ¿es tan difícil hacer el esfuerzo de colocarlas con suficiente desfasaje para que se pueda ver y no sólo escuchar? Es poco inteligente. Al menos en este primer programa, lo de “esencial” sobra, más bien se estiró mediante arreglos lo que hay instrumental de Debussy para llegar a cuatro programas, pero los siguientes serán más sustanciosos. Y vale la pena continuar yendo. En esta ocasión los artistas fueron muy satisfactorios: Crestin, Matías Villafañe (violoncelo), Julio Domínguez (violín) y Emiliano Barri (saxofón) estudiaron a fondo las obras y las presentaron con segura técnica, musicalidad y afinidad con el estilo, que en este programa varió entre lo incipiente y lo ya asentado. Pero creo que hubiera sido mejor dar tres programas y no rellenar.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> El programa se inició con un breve “Romance” massenetiano original para piano y transcripto por Gretchaninov para violoncelo y piano. Hay una “Romance” a secas pero la que se tocó parece ser la Romance “Silence ineffable” (con texto de Paul Bourget, grabada por Gedda y Ciccolini en su original y por Piatigorsky y Pavlovsky en la transcripción; data de 1884, los 22 años del compositor). Para los mismos instrumentos, pero sin transcripción, un Nocturno y Scherzo que duró 5 minutos; fue redescubierto en los años 80; me extrañó que hubiera poca diferencia de carácter y rapidez entre los dos fragmentos; no lo conocía. Es de 1882, inédito en vída del autor; lo grabó Rostropovich con Dedyukhin. Luego, la Rêverie para piano de 1990 se escuchó en una transcripción para violín y piano no especificada (me figuran grabadas varias transcripciones para distintos instrumentos, pero ninguna para esta combinación). El célebre preludio “Minstrels” (Libro 1º, Nº12) se escuchó en arreglo de Alberto Bachmann para violín y piano y me resultó poco satisfactorio. Otro Preludio, el delicioso “La doncella de cabellos de lino” (Libro 1º, Nº8), se escuchó en violín y piano, transcripción correcta de Léon Roques (aunque las grabadas por eminentes violinistas son las de Hartmann y Heifetz). Se escucha raramente la Rapsodia para saxofón y orquesta de 1901, revisada en 1908 y es una lástima, ya que resulta una pieza imaginativa bien del estilo maduro debussyano y el saxofón es un muy atrayente instrumento demasiado poco utilizado por los compositores académicos; en este caso Roger-Ducasse colaboró en la orquestación. Me pareció atinada la reducción para saxofón y piano de Vincent David; no pude cotejar pero la palabra “reducción”, no “transcripción”, parece significar que tiene cortes con respecto al original; y no encontré grabación. Por último, una sorpresa para mí, el Trío para violín, violoncelo y piano en Sol mayor, escrito a los 17 años pero descubierto en los años 80; si bien figura como “Primer Trío” en grabaciones recientes, no hubo segundo. Es una obra simpática, de cuatro movimientos tradicionales, dura 22 minutos y nada hay en ella del impresionismo posterior. Es la creación de un estudiante talentoso. Insólitamente, está grabada no menos de 8 veces; con Debussy sucede lo mismo que con otros grandes clásicos, se graba absolutamente todo lo que compuso y no destruyó. Señal de que hasta a un crítico veterano se le escapan muchas liebres. El mundo de la música académica es gigantesco y jamás se conoce a fondo. Eso es lo fascinante: uno sigue aprendiendo día a día.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><strong><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Pablo Bardin</span></span></strong></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">PH portada: Arnaldo Colombaroli</span></span></p>
<p> </p>
description<p>Gestión de módulos en el Panel de Control</p>
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