Este artículo tiene dos partes: la primera visita de una pianista talentosa que nos llega muy tarde en su carrera, heredera de una tradición extraordinaria: la de su maestro Artur Rubinstein. Y dos instancias de buena música de cámara con renovado repertorio.
DUBRAVKA TOMSIC SREBOTNJAK
Lo confieso, este nombre y apellidos tan eslavos me eran desconocidos y me extrañó que figuraran en el costoso y deslumbrante abono del Colón, Grandes Intérpretes Internacionales, que se inició con la Orquesta Filarmónica de Viena dirigida por Gustavo Dudamel y luego de la artista que comento incluirá el debut argentino de Anna Netrebko y los retornos de Bryn Terfel y Juan Diego Flórez. Fui al concierto con extrañeza y volví a mi domicilio feliz de haber conocido a una artista de primera línea, aunque no tuve el placer de ver sus manos tocando (estuve en localidad par). Aclaro que el teclado de mi computadora no incluye los circunflejos al revés que necesitan nombres y apellidos de muchos países europeos; en este caso lo tienen la s y la c de Tomcic. También es necesario informar que Tomsic es su apellido de soltera, pero ella decidió añadir el de su marido durante décadas, el compositor Alojz Srebotnjak (1931-2010), de quien estrenó en este recital sus “Danzas macedonias”, todo lo cual revela que para ella esa relación fue y es esencial; para los latinos no resulta fácil recordar ese doble apellido.
Niña prodigio, a los cinco años dio su primer recital; ahora, según una información que no figura en la biografía del programa, tendría 78 años, lo cual convierte a su carrera en una de las más longevas. Nacida en Eslovenia, a los 12 años se mudó a New York, ingresó en la célebre Juilliard School y se graduó a los 17. Al escucharla en el Carnegie Hall en 1957, Rubinstein la invitó a estudiar con él. De allí en más ofreció 4.000 recitales en todos los continentes; pero la frase “desde 1989 es invitada a actuar en Estados Unidos” desconcierta ya que implica que durante un tiempo largo no lo hizo. Aparentemente fueron muchos los años en donde se radicó en su país de origen, ya que también Srebotnjak era esloveno, y quizá durante un período extenso sus recitales fueron en otras zonas. Recordar que Eslovenia fue parte de Yugoslavia hasta que se independizó (visité la capital, Ljubljana, en 1961, cuando el Mariscal Tito estaba en el poder, y me impresionó como una ciudad bella, con similitudes vienesas, y con una Ópera de buen nivel, donde ví el “Macbeth” de Verdi en esloveno). Dice la biografía: “desde 1987 ha registrado más de 90 CDs” (¡!); en mi catálogo RER del año 2000 sólo figuran dos Koch: Mozart, Sonatas, Vol. 1; y Beethoven, Sonatas Nos. 23, 26 y 31. “El recital en el Colón es su primera presentación en América del Sur”. Lamento haberla desconocida hasta ahora, y enhorabuena que finalmente nos llegó, ya que su recital la mostró en forma admirable, digna discípula del gran Rubinstein, de quien tengo recuerdos inolvidables por conciertos en Washington y París (éste acompañado por Barenboim como director, tocando el Primer Concierto de Brahms a los 85 años con impactante seguridad y soberbio estilo).
Inició su recital vespertino con 5 sonatas de Domenico Scarlatti; ¡5 entre 555! Durante décadas rigió el catálogo Longo, hasta que el gran clavecinista Ralph Kirkpatrick realizó uno más preciso, y es el que ahora se utiliza (Kk). (Además hay 14 no publicadas). Tomsic, pese a que su veteranía implica que las conoció por Longo, se “aggiornó” correctamente y las presentó con sus números Kk. Ignoro cuántas conoce de ese inmenso legado; como supongo aconteció con grandes pianistas del pasado que dejaron grabaciones espléndidas (Maria Tipo, Clara Haskil, Vladimir Horowitz), habrá elegido sobre la base de mucho menos que esas 555 y según su gusto personal. Naturalmente fueron escritas para clave, en el Barroco tardío, ya que Scarlatti las escribió en su gran mayoría en Madrid entre 1733 y 1757, el año de su muerte a los 72 años. Las llamó “esercizi” y en su inmensa mayoría están escritas en forma binaria (dos partes que se repiten) y suelen no pasar de los 5 minutos. Conozco algo más de un centenar, combinando las que tengo en clave o en piano, y me atraen de igual manera en ambos instrumentos, pese a ser tan distintos en su estética: en el clave son más ásperas y contundentes, en el piano tienen matices muy atractivos. Pasa como en Bach pero de modo más marcado. Y cuando la escritura aprovecha los dos teclados del clave ello complica la ejecución pianística. El primero en intentar la grabación completa fue el clavecinista Fernando Valenti en Westminster y tengo 6 de esos discos (12 x 6, 72 sonatas), pero no pudo completar el proyecto debido a la lamentable quiebra de Westminster, una de las mejores y más prolíficas marcas en vinilo en los años 50 y 60. Mucho después, y en CD, dos artistas lograron esa proeza: Scott Ross y Luciano Sgrizzi; intenté en vano conseguirlos; en su tipo el emprendimiento es tan enorme como la integral de las cantatas bachianas. Ningún pianista se planteó ese desafío. Hay una plétora de grabaciones de una selección además de los ya mencionados: por sólo citar nombres básicos, Landowska, Leonhardt y Pinnock en clave; Schiff, Staier, Benedetti Michelangeli, Casadesus, M. Meyer. Mis modelos en recitales que pude escuchar fue Maria Tipo, de excepcional claridad y exactitud, en Buenos Aires; y Casadesus y Gileles en Washington; en clave, Valenti en nuestra ciudad. Y me gustaron mucho las pianísticas de Zacharias filmadas en La Alhambra por Cozarinsky. Como se ve, soy muy scarlattiano; y nuevamente tuve gran placer en apreciar en vivo su música tan imaginativa y fresca, esta vez en manos de Tomsic, que tocó con precisión, gusto y dominio 5 bien elegidas y contrastantes, y sólo una muy tocada: Kk 9 (Longo 413) en re menor; las restantes: Kk 11, 159, 14 y 125 (el programa erróneamente ponía K., lo que confunde con Köchel, el catálogo mozartiano)., fueron un reguero de ideas musicales estimulantes.
Por lo citado más arriba, se ve que Tomsic tiene un enorme repertorio; el CD de Beethoven mencionado contiene sonatas fundamentales; también lo es la justamente célebre Sonata Nº21, “Waldstein” o “Aurora”. Demanda agilidad, coordinación, variedad de fraseo, inteligente manejo del pedal, toucher poético en partes y rotundo en otras, así como expresividad en el movimiento lento; todo esto se pudo apreciar en una versión de gran nivel y firmeza, que demostró que a su alta edad Tomsic mantiene sus muy amplios medios. Por supuesto me recordó a Rubinstein, ¿y qué mejor referencia puede haber? Claro está que cualquier melómano tiene grandes recuerdos de ejecuciones en vivo de esta sonata; los míos son Gulda, Barenboim, Arrau; o menos perfectos pero muy expresivos, R. Serkin o Richter-Haaser; o las extraordinarias grabaciones de Backhaus y Brendel. Pero siempre habrá lugar para una ejecución de categoría, y ésta lo fue; “un 8.000”, como diría un escalador de los Himalayas.
Tontamente el programa no puso los necesarios y tradicionales I y II, pero sí, hubo intervalo tras la “Waldstein”; y la Segunda Parte se inició con el tributo de la intérprete a su marido: la primera audición (no consignada como tal) de las “Danzas macedonias” de Srebotnjak (1931-2010). Cito el útil comentario de Carlos Singer (bienvenida su presencia tras prolongado hiato): “importante compositor y educador musical. Su catálogo comprende música orquestal (Sinfonietta, Conciertos para arpa y para violín, Episodios concertantes), vocal, de cámara, coral, instrumental, el ballet ´La trompeta y el Diablo´, así como partituras para una decena de películas; buena parte de su producción se inspira en melodías tradicionales eslovenas y macedonias. Las ´Danzas Macedonias´ de 1975 son elaboradas transcripciones de danzas folklóricas con un lenguaje que posee fuerte afinidad con el de Bartók”. Conviene aclarar que Macedonia, ahora independiente, fue parte de la Yugoslavia unida de la época de Tito, y que es el complemento histórico de la Macedonia griega, cuna de Alejandro el Grande. Así como Bartók estudió y grabó música folklórica rumana y búlgara y luego utilizó parte de lo investigado en obras suyas, lo hizo Srebotnjak con la macedónica, bastante distinta de la de Eslovenia y emparentada con la Macedonia griega aunque manteniendo aspectos propios, derivados también del hecho de compartir tradiciones con Montenegro. La Macedonia ex yugoslava (que significa “eslavos del Sur”) es una comarca de espléndidos paisajes dominados por el Lago Ohrid y linda con Grecia, Albania, Kosovo, Serbia y Bulgaria; su capital es Skopje. Si bien en Macedonia se comparten tradiciones de la danza kolo con otras repúblicas de la ex Yugoslavia, hay maneras distintas. Instrumentos: el tapan, tambor de dos membranas; como todavía vive en Macedonia gente de origen turco y gitanos, ellos usan el darbuk de una membrana; en las ciudades utilizan un tipo de laúd llamado oot; tienen oboes llamados zurnas. Danzas: todas se bailan en grupo en los países de la ex Yugoslavia. Generalmente en los pueblos sólo bailan los jóvenes; hasta hace medio siglo, a las musulmanas en Macedonia no se les permitía bailar (no olvidar que hubo dominación musulmana en toda la ex Yugoslavia durante más de tres siglos después de la caída del Imperio bizantino); pero fuera de las musulmanas, las mujeres, como en la Macedonia Griega, bailaban de manera recatada, a diferencia del fogoso baile masculino. No hay danzas guerreras, pero sí cómicas, rituales, de casamiento; las que predominan son eróticas, con el hombre cortejando y la mujer aceptando o rechazando. Claro está que la modernidad hace que quede cada vez menos de todo esto, y por eso es importante que en todos los países haya ballets folklóricos que conserven las tradiciones o al menos las recuerden en ciertas fiestas. Las danzas de Srebotnjak me parecieron muy logradas; tres de ellas rápidas, intensas, rústicas, con acordes disonantes y ritmos saltarines; la Segunda, un Andante en cinco secciones contrastadas; y la Cuarta, Adagio, alternando “pasajes de tintes fúnebres con violentas erupciones” (Singer). Naturalmente, esta música estuvo en las manos más fieles y por analogía indica que Tomsic también se siente cómoda en lenguajes más contemporáneos.
Casi por supuesto, la parte final fue dedicada a Chopin, donde el faro conductor por excelencia era y es Rubinstein. Nada nuevo puedo decir en cuanto a las obras, que se encuentran entre las más bellas y auténticas del autor. El programa omitió datos útiles: había que aclarar que la Balada Op.47 es la Nº 3 y que los Nocturnos Op.27 Nos. 1 y 2 son Nos. 7 y 8. El programa concluyó con el Scherzo Nº2, Op.31. En efecto, la Balada Nº3, como dice Singer, es la más lírica y menos turbulenta de la serie; la pianista la reflejó con ese noble y profundo toucher donde cada nota cuenta; más allá de algún pequeño detalle imperfecto, el fraseo poético y el pedal impecable siempre estuvieron. Los Nocturnos Op.27 no están entre los más tocados y me interesaron especialmente; el primero porque su clima grave y sombrío fue captado idealmente, y el segundo porque es de los más melódicos y ella lo expresó con sutileza y gusto refinado. Y en el Scherzo Nº2 supo atenerse al Presto sin correr en demasía (como les pasa a tantos pianistas jóvenes en estas piezas; hasta el talentosísimo Lisiecki se equivocó de enfoque); fulgor y energía, sí, pero sin desbocarse; y nuevamente algún casi imperceptible desliz no afectó el placer de la escucha.
Dos piezas fuera de programa. La primera es un Liszt favorito mío: el estudio “La Leggierezza”, Nº2 de “3 estudios de concierto”, tiene una melodía de armonía innovadora, y la ligereza posterior fue en manos de Tomsic de una perlada perfección y de gran encanto. Finalizó con un tributo al gusto del período del siglo XX previo a la Segunda Guerra Mundial: los arreglos ostentosos y exagerados del Barroco realizados por Busoni; pero el que tocó al menos le permitió mostrar su habilidad para contestar una catarata fortissimo con otra pianissimo segundos después. Me quedo con el Busoni auténtico de su Fantasía contrapuntística. Pero en última instancia lo que importa es que tuvimos la presencia de una admirable pianista que era justicia conocer. Y el testimonio de cómo una técnica y un estilo de verdadera solidez pueden mantenerse (si la salud ayuda) en etapas tardías de la vida mediando la vocación y la energía.
CÁMARA INTERESANTE.
El Salón Anasagasti del Jockey Club (entrada por Cerrito) ha sido durante décadas un lugar muy grato para dar conferencias y conciertos de cámara; mi mujer y yo, p.ej., hicimos allí el paralelo Picasso-Stravinsky con diapos y grabaciones. El ciclo de conciertos es muy variado y alterna entre la música clásica y la buena música popular, en manos de dos amigos míos de larga data: Norberto Padilla y José María Cantilo. Me interesó un programa del Cuarteto Petrus con la pianista Natalia Gozález Figueroa porque (casi con total seguridad) asistí a la primera audición en nuestra ciudad del Quinteto con piano en sol menor, op.49, de Enrique Granados. Hay al menos dos grabaciones pero no las conozco: Rajna y Cuarteto Alberni (CRD) y Ensemble Variable (CPO). Al parecer estuvo un tiempo extraviado, ya que no figura en el Diccionario Grove de mi edición de hace medio siglo. Suscinto y breve(18 minutos), en tres movimientos, está técnicamente bien escrito y resulta agradable, aunque de poco ambiente español; y me pareció que el piano no tiene mucho lucimiento.
El concierto fue presentado por Padilla y por el primer violín del Petrus, Pablo Saraví, y pese a que se pìdió que no aplaudieran entre movimientos, muchos lo hicieron…(de paso, es regla en el Jockey: saco y corbata). El Petrus es un notable cuarteto, integrado además por Hernán Briático (violín II), Adrián Felizia (viola) y Gloria Pankaeva (violoncelo). Fue valioso iniciar la velada con el Adagio y fuga en do menor, K.546, de Mozart, cabal expresión del compositor en su total madurez, cuando había asimilado con entusiasmo las enseñanzas contrapuntísticas de Bach; es música austera, intensa y dramática. Y los artistas la llevaron a cabo con toda solvencia. Los escuché en otras ocasiones en el bien conocido y magnífico Cuarteto Nº6, Op.96, “Americano”, de Dvorak, música comunicativa, romántica, habilísima; lo hacen muy bien, con una natural compenetración de instrumentistas de ley. Y sin patrón comparativo, creo que también ellos y la pianista cumplieron a conciencia con su misión de permitirnos escuchar este Granados camarístico.
En el Salón Dorado del Colón se inició una serie denominada Claude Debussy Esencial de cámara, Homenaje a 100 años del fallecimiento de Claude Debussy, y al parecer lo armó la pianista Anaïs Crestin, que intervino y lo presentó. Tal como disponen las sillas no se ve nada, sólo se escucha; ¿es tan difícil hacer el esfuerzo de colocarlas con suficiente desfasaje para que se pueda ver y no sólo escuchar? Es poco inteligente. Al menos en este primer programa, lo de “esencial” sobra, más bien se estiró mediante arreglos lo que hay instrumental de Debussy para llegar a cuatro programas, pero los siguientes serán más sustanciosos. Y vale la pena continuar yendo. En esta ocasión los artistas fueron muy satisfactorios: Crestin, Matías Villafañe (violoncelo), Julio Domínguez (violín) y Emiliano Barri (saxofón) estudiaron a fondo las obras y las presentaron con segura técnica, musicalidad y afinidad con el estilo, que en este programa varió entre lo incipiente y lo ya asentado. Pero creo que hubiera sido mejor dar tres programas y no rellenar.
El programa se inició con un breve “Romance” massenetiano original para piano y transcripto por Gretchaninov para violoncelo y piano. Hay una “Romance” a secas pero la que se tocó parece ser la Romance “Silence ineffable” (con texto de Paul Bourget, grabada por Gedda y Ciccolini en su original y por Piatigorsky y Pavlovsky en la transcripción; data de 1884, los 22 años del compositor). Para los mismos instrumentos, pero sin transcripción, un Nocturno y Scherzo que duró 5 minutos; fue redescubierto en los años 80; me extrañó que hubiera poca diferencia de carácter y rapidez entre los dos fragmentos; no lo conocía. Es de 1882, inédito en vída del autor; lo grabó Rostropovich con Dedyukhin. Luego, la Rêverie para piano de 1990 se escuchó en una transcripción para violín y piano no especificada (me figuran grabadas varias transcripciones para distintos instrumentos, pero ninguna para esta combinación). El célebre preludio “Minstrels” (Libro 1º, Nº12) se escuchó en arreglo de Alberto Bachmann para violín y piano y me resultó poco satisfactorio. Otro Preludio, el delicioso “La doncella de cabellos de lino” (Libro 1º, Nº8), se escuchó en violín y piano, transcripción correcta de Léon Roques (aunque las grabadas por eminentes violinistas son las de Hartmann y Heifetz). Se escucha raramente la Rapsodia para saxofón y orquesta de 1901, revisada en 1908 y es una lástima, ya que resulta una pieza imaginativa bien del estilo maduro debussyano y el saxofón es un muy atrayente instrumento demasiado poco utilizado por los compositores académicos; en este caso Roger-Ducasse colaboró en la orquestación. Me pareció atinada la reducción para saxofón y piano de Vincent David; no pude cotejar pero la palabra “reducción”, no “transcripción”, parece significar que tiene cortes con respecto al original; y no encontré grabación. Por último, una sorpresa para mí, el Trío para violín, violoncelo y piano en Sol mayor, escrito a los 17 años pero descubierto en los años 80; si bien figura como “Primer Trío” en grabaciones recientes, no hubo segundo. Es una obra simpática, de cuatro movimientos tradicionales, dura 22 minutos y nada hay en ella del impresionismo posterior. Es la creación de un estudiante talentoso. Insólitamente, está grabada no menos de 8 veces; con Debussy sucede lo mismo que con otros grandes clásicos, se graba absolutamente todo lo que compuso y no destruyó. Señal de que hasta a un crítico veterano se le escapan muchas liebres. El mundo de la música académica es gigantesco y jamás se conoce a fondo. Eso es lo fascinante: uno sigue aprendiendo día a día.
La temporada de ballet del Colón de este año tiene una característica negativa: sólo obras largas. Se deja de lado a una enorme plétora de ballets breves importantes y atrayentes, y aparentemente por una razón económica: los que ocupan toda una velada son más concurridos. Pero si se compara con lo que hacen las grandes compañías del mundo, ninguna programa con ese criterio. Aquí se busca ante todo agotar las entradas con las obras que no fallan y eso sólo lo hacen los teatros mediocres.
De los cinco ballets del año sólo uno es nuevo y es el que comento. Los otros son por supuesto obras válidas y no voy a quejarme por ver la versión Macmillan de “Romeo y Julieta”, aunque sí objeto que ahora vayamos a tener todos los años el “Cascanueces” de Nureyev: lo hacen en New York pero con un repertorio anual mucho mayor.
Los dos conciertos de la Sinfónica Nacional a cargo de Stefan Lano fueron del más alto interés y nivel y probablemente quedarán como los mejores de esta orquesta en 2018. Además la siempre importante labor de Mario Benzecry junto a la Sinfónica Juvenil y, en este caso, compartiendo con la y Orquesta de instrumentos autóctonos y nuevas tecnologías de la UNTREF. Mabel Mambreti, Ars Nobilis y un concierto en la Facultad de Derecho con un oratorio de César Franck: “Ruth” en el que intervinieron la Orquesta Nuevos Aires dirigida por Leandro Soldano, el Coro General San Martín dirigido por Cristina Viscido , y cinco solistas vocales.
La primera bailarina Karina Olmedo se despidió del Teatro Colón con un gran estreno para este Teatro: La Viuda Alegre. Es un Ballet en tres actos con música de Franz Lehár y coreografía de Ronald Hynd, basado en un libreto original de Leo Stein y Víctor León, adaptado por Sir Robert Helpmann y el propio coreógrafo; un estreno para el Teatro Colón, con producción invitada, del Joburg Ballet (Johannesburgo, Sudáfrica).
La principal función de MusicaClasicaBA es fomentar la interacción entre músicos, agentes del sector público y privado y el público en general, permitiendo afianzar los lazos culturales y artísticos de nuestra región.
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De los cinco ballets del año sólo uno es nuevo y es el que comento. Los otros son por supuesto obras válidas y no voy a quejarme por ver la versión Macmillan de “Romeo y Julieta”, aunque sí objeto que ahora vayamos a tener todos los años el “Cascanueces” de Nureyev: lo hacen en New York pero con un repertorio anual mucho mayor.
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<p style="text-align: center;"><span style="font-size:16px"><strong><img alt="" src="/src/media/images/Agenda/Despedida%20Karina%20Olmedo%20-%20Foto%201%20(c)%20M%C3%A1ximo%20Parpagnoli.JPG" style="height:464px; width:800px" /></strong></span></p>
<p style="text-align: center;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:11px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">PH: Máximo Parpagnoli</span></span></span></p>
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<p style="text-align: center;"><span style="font-size:16px"><strong><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">La temporada de ballet del Colón de este año tiene una característica negativa: sólo obras largas. Se deja de lado a una enorme plétora de ballets breves importantes y atrayentes, y aparentemente por una razón económica: los que ocupan toda una velada son más concurridos. Pero si se compara con lo que hacen las grandes compañías del mundo, ninguna programa con ese criterio. Aquí se busca ante todo agotar las entradas con las obras que no fallan y eso sólo lo hacen los teatros mediocres.</span></span></strong></span></p>
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<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="font-size:14px"> </span></span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000"><span style="font-size:16px"><strong>Por Pablo Bardin.</strong></span></span></span></p>
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<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="font-size:14px"> De los cinco ballets del año sólo uno es nuevo y es el que comento. Los otros son por supuesto obras válidas y no voy a quejarme por ver la versión Macmillan de “Romeo y Julieta”, aunque sí objeto que ahora vayamos a tener todos los años el “Cascanueces” de Nureyev: lo hacen en New York pero con un repertorio anual mucho mayor.</span></span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="font-size:14px"> Dicho esto, celebro la presencia de esta adaptación de la célebre opereta “La viuda alegre” de Lehár. Dije que es nuevo; sí, para Argentina. Pero ya tiene una abundante carrera de varias décadas. En efecto, nació en 1975 con libreto de Sir Robert Helpmann y Ronald Hynd (varias veces escrito Hydn en gacetillas y diarios) y adaptación musical de John Lanchbery y Alan Abbott. Algunos recordarán a Helpmann por su intervención en ese maravilloso ballet de Massine de la película homónima “Las zapatillas rojas”; era un gran bailarín de carácter, y luego fue coreógrafo y director del Australian Ballet. Había visto el primer ballet de Hynd, “El Minotauro”, con una notable música de Carter que por suerte está grabada, y le había gustado. Lo llamó y le ofreció que hiciera la coreografía para la adaptación de “La viuda alegre”. Dice Hynd: “me encargaron la obra para montarla en 1974 y se estrenó al año siguiente. Era el primer encargo de un ballet extenso para la compañía australiana y fue un gran riesgo por parte de Helpmann. Afortunadamente, un gran triunfo también”.</span></span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="font-size:14px"> Londinense, Hynd estudió en el Ballet Rambert; luego ingresó al Royal Ballet como bailarín en 1951 (se llamaba entonces Sadler´s Wells Ballet) y desde 1959 a 1970 fue primer bailarín, en muchos ballets acompañado de su esposa Annette Page. En 1967 creó su primer ballet, “El beso del hada” de Stravinsky, para el Ballet Nacional de Holanda. Fue Director del Ballet del Estado Bávaro en dos períodos: 1970-73 y 1984-86. Algunos de sus ballets que integran los repertorios de las grandes compañías: “Rosalinda”, “Papillon”, “Le Diable à Quatre”, “El jorobado de Notre Dame” y “El Rey Ludwig II”. Pero ninguno llegó a un Colón muy quedado en el tiempo y de escasa renovación. Una anécdota que cita Laura Falcoff: Hanna Glawari fue el último personaje de Margot Fonteyn: se despidió a los 57 años!</span></span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="font-size:14px"> Como suele suceder en los comentarios para ballet, nada se dice de la adaptación musical y quienes la hicieron. Sin embargo, John Lanchbery (no Lanchberry, como figura en el programa) estuvo asociado a múltiples arreglos para el Royal Ballet a través del tiempo. Él y Abbott hicieron un hábil collar de fragmentos contando la historia de la opereta sin mayores diferencias, y por ende pasando por todas las célebres melodías en una seguidilla de valses, galops, el can-can (que no necesariamente debe ser el famoso de Offenbach, donde no se denomina así), y en la escena balcánica, el Kolo, todo ello hilvanado con pasajes de transición. Firmemente tonal y bien orquestado, manteniéndose en la evocación de la Belle époque.</span></span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="font-size:14px"> La duración total es de sólo hora y media, así distribuida: el Prólogo nos muestra la Antesala de la Embajada del Ducado de Pontevedro en París, 1905 (aclaremos para quienes no conozcan la opereta: Pontevedro es un imaginario ducado balcánico, que aunque nos suene a Pontevedra parece referirse más bien a Montenegro), sin intervalo sigue el Acto 1º en la Gran Sala de Baile de esa Embajada; total 37 minutos. Acto II: En los jardines de la casa de Hanna en París; 30 minutos. Acto III: En Chez Maxim´s, el famoso restaurant parisino que todavia existe: 23 minutos.</span></span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="font-size:14px"> La historia muy sintetizada es la siguiente. Pontevedro está en quiebra y quien puede salvarla es la viuda Glawari, de cuantiosa fortuna, si se casa con el Conde Danilo, primer secretario de embajada. Pero ellos habían sido amantes diez años atrás y en ese momento Danilo había cortado la relación porque ella era pobre y la familia de Danilo no lo permitía; sin embargo, habían estado enamorados. Se vuelven a ver y se dan cuenta que siguen gustándose, aunque varias actitudes provocan malentendidos. En particular, la historia paralela de Valencienne, mujer del muy maduro embajador Mirko Zeta, a su vez enamorada del agregado francés de la embajada Camille de Rosillon; Njegus, secretario del Embajador, los sorprende besándose y va a buscar a Zeta. Para salvar la situación, Valencienne se escabulle y Hanna toma su lugar con Camille y anuncia su compromiso con él (luego explica a Danilo porqué lo hizo). En Chez Maxim´s Danilo reta a duelo a Camille y Valencienne se traiciona tratando de protegerlo; Zeta no puede negar la evidencia (si bien no nos lo cuentan, presumiblemente se separarán y Valencienne formará nueva pareja). Hanna se lamenta pero Danilo la perdona y todo indica que la relación entre ambos continuará. El embajador iza la bandera de Pontevedro, implicando que la viuda apoyará al país. </span></span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="font-size:14px"> El Australian Ballet autorizó al Joburg Ballet la utilización de la coreografía; Joburg es abreviatura de Johannesburg, la ciudad más grande de Sudáfrica. No me resulta claro si la reposición coreográfica de Steven John Woodgate y el diseño de escenografía y vestuario de Desmond Heeley nos vienen de Johannesburg o de Sydney; presumiblemente el trabajo de Heeley es de Sydney pero quizá fue el propio Hynd el que lo repuso en Sudáfrica. En todo caso, Hynd, ahora octogenario, quiso venir a Buenos Aires y de algún modo supervisó la reposición; aunque no lo vi corroborado en La Nación, supongo que Woodgate hizo la labor principal. Sea como fuere, es una producción esplendorosa, un magnífico espectáculo que habla tanto de la cultura de Sydney como de la de Johannesburg. En el fondo es la herencia del Royal Ballet y su gran tradición de productores que saben ambientar y dar belleza y marco según las características de la obra. Aquí hay dos aspectos distintos: el París de principios del s. XX y el baile y vestuario balcánico (en el Segundo Acto); y ambos están muy logrados.</span></span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="font-size:14px">También ayuda la larga experiencia del iluminador local, Rubén Conde. En cuanto al trabajo de Hynd, es sin duda grato y fluido, con gran oficio: un ballet de opereta. Hay detalles mejorables: acentúa en demasía la propensión de Danilo por el vino y uno se cansa de ver tirar tantos vasos a las bambalinas; y en la escena del duelo y luego del renunciamiento de Zeta se necesitaba más énfasis y tiempo, ya que son factores esenciales de la trama. Pero sabe crear imágenes valseadas variadas para parejas y grupos y asimilar el kolo, esa danza folklórica balcánica tan característica y vivaz. Las dificultades no son trascendentales como en “El Corsario” pero se requiere sabe dar encanto y emoción a las situaciones, acentuando la habilidad de actuar de los bailarines. Hubo quien me dijo que era demasiado liviano, pero no es obligatorio que un ballet sea dramático; en su tipo es muy bueno, como lo son otros ballets basados en popurrís de Sullivan (“Pineapple Poll”) o de Verdi (“The Lady and the Fool), ambos arreglos de Mackerras, o esa “Gaîté Parisienne” deliciosa en la que Rosenthal hizo una ideal amalgama de fragmentos de Offenbach para la coreografía perfecta de Massine (¿cuándo volverá al Colón?).</span></span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="font-size:14px"> De paso, Woodgate es un graduado del Australian Ballet y repuso “The Merry Widow” para el Tulsa Ballet de Estados Unidos en 2011.</span></span></span></p>
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<p style="text-align: center;"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="font-size:14px"><img alt="" src="/src/media/images/Agenda/Despedida%20y%20saludo%20final%20Alejandro%20Parente%20(c_M%C3%A1ximo%20Parpagnoli).jpg" style="height:840px; width:768px" /></span></span></span></p>
<p style="text-align: center;"><span style="font-size:11px"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">PH: Máximo Parpagnoli</span></span></span></p>
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<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="font-size:14px"> Y pasamos al otro aspecto valioso de este estreno: la despedida de dos grandes figuras del Ballet del Colón: la primera bailarina Karina Olmedo y (según el programa) el primer bailarín Alejandro Parente. Pero hay una esencial diferencia que marca el desorden interno de nuestro ballet durante décadas: ella es la única primera bailarina nombrada en la actual estructura, y lo fue en 1992; sí, hace 26 años…Parente en cambio fue de hecho primer bailarín, como tantos otros, pero no lo nombraron. Figuran como bailarines solistas Cecilia Mengelle, Silvina Perillo (ya retirada) y Omar Urraspuro,m veteranos. Y todos los otros son de fila, como lo fueron Bocca y Guerra hasta que los nombraron eméritos…¿Cómo respetar a un teatro que no empieza por el ABC en ninguna de sus gestiones, incluso la de Herrera, y que no arregla la cuestión de las jubilaciones?</span></span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="font-size:14px"> Veamos el lado bueno: Parente a los 46 años y Olmedo con alguno más hicieron brillantes carreras y no hay entusiasta del ballet que no los recuerde con admiración y cariño a través de tantos roles en treinta años. Y las funciones en las que se despidieron terminaron con homenajes y ovaciones muy entusiastas y justas.</span></span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="font-size:14px"> Yo debí elegir una función y fue la del domingo 5 de agosto, con Marianela Núñez y Parente; la de despedida del bailarín fue la del miércoles 8. Y la de Olmedo, el 4. Sigo sin entender cómo programan: si la gran estrella visitante es Marianela, ella debería tener las dos primeras funciones, no la tercera y la quinta de las seis. Ya es bien sabido que su casa, el Royal Ballet, la hizo Bailarina Principal en 2002 y la homenajeó cuando cumplió 20 años en esa gran institución. Va el tercer año consecutivo que en el verano europeo viene al Colón y desde 2014 realiza galas solidarias en San Martín, donde nació. Su pareja en la vida es Parente y con él se presentó en galas numerosas. Era lógico que la despedida de Parente fuera con ella, ya que la casa artística de él es el Colón.</span></span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="font-size:14px"> En mi comentario pondré entre paréntesis a los intérpretes que no pude ver. Núñez (Macarena Giménez, Ayelén Sánchez, Olmedo) naturalmente dominó su personaje de Hanna Glawari totalmente, tanto en lo puramente danzable, cuyas dificultades, si bien considerables, fueron vencidas con toda naturalidad, como en los aspectos cambiantes de su relación con Danilo; cuando se unieron (por supuesto en un vals) fue evidente la afinidad entre ambos. Al parecer la maestra de danza de Parente, Rada Eichenbaum, conocía este ballet, y siempre creyó que él debía bailarlo. Sin embargo, por largas décadas Parente fue un danseur noble de los grandes roles de Petipa, aunque siempre se notó en él una presencia de actor (también hizo personajes que exigían más psicología y emoción). Hombre alto y fuerte, en años recientes se lo vio con mayor peso y menos propenso a las piruetas acrobáticas, y así se despidió. Parente (Juan Pablo Ledo, Federico Fernández) se sintió muy cómodo en los distintos aspectos de su Danilo, tanto el borrachín como el enamorado con sus muchas reacciones ante los cambios en las circunstancias, y su retrato combinó al “bon vivant” con el apasionado amante. Me llamó la atención cómo el maquillaje y el bigote lograron que bailarines disímiles se parecieran bastante en su aspecto (recibí las fotos de Ledo y Fernández). Herrera ha promovido a jóvenes bailarines recientemente, y dos de los mejores se lucieron en la otra pareja: Camila Bocca (Natalia Pelayo, Carla Vincelli) y Maximiliano Iglesias (Facundo Luqui, Edgardo Trabalón). Ágiles y simpáticos, supieron brillar solos y juntos. Tenemos buenos característicos, y ello volvió a comprobarse con Néstor Asaff (Igor Gopkalo) como Zeta y Julián Galván como Njegus (en todas las funciones). Facundo Luqui (Jiva Velázquez) como Kromov y Alejo Cano Maldonado como Prititch (David Juárez) dieron humorismo a sus preocupados secretarios de embajada en el Prólogo. En la parte inicial del Acto 1º antes de la entrada de Hanna, se lucieron el Cuerpo de baile, bien disciplinado, y las solistas Natalia Pelayo como Ludmila (Eliana Figueroa) y Ludmila Galaverna como Magda (Marisol López Prieto). El Acto II se inicia con la fiesta balcánica, y en el Kolo mostró Velázquez su atlética rapidez (Emanuel Abruzzo, Williams Malpezzi) y las Damas y Caballeros se unieron a la rutilante danza con entusiasmo. En el Acto III se añadió otro rol de carácter, el Maître´d de Maximiliano Cuadra (Roberto Zarza), y más con altivez de mímica que con danza se movieron la altísima Condesa Amalia Pérez Alzueta (Natacha Bernabei) y su amiga Luciana Barrirero (todas las funciones). Aparte de las danzas de las Mujeres y Hombres en Blanco y Negro, estuvieron también los clientes de variadas edades, camareros, una florista, y el número esperado del Can-can donde seis bailarinas de gran flexibilidad cumplieron con los arduos pasos exigidos y con el toque sexy indispensable. Pero los últimos minutos revirtieron a contarnos la historia de las dos parejas de amantes y el Barón Zeta.</span></span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="font-size:14px"> Cierro mencionando algo que quizá pasó inadvertido para muchos y que sin embargo fue importante: la Orquesta fue la Estable, no la Filarmónica. Bien se sabe que durante décadas la Estable no quiso acompañar ballet y todo debía hacerlo la Filarmónica, que así se repartía entre su tarea básica que es el concierto y la subsidiaria del ballet. El año pasado ocurrió que la Estable acompañó a los programas de ballet que suplantaron a la ópera “Tres hermanas” de Eötvös, arbitrariamente sacada del abono y pasada a iniciar el de este año. Pero eso tenía una lógica, ya que la Estable hubiera estado sin ese cambio en el foso trabajando para la ópera. En cambio este año no suplantan a ninguna ópera, y esa es la novedad. ¿Será porque la Dirección Artística advirtió la disparidad en cantidad de trabajo de la Filarmónica y la Estable? Quizá, considerando que tenemos una misérrima temporada operística. Como todo indica que el año próximo pasará lo mismo, ojalá en 2019 también se emparejen los tantos.</span></span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="font-size:14px"> Conocí al director español Manuel Coves cuando dirigió el estreno en el Argentino de “Pepita Jiménez” de Albéniz y me pareció un artista capaz y convincente. Su trayectoria se ha repartido entre la ópera, la zarzuela, el ballet y el concierto, en muy diferentes lugares. En este Lehár arreglado se mostró flexible en su ritmo y hábil para acompañar bailarines, mientras que la Estable se adaptó a un lenguaje que no ha transitado.</span></span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><strong><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="font-size:14px">Pablo Bardin</span></span></span></strong></p>
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short_descLos dos conciertos de la Sinfónica Nacional a cargo de Stefan Lano fueron del más alto interés y nivel y probablemente quedarán como los mejores de esta orquesta en 2018. Además la siempre importante labor de Mario Benzecry junto a la Sinfónica Juvenil y, en este caso, compartiendo con la y Orquesta de instrumentos autóctonos y nuevas tecnologías de la UNTREF. Mabel Mambreti, Ars Nobilis y un concierto en la Facultad de Derecho con un oratorio de César Franck: “Ruth” en el que intervinieron la Orquesta Nuevos Aires dirigida por Leandro Soldano, el Coro General San Martín dirigido por Cristina Viscido , y cinco solistas vocales.
description<p style="text-align:center"><img alt="" src="/src/media/images/Agenda/LANO.png" style="height:365px; width:730px" /></p>
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<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><strong>STEFAN LANO JUNTO A LA SINFÓNICA NACIONAL</strong></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Los dos conciertos de la Sinfónica Nacional a cargo de Stefan Lano fueron del más alto interés y nivel y probablemente quedarán como los mejores de esta orquesta en 2018. Desde que Lano debutó en 1993 durante la gestión Renán en el Colón con “Lulu” de Berg quedó en evidencia un artista de grandes medios y profundo conocimiento que ha sabido clarificar y comunicar músicas muy arduas. Nacido en Boston hace unos 65 años, estudió en el Oberlin Conservatory y obtuvo su Phd. en composición en Harvard. Con gran experiencia en muchas ciudades alemanas como director de óperas del siglo XX, también dirigió en el Met de New York y en la Ópera de San Francisco. Mantuvo una fuerte actividad sinfónica en múltiples lugares europeos. No sólo estuvo activo en Buenos Aires, donde fue director musical del Colón entre 2005 y 2008, sino también en otros países de Latinoamérica: en México, Rio de Janeiro, Santiago de Chile y Montevideo (donde fue titular de la Orquesta del SODRE en 2012). Ha dirigido antes a la Sinfónica pero -como otros directores- tuvo dificultades con el Ministerio, que no le pagaba, y su queja apareció en los diarios. Aparentemente esta vez le han dado seguridades, y ojalá sea así, porque es un brillante maestro del cual la orquesta siempre aprende. Y que programa con tino y talento, mejorando la oferta clásica con partituras complejas y valiosas.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> Su primer programa resultó extenso y fascinante, con dos estrenos de compositores tonales del siglo XX: la Fantasía sinfónica sobre “La mujer sin sombra” de Richard Strauss; y la Sinfonía op.40 de Erich Wolfgang Korngold. Ambas obras están ligadas por un factor de contemporaneidad: fueron escritas pocos años después del final de la Segunda Guerra Mundial. Por supuesto, la enorme “Die Frau ohne Schatten” (“La mujer sin sombra”), es una ópera extraordinaria, seguramente una de las cinco más importantes del autor (las otras: “Salome”, “Electra”, “El caballero de la rosa” y “Ariadna en Naxos”). Data de 1919 y la Fantasía es de 1946, cuando era octogenario. Uno puede preguntarse porqué la compuso tantos años después y porqué es tan diferente de otras obras suyas de su etapa final; en efecto, por un lado está la sublimación de su lenguaje en las “Metamorfosis” para cuerdas y en las Cuatro últimas canciones (éstas son el canto del cisne y obra límite del postromanticismo y el final de una época); por otro las obras livianas y casi camarísticas como el Concierto para oboe o el Segundo concierto para trompa, sin duda atrayentes y bellas aunque sin pretensión de profundidad. Pero la Fantasía nos remite a la exuberancia desmedida del ballet “La leyenda de José”, tan lejano en el tiempo (es de 1914); tomando algunas de las ricas melodías de la ópera, pero acentuando la orquestación en capas superpuestas de un orgánico muy grande se llega en varios momentos a una saturación decadente como también la hay en ciertos momentos de “Salome” y esto puede rechazar a quienes recuerdan el clima psicológico y emocional tan particular de “La mujer sin sombra”, ya que aquí el acento está en lo espectacular. Pero qué impresionante la habilidad con la que maneja y entremezcla torrentes de instrumentos. Quizá quiso demostrar que su intelecto todavía podía imaginar texturas de extrema complejidad y resolverlas, y en sus propios términos me interesó mucho conocer la Fantasía, aunque por supuesto no se compara con la ópera de la que deriva. O sea que en el viejo Strauss convivían estilos muy divergentes. Los gestos clarísimos de Lano ordenaron las masas sonoras y aunque no tengo partitura me pareció una interpretación fidedigna, gracias también a los muy buenos resultados que han dado los recientes concursos para renovar a los bronces de la orquesta: si bien había veteranos buenos, ahora hay muy eficaces primeros atriles más jóvenes: Lucio Maestro (trompa), Jonathan Bisulca (trompeta) y sobre todo Pablo Javier Fenoglio (trombón). Sí tuve dudas sobre la ubicación completamente a la derecha y bastante altos con respecto a las cuerdas; no por la ejecución sino por la acústica hubo momentos de excesiva estridencia. Conviene señalar que en mi catálogo RER de CDs existen cuatro grabaciones de la Fantasía, una de ellas de Sinopoli.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> El caso Korngold es muy extraño. Si bien nació en Brno (actual República Checa) en 1897, se lo considera austríaco. Su padre fue el crítico musical Julius Korngold, instalado en Viena pero también oriundo de Brno (sucesor del famoso Hanslick). Erich demostró un muy precoz talento como compositor y a los 13 años estrenó su pantomima “Der Schneemann” (“El hombre de nieve”). Ya a los 19 años creó la ópera en un acto “Der Ring des Polykrates” (“El anillo de Polícrates”), simpática comedia que pude ver en la Volksoper de Viena en Febrero 1964, y la ópera dramática en un acto “Violanta”, que el Colón estrenó hace unos años. Pero lo hizo famoso la ópera en tres actos “Die Tote Stadt” (“La ciudad muerta”), escrita a los 23 años (tengo la espléndida grabación dirigida por Leinsdorf). Fue estrenada en el Colón en 1999, dirigida por Lano y con puesta de Oswald. Anécdotas: a) Fue programada por Gandini sustituyendo a la ópera de Berio “·Un Re in ascolto”, rechazada por el grupo asesor que erróneamente había formado Staiff (ya que equivalía a desconfiar del Director Artístico, mal llamado Director Musical por Staiff), “por ser demasiado vanguardista”. Me comentó Gandini: “si me rebotan a Korngold, que suena a Strauss, renuncio” (yo era su asistente). b) Pero casi le rechazan “Muerte en Venecia” de Britten con el curioso argumento que dos óperas con Muerte en el título no podía ser… Sin embargo, no Staiff pero sí Perusso la eliminó meses después porque su montaje era muy complejo (pese a que ya tenía el Colón todos los elementos enviados por Bedford de la puesta del Covent Garden). Se estrenó pero en 2004 con una puesta poco lograda de Alfredo Arias, aunque Bedford dirigió.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> Pero sigamos. Tuvo menos éxito “Das Wunder der Heliane” (“La maravilla de Heliana”) de 1927. Escribió interesante música de cámara, algunas obras sinfónicas y bellos Lieder antes de emigrar a Los Ángeles debido a la amenaza de Anschluss de Austria con la Alemania de Hitler. Y allí se largó su segunda carrera, como uno de los mejores autores de música para películas. En mi infancia tuve mi primer contacto con su talento a través de famosos títulos de la época, en particular los de Errol Flynn: “El Capitán Blood”, “El halcón de los mares”, “Las aventuras de Robin Hood”. Y ya en mi adolescencia, “Príncipe y mendigo” y películas más serias, como “Juarez”, “Anthony Adverse” y “La ninfa constante”, y tres cuyo título en castellano no recuerdo pero eran importantes: “Of Human Bondage”, “Kings Row” y “The private lifes of Elizabeth and Essex”. Korngold fue uno de varios ilustres exiliados que hicieron notable música de cine, como Franz Waxman o Miklos Rozsa; muchos otros extranjeros colaboraron con gran calidad, como Max Steiner, Dimitri Tiomkin o Bernard Herrmann. Por suerte, hay excelentes grabaciones de la música para cine de todos ellos.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> Y bien, tras una actividad intensa y lucrativa en el cine Korngold decide volver a la creación sinfónica y compone entre 1950 y 1951 su Sinfonía en Fa mayor, op.40. Tiene 54 años; morirá en 1957. Había escrito una Sinfonietta (op.5) en 1912. Pero antes de pasar a la Sinfonía, recordemos otra valiosa obra suya que ha tenido amplia difusión y se ha escuchado aquí: el Concierto para violín de 1945 (grabado por Perlman y Heifetz entre otros). La Sinfonía es una obra monumental: dura 55 minutos. Parece extraño que nos haya llegado tan tarde, ya que ha tenido gran reconocimiento, como lo prueban las al menos seis grabaciones, incluso las de Kempe, Previn y Welser-Möst.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> Conocí la de Kempe hará unos veinte años, pero era un préstamo, y si bien me había quedado una impresión positiva, fue redescubrirla en manos de Lano y la Sinfónica. Encontré otro paralelismo con la Fantasía de Strauss: ambas empiezan de modo lapidario y contundente: Strauss con el tema de Keikobad (el Dios) y Korngold con un breve tema tocado sobre todo por los bronces y que parece extraído de lo más duro de Shostakovich. La obra está concebida en cuatro amplios movimientos siguiendo a grandes rasgos el modelo clásico pero expandiéndolo. Las melodías no son particularmente creativas, pero sí lo es la habilidad con la que son desarrolladas y orquestadas. En el “Moderato, ma energico”, el tema inicial está luego complementado por otro más lírico. En el Scherzo hay dos trios más bien lentos, muy contrastantes con el estilo liviano del Scherzo. El Adagio es intenso y melódico pero (a la Shostakovich) tiene luego un episodio turbulento. Y el Finale parece ser un homenaje a Hollywood ya que hay reminiscencias del tipo de música que se escribía en la meca del cine cuando se querían evocar zonas tropicales, pero con gran variedad de texturas, y eso sí, un final espectacular tipo tema de la 20th Century Fox. ¿Podría haber sido más corta? Creo que sí, y se hubiera beneficiado. Sin embargo hay mucho de interesante en ella y se aleja de la onda más disonante y áspera de otros sinfonistas americanos como Schuman o Sessions; tampoco pretende folklorizar a la manera de Harris o Copland; sigue siendo música de un europeo, aunque influido por sus muchos años de Hollywood. Es más, varias melodías originadas en su música de cine (sobre todo de “Robin Hood”) figuran en la Sinfonía. Y es considerado el compositor que introdujo el sinfonismo en la música cinematográfica y modelo para el futuro. La interpretación de Lano fue sólida y fuerte; la sentí segura en el ajuste orquestal y bien fraseada. Y en general, salvo minúsculos detalles, tocada con solvencia.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> Entre los dos estrenos, el debut del violoncelista Alexandre Castro-Balbi. Nació en 1991 en Besançon (Francia) y pasó por varios conservatorios: en su ciudad natal, en París, Weimar, Berlín y Salzburgo. Ganó varios premios internacionales, actuó con algunos directores importantes como Seiji Ozawa o Myung-Whun Chung, y actualmente es primer atril en la Staatskapelle Weimar (Lano también dirige en Weimar). Estaba previsto que ejecutara el atrayente Concierto de Elgar, pero el intérprete lo cambió por el de Schumann, por considerar que lo dominaba más. No soy un entusiasta de este concierto tardío, aunque lo creo mejor que el de violín, pero dos aspectos, su carácter cíclico y la continuidad de sus tres movimientos, así como su bello tema principal y además la melodía del movimiento lento, son puntos positivos al lado de innecesarias repeticiones y de una orquestación gris. Castro-Balbi es un buen instrumentista y frasea con gusto, aunque sin llegar a niveles de gran virtuosismo: Apoyado por Lano, tuvimos una versión grata. Fue interesante e inesperada la pieza extra, especialmente preparada: el “Abendlied” (“Canción del atardecer”), Nº 3 de las “Tres canciones sacras” (1873) de Joseph Rheinberger, en un arreglo para violoncelo solista y conjunto de violoncelos que suena muy bien, y que Castro-Balbi y los violoncelos de la Sinfónica tocaron con elegancia. De paso, Rheinberger es uno de los poquísimos compositores del Principado de Liechtenstein, diminuto país entre Austria y Suiza que atravesé en apenas un rato uniendo a Innsbruck con Zürich.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> Una buena idea fue dar dos conciertos a Lano, ya que así la orquesta se acostumbra a su mano y rinde más la segunda vez; y así fue: la obra de fondo, la Sinfonía Nº 15 de <u>S</u>hostakovich, tuvo una magnífica versión, dirigida con gran inteligencia, dominio y sensibilidad y ejecutada con una precisión en muchos momentos asombrosa. Ojalá Diemecke hiciera lo mismo regenteando la Filarmónica; sus directores prácticamente siempre dirigen una sola vez. Como fue precedida con la virtuosística ejecución del Segundo concierto de Liszt por la eximia pianista lituana Muza Rubackyté, la fiesta fue completa. La artista ya nos visitó años atrás en el Colón y dejó una óptima impresión, ahora ratificada. Tras su formación en Moscú, tuvo premios en San Petersburgo, Budapest y París. Según el programa de mano, “su repertorio incluye 40 conciertos con orquesta y 40 programas de concierto”; una enormidad. El Concierto Nº 2, si bien se ejecuta mucho menos que el Nº 1, también tiene considerable interés, tanto por la escritura pianística trascendental pero muy expresiva como por una orquestación llena de hallazgos típicamente lisztianos. Con el minucioso apoyo de Lano y una orquesta en la que se lució el primer violoncelo, la pianista tocó con el aplomo, exactitud y nobleza de los grandes intérpretes. Y nos dio una pieza extra en una versión ideal: “Liebestraum Nº3” (“Sueño de amor Nº 3”), también de Liszt.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> La Sinfonía Nº 15 es la última y más enigmática de Shostakovich. Lamentablemente no tengo el dato a mano, pero me dicen que años atrás se estrenó aquí; como me extraña no haber asistido, debe haber coincidido con alguno de mis viajes, ya que no es algo para olvidar. La descubrí con la magnífica grabación LP de Haitink con la Filarmónica de Londres, y me dicen que octogenario la volvió a grabar (ahora en CD) y que esta segunda versión es una maravilla de intuición y sabiduría. Para no ir tan atrás en la historia, recapitulemos: la Sinfonía Nº 10 es generalmente considerada como la más importante que escribió, todavía más que la famosa Quinta; fue su desahogo tras la muerte de su Némesis, Stalin. No olvidemos que el compositor era un sincero comunista leninista, y por ello las Nos. 11 y 12 son homenajes a levantamientos previos a la Revolución. Pero con una salud declinante y una mayor libertad creadora en la URSS surgieron la poderosa denuncia de la Nº 13, “Babi Yar”, con texto de Evtushenko, y luego esa extraña y terrible Nº 14, más bien una suite para canto y orquesta de cuerdas sobre la Muerte. Y llegamos a la Nº 15. Dura unos 45 minutos, está en La mayor, data de 1971 y es su op.141. Las citas de otros compositores y propias forman parte del enigma. En el Allegretto inicial hay dos temas contrapuestos: el principal es más bien humorístico/satírico, pero el segundo desconcierta: una cita exacta del famoso tema de trompeta de la Obertura de “Guillermo Tell” de Rossini está pegada a esa segunda idea, que es cromática y usa sus doce notas (aunque por supuesto sin el método dodecafónico), asociada a la muerte y la desesperación, como en la Sinfonía Nº 14 o los últimos cuartetos; y esa segunda idea es desarrollada con vehemencia. El extenso segundo movimiento se inicia con un coral de bronces, seguido de una melodía triste y ácida en los violoncelos; la parte central es una marcha fúnebre presidida por los trombones, instrumentos asociados tradicionalmente con la muerte. Curiosamente el Scherzo sigue “attacca” (o sea sin pausa). Los fagotes, sardónicos, hacen escuchar uno de esos temas inconfundibles de Shostakovich. Luego la trompeta trata de introducir otro tema, hasta que frustrado llama a fanfarria con los trombones, y finalmente se escucha una versión transpuesta del famoso motivo Re Mi bemol Do Si, ligado en alemán (DSCH) al apellido de Shostakovich. Los 17 minutos del Finale se inician con el Leitmotiv del Anuncio de la Muerte cuando Brunilda aparece ante Sigmundo en “La Walkiria” de Wagner. Sigue el ritmo de la música fúnebre de Sigfrido (en “El Ocaso de los Dioses”) y luego, empezando la melodía principal, las tres primeras notas del Preludio al Acto Primero de “Tristán e Isolda”. La parte central es una compleja Passacaglia citando el primer movimiento de su Séptima Sinfonía, “Leningrado”. Es raro que los minutos finales no sean trágicos sino positivos. Sí, es una sinfonía que hace pasar por muy diversas emociones y da para la reflexión sobre lo heroico y lo metafísico. El compositor murió en 1975 y acentuó la meditación íntima en sus últimos cuartetos y en la Sonata para viola y piano.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> Agradezco a Lano haber programado esta sinfonía. Espero que retorne el año próximo y que programe la Escuela de Viena: él es de los pocos que puede darnos versiones fidedignas, con esta Sinfónica renovada, de obras como las Tres Piezas de Berg (increíblemente, ninguna orquesta de nuestra ciudad las ha hecho, sólo extranjeras: Maazel con Cleveland, Barenboim con la del Divan) o las de Webern, o el “Pelleas und Melisande” de Schönberg.</span></span></p>
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<p style="text-align:center"><img alt="" src="/src/media/images/Agenda/untref.jpg" style="height:534px; width:800px" /></p>
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<p style="text-align:justify"><strong><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">SINFÓNICA JUVENIL NACIONAL JOSÉ DE SAN MARTÍN</span></span></strong></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> Se recordará que varias veces expresé mi buena opinión sobre la realidad actual de esta orquesta bajo la dirección del siempre enérgico y capaz Mario Benzecry, que no sólo ha logrado un gran mejoramiento de la orquesta (apoyado por fondos estatales) sino que ha programado obras desafiantes e interesantes. No estoy seguro de si ya cumplió los 80 o está cerca de cumplirlos, pero parece décadas menos. Tanto la Sinfónica Nacional como la Filarmónica de Buenos Aires lo han injustamente olvidado, pero él sigue firme en la brecha con la orquesta que fundó y que refleja el método Abreu venezolano, incluso porque se complementa con un cuerpo de profesores de empinada calidad, convirtiendo a la orquesta también en una academia.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> Abierto también a experiencias nuevas, invitó a colaborar en este concierto en la Ballena (el día anterior el mismo se dio en la Facultad de Derecho) a la Orquesta de instrumentos autóctonos y nuevas tecnologías de la UNTREF cuyos directores son Alejandro Iglesias Rossi y Susana Ferreres. Iglesias Rossi nació en 1960 y fundó esta orquesta hace ya al menos 15 años; con ella realizó giras internacionales y compuso varias obras para ella. Ahora estrenó su “Harawi Ritual, sobre una antigua plegaria quechua”. Y bien, “Harawi” es el título de una obra vocal de Messiaen que dura una hora y fue estrenada aquí por Dora Berdichevsky; al piano Orestes Castronovo (Junio 1955). Está grabada en un álbum LP de Melodías por Michèle Command acompañada por Madeleine Petit. Hay grabaciones CD: Forow, Manning, Shelton. La obra es de 1945 y tiene un subtítulo: “Canto de amor y de muerte” (parece “Tristán e Isolda”). En él Messiaen cita melodías peruanas indígenas y onomatopeyas en quechua; los textos en francés y quechua son suyos: visionarios, místicos y míticos. Bien, volvamos a Iglesias Rossi: en 10 minutos nos cuenta un rito con Viracocha y una mujer, enmarcado por una orquesta con abundancia de tambores varios, otras percusiones, sikus; textos hablados (amplificados) y cantados, con profusión de gente enmascarada, y símbolos quechuas como fondo. Pintoresco, directo, muy sonoro, su valor está en su intento de llevarnos a un mundo pre-colonización, interesante como tal. El programa lista numerosos intérpretes (33), máscaras (30) y sonido, luces y video (7). Benzecry coordinó todo y antes había hecho una sintética presentación de las obras (sin micrófono).</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> De allí en más, territorio bien conocido. Marcelo Balat es uno de los pocos de su generación (entre los 30 y 40 años) que puede medirse con el Primer Concierto de Tchaikovsky y salir no sólo ileso sino triunfador. Sin alharaca, con los gestos indispensables, respeta los tempi marcados y las dinámicas, y su impecable técnica vence todos los obstáculos, además de aprovechar la cantabilidad cuando la hay en el medio del torbellino virtuosístico. Muy bien apoyado por Benzecry y la orquesta, quedó una versión para recordar entre las docenas que se suceden década a década.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> Era evidente que las orquestas locales iban a aprovechar el gigantesco órgano Klais para que finalmente Buenos Aires escuche (como nunca antes) la Tercera Sinfonía de Saint-Saëns con la plenitud sonora que requiere y que ningún órgano electrónico puede aportar. Escribí entusiasmado sobre la magnífica versión de semanas atrás de Diemecke con la Estable del Colón, y ahora se añadió una muy buena por Benzecry, con el organista Sebastián Achenbach. Realmente qué “métier” fabuloso y qué riqueza de ideas despliega Saint-Saëns en la que es probablemente su mayor creación; no siempre su gran habilidad estuvo tocada por la inspiración pero aquí ésta raya a gran altura. La muy musical interpretación del director y la notable concentración y calidad técnica de su joven orquesta volvieron a demostrar que tenemos una Orquesta Juvenil de primer nivel. Pero los bebes insufribles y numerosos…Solución: condenar a las madres a diez días de total silencio no apelable; la que proteste pasa a tener veinte días.</span></span></p>
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<hr />
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<p style="text-align:center"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><img alt="" src="/src/media/images/Agenda/nuevos%20aires.jpg" style="height:477px; width:800px" /></span></span></p>
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<p style="text-align:justify"><strong><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">ARS NOBILIS</span></span></strong></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> Mabel Mambretti, amiga de muchas décadas desde que compartimos las aulas de la Facultad de Música de la UCA en su gran época, fundó Ars Nobilis hace unas dos décadas y se mantiene a su frente con admirable tesón. Animada por un espíritu solidario, cambió la orientación años atrás, y en vez de un número limitado de conciertos pagos en salas céntricas pasó a armar temporadas muy amplias gratis y que incluyen a hogares de ancianos. Este año sus conciertos se distribuyen en muchas salas: la Facultad de Derecho (Sala principal y Auditorio), Auditorio de la Fundación Beethoven, Auditorio Anasagasti del Jockey Club, Auditorio del Colegio Público de Abogados. En El Talar de Pacheco, el Salón de Actos del Hogar Los Pinos; y en San Miguel, el Salón de Actos del Hogar Hirsch. Si bien la calidad es despareja, con artistas de gran trayectoria y otros nuevos o con orquestas amateur al lado de otras más profesionales, y a veces los programas son trillados, el esfuerzo de Mambretti es admirable y generoso. Tan intensa es la actividad en la CABA que yo sólo puedo hacerme presente de tanto en tanto, cuando el programa y/o los artistas me atraen y el tiempo me da. Esto ocurrió el 28 de julio en la Facultad de Derecho y el motivo fue el que supongo estreno de un oratorio de César Franck: “Ruth”. Intervinieron la Orquesta Nuevos Aires (24 ejecutantes) dirigida por Leandro Soldano, el Proyecto Coral de Difusión dirigido por Gisela Iuretig (16 cantantes), el Coro General San Martín dirigido por Cristina Viescido (24 cantantes), y cinco solistas vocales. Me llevé un chasco cuando busqué una grabación en el catálogo RER de CDs del año 20000 y no encontré ninguna. No conocía la obra y el segundo chasco fue comprobar que un útil libro de D´Indy sobre Franck se había desvanecido. Y cuando consulté el diccionario Grove la referencia fue muy parca. Franck nació en 1822 y la obra es de 1843-45, de manera que sólo tenía 23 años cuando la terminó; se estrenó en el Conservatorio de París el 4 de enero de 1846 y está definida como égloga bíblica en tres partes, con textos bíblicos y aditamentos de Alexandre Guillemin. Sólo se aclara que es la primera obra suya apartada de su actividad pianística y sus composiciones para ese instrumento. Obviamente su estilo tiene poco que ver con obras religiosas posteriores, como las dos misas (1858 y 1860), el famoso “Panis angelicus” de 1872 (que yo cantaba en la Escuela Argentina Modelo) o el oratorio “Les Béatitudes” (1869-79). Lamentablemente no hubo la menor explicación con respecto a “Rut” ni por supuesto datos sobre su duración. Como el concierto además ofreció antes la Sinfonía concertante para violín y viola de Mozart, fue larguísimo; los fragmentos se sucedían sin que la gente supiera qué se contaba (no había subtítulos, no están instaladas las pantallas), y cuando se hicieron las 20 hs, y luego 20,15, la música seguía y mucha gente se fue: el oratorio duró 90 minutos y así el concierto finalizó a las 20,40. A todo trapo me fui de allí al Ballet en el Coliseo, que empezaba a las 21 hs.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> Acudí a la Biblia. El muy breve libro de Rut está entre Jueces y Samuel I. Síntesis: En momentos de hambruna, Elimelek, de Belén de Judá, fue a residir con su mujer Noemí y sus dos hijos a Moab, fértil zona cercana de Transjordania. Los hijos se casaron con mujeres moabitas, Orpá y Rut, pero a los pocos años ellos murieron. Noemí dijo a sus nueras que vuelvan a sus hogares; Orpá lo hizo pero Rut quiso quedarse con Noemí, por quien sentía gran afecto. Noemí y Rut volvieron a Belén, y allí Rut fue a espigar en el campo de cebada de Boaz, pariente de Elimelek. Boaz sabe que Rut cuidó y apoyó a Noemí y se casa con Rut, pese a ser moabita en una época donde los jueces veían con males ojos los casamientos con otras tribus. Si bien había un pariente más cercano de Elimelek que hubiera tenido derecho a Rut, éste se niega por considerarlo nocivo a sus intereses. Boaz y Rut tienen un hijo y eventualmente Rut pasa a ser la abuela de David. Y para entonces los israelitas están en guerra con Moab.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> Tal la historia que sirve de base al oratorio. Como el relato bíblico es puramente narrativo, Guillemin tiene que haber sido el autor de la mayor parte del texto, sobre todo las numerosas intervenciones corales, pero también la mayor parte de las palabras que pone en boca de los personajes. Ni siquiera pude saber si está dividido en partes. Pero los coros son numerosos: cuatro donde cantan sin los solistas, más con solistas. También hay un preludio y un interludio. Como es lógico Rut (en francés Ruth) y Noemí (sopranos) son las que más cantan; la participación de Orpá es breve; y sólo cuando pasaron casi 50 minutos aparece Boaz (barítono), importante de allí en más; hay dos breves intervenciones del otro pariente (tenor). La música es agradable y fluída, sin mayor densidad ni dramatismo pero con cualidades evidentes; no es distinguible su estilo maduro pero hay varias piezas atrayentes, ya desde el Preludio; la calidez de Noemí y el expresivo canto de Rut dominan esa parte inicial, así como en la segunda las frases de Boaz revelan su bondad y comprensión.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> Al no tener partitura no puedo saber si Soldano ha respetado la orquestación original, aunque quizá la modificó ya que (como comentaré luego) no respetó la orquestación en la Sinfonía concertante. Según la nómina de ejecutantes, figuran dos en percusión y sólo escuché a uno en timbal, parece agregada una trompeta y el piano quizá reemplace a un órgano. La calidad técnica fue variable (cuerdas medianas, buena flauta, mediocre trombón), pero Soldano pareció llevar bien la obra, ayudado por un doble coro de voces bien elegidas y coordinadas. Una falla en el programa es la de no mencionar cuál solista canta qué, pero ahora que conozco la historia no puedo tener duda en tres personajes porque Graciela Oddone es una artista de valiosa carrera y dio carácter a Ruth, además de conservar bien sus medios (debería ser más convocada); Gustavo Gibert es un noble barítono con décadas de experiencia y dio permanente interés a su Boaz; y el joven tenor Pablo Gaeta cantó correctamente el otro personaje masculino. Noemí fue interpretado por Stephnie Rivas; su canto fue seguro y bien proyectado. No así la otra soprano, Cristina Viescido (Orpá), de timbre poco grato y fraseo opaco.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> La Sinfonía concertante de Mozart es justamente famosa; la seguí con partitura y escuché clarinetes en vez de cornos y flautas en vez de oboes y eso no es aceptable, aunque Solano dio razonable apoyo a los solistas. La acústica de la Facultad es tan mala que hasta quita brillantez y calidad de timbre a un violinista de lujo como Xavier Inchausti; por supuesto su articulación y afinación fue perfecta. Nunca escuché antes al violista Juan Ignacio Veracierto y me dio buena impresión, fraseando con razonable criterio y complementándose bien con Inchausti.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><strong><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Pablo Bardin</span></span></strong></p>
<p> </p>
img_url/src/media/images/Agenda/LANO.png
created2018-08-12
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titleUn hermoso fin de etapa para Karina Olmedo
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categoryReseñas
short_descLa primera bailarina Karina Olmedo se despidió del Teatro Colón con un gran estreno para este Teatro: La Viuda Alegre. Es un Ballet en tres actos con música de Franz Lehár y coreografía de Ronald Hynd, basado en un libreto original de Leo Stein y Víctor León, adaptado por Sir Robert Helpmann y el propio coreógrafo; un estreno para el Teatro Colón, con producción invitada, del Joburg Ballet (Johannesburgo, Sudáfrica).
description<blockquote>
<p style="text-align:center"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="font-size:16px"><span style="background-color:transparent">La primera bailarina Karina Olmedo se despidió del Teatro Colón con un gran estreno para este Teatro: La Viuda Alegre. Es un Ballet en tres actos con música de Franz Lehár y coreografía de Ronald Hynd, basado en un libreto original de Leo Stein y Víctor León, adaptado por Sir Robert Helpmann y el propio coreógrafo; un estreno para el Teatro Colón, con producción invitada, del Joburg Ballet (Johannesburgo, Sudáfrica). </span></span></span></span></span></p>
</blockquote>
<p style="text-align:center"> </p>
<p style="text-align:center"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><img alt="" src="/src/media/images/Agenda/karina5%20(1).jpg" style="height:410px; width:798px" /></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:center"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">4 de agosto de 2018 - TEATRO COLÓN</span></span></span></span></p>
<p><br />
<strong><span style="background-color:transparent; color:rgb(0, 0, 0); font-family:verdana,geneva,sans-serif; font-size:14px">Por Luz Lassalle</span></strong></p>
<p> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">La despedida de la gran figura, que culminó esta etapa de su carrera interpretando a Hanna, personaje principal de La Viuda Alegre, se lleva de regalo realizar los ensayos con Ronald Hynd, quien fuera el compositor coreográfico designado por Robert Helpmann allá por la década del 70.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Durante el prólogo de La Viuda Alegre, se entreteje la temática de la obra: un ducado de ficción en quiebra, Pontevedro, y una oportunidad de que se salve de la ruina si logran la unión en nupcias del Conde Danilo con la reciente viuda Hanna, heredera de una gran fortuna. Claramente, más allá de la simpática escena llena “humor danzado”, las expectativas están puestas en la llegada de Hanna, Karina Olmedo, la esperada viuda, que se hará presente en el primer acto. Se transforma el escenario, con esa magia a la que nos tiene acostumbrados el Teatro Colón, para pasar de una oficina de época al gran salón de baile de la embajada. Van llegando los invitados al festejo, comienza a sonar un </span><em>Grand Vals</em><span style="background-color:transparent">, bajo la batuta del director musical invitado, Manuel Coves. No faltarán </span><em>pirouettes</em><span style="background-color:transparent">, saltos y varios </span><em>entrechats</em><span style="background-color:transparent">. La llegada de Karina es esplendorosa, la sala del Teatro estalla en aplausos cuando hace su aparición bajando por las elegantes escaleras, con esa presencia que la caracteriza, más de 30 años pisando este escenario; ésta es una función especial, es su función.</span></span></span></span><br />
</p>
<p style="text-align:center"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><img alt="" src="/src/media/images/Agenda/karina4.jpg" style="height:1050px; width:800px" /></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">La trama continúa con un amor no correspondido en el pasado, que tiene una nueva oportunidad en el presente, y con enormes beneficios para el ducado en cuestión, en el caso de concretarse la unión. Pudimos observar una gran interpretación del personaje por parte de Karina donde despliega todo su potencial artístico, ya que Hanna pasa de ser una viuda con impactante glamour a aquella doncella que fue en otro tiempo, y que lleva consigo el dolor de un amor juvenil "que no fue", aún con un destello de despecho, pero que en el fondo de su corazón anhela el amor de Danilo. Todos estos matices emocionales son los que atraviesa este particular personaje, y si bien es la primera vez que Karina se encuentra interpretando este papel, sus dotes como actriz se destacan desde este punto de vista ya que logra encarnar en cada uno de los sentimientos de Hanna, arrastrando con ella la emotividad del público.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:center"> </p>
<p style="text-align:center"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><img alt="" src="/src/media/images/Agenda/karina6.jpg" style="height:444px; width:800px" /></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">El segundo acto tiene lugar en la mansión de la viuda donde acontece una fiesta en los jardines de su villa parisina; ella y todos los invitados usan trajes típicos de Pontevedro, bailan sus danza características, se celebra el aniversario del gran duque a la usanza del país. No falta en este hermoso acto los trajes coloridos, los desplazamientos y diferentes formaciones que va adoptando el cuerpo de baile; es así como con una trama complicada, pero no menos divertida, vemos amoríos, engaños, confusiones y enojos entre los personajes principales, concluyendo con la certeza de que el verdadero amor sigue intacto.</span></span></span></span></p>
<p><br />
<span style="background-color:transparent; color:rgb(0, 0, 0); font-family:verdana,geneva,sans-serif; font-size:14px">El tercer acto está teñido del encanto francés; transcurre en un famoso restaurante parisino, con un vigoroso can-can y sus típicos </span><em>grands battements</em><span style="background-color:transparent; color:rgb(0, 0, 0); font-family:verdana,geneva,sans-serif; font-size:14px"> y </span><em>grands écarts</em><span style="background-color:transparent; color:rgb(0, 0, 0); font-family:verdana,geneva,sans-serif; font-size:14px"> característicos de dicha danza, y por supuesto el infaltable champagne que pone a todos a la altura de las circunstancias. Festejos, alegría, pero entre tanta euforia brotan lo celos de los desengaños, hasta que un reto a duelo entre los dos galanes de esta historia pone de manifiesto las confusiones de amor y desenmascara al verdadero amor, se da aquí lugar a un magnífico Vals con un romántico </span><em>pas de quatre </em><span style="background-color:transparent; color:rgb(0, 0, 0); font-family:verdana,geneva,sans-serif; font-size:14px">que pasará a un distinguido </span><em>pas de deux</em><span style="background-color:transparent; color:rgb(0, 0, 0); font-family:verdana,geneva,sans-serif; font-size:14px"> manifestando las aptitudes técnicas e interpretativas de de esta gran bailarina, sus posiciones, sus </span><em>pirouettes</em><span style="background-color:transparent; color:rgb(0, 0, 0); font-family:verdana,geneva,sans-serif; font-size:14px"> y equilibrios, muy bien acompañada en esta ocasión por Juan Pablo Ledo en el papel de Danilo.</span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Durante toda la historia se revela una trama paralela a la principal, referida al amor oculto entre Valencienne (Carla Vincelli) la mujer del Barón Mirko Zeta (Igor Gopkalo), y el agregado francés a la embajada, Camille de Rosillion (Edgardo Trabalón). Esta historia subyacente se entrelaza con la principal hasta interferir, poniendo en riesgo de alguna manera la historia de amor de los personajes principales. Su conclusión, será sorpresiva ya que no sólo prevalece el amor verdadero por sobre la unión por convenio, si no que el Barón con su grandeza acepta compartir el amor de su esposa con Camille.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Cuando todo parece haber terminado falta lo más emotivo de esta Gala. Con una lluvia de rosas despide el Teatro Colón a Karina Olmedo, acompañada de su papá y sus dos hijas; y no falta su compañero de vida (Nahuel Prozzi), bailarín del Ballet Estable del Teatro, con quien compartieron este escenario por última vez, pero solo éste, porque les queda mucho por brindar a este público agradecido, que se queda aplaudiendo mientras ella realiza toda clase de </span><em>révérences</em><span style="background-color:transparent">, agradecida también, por tanto amor recibido. Realmente un hermoso fin de etapa para esta brillante Bailarina.</span></span></span></span></p>
<p style="text-align:center"><br />
<span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><img alt="" src="/src/media/images/Agenda/karina7.jpg" style="height:476px; width:800px" /></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"> </p>
<hr />
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><br />
<span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">DIRECTORA DEL BALLET ESTABLE DEL TEATRO COLÓN: Paloma Herrera </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">DIRECTOR MUSICAL INVITADO: Manuel Coves </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">COREOGRAFÍA: Ronald Hynd </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">REPOSICIÓN COREOGRÁFICA: Steven John Woodgate </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">DISEÑO DE ESCENOGRAFÍA Y VESTUARIO: Desmond Heeley </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">DISEÑO DE ILUMINACIÓN: Rubén Conde </span></span></span></span></p>
<p> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">PRODUCCIÓN INVITADA: Joburg Ballet (Johannesburgo, Sudáfrica)</span></span></span></span></p>
<p> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Reparto </span></span></span></span></p>
<p> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">HANNA GLAWARI: Karina Olmedo </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">CONDE DANILO: Juan Pablo Ledo </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">VALENCIENNE: Carla Vincelli </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">CAMILLE DE ROSILLION: Edgardo Trabalón </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">BARÓN ZETA: Igor Gopkalo </span></span></span></span></p>
<p> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">FOTOGRAFÍA: Máximo Parpagnoli - Teatro Colón</span></span></span></span></p>
<div> </div>
short_desc Este artículo tiene dos partes: la primera visita de una pianista talentosa que nos llega muy tarde en su carrera, heredera de una tradición extraordinaria: la de su maestro Artur Rubinstein. Y dos instancias de buena música de cámara con renovado repertorio.
description<blockquote>
<p style="text-align:center"> <span style="color:#000000"><span style="font-size:16px"> <strong>Este artículo tiene dos partes: la primera visita de una pianista talentosa que nos llega muy tarde en su carrera, heredera de una tradición extraordinaria: la de su maestro Artur Rubinstein. Y dos instancias de buena música de cámara con renovado repertorio.</strong></span></span></p>
</blockquote>
<p style="text-align:center"> </p>
<p style="text-align:center"><iframe frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/NLNFql9iEvY" width="560"></iframe></p>
<p style="text-align:center"> </p>
<p style="text-align:justify"><strong><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">DUBRAVKA TOMSIC SREBOTNJAK</span></span></strong></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> Lo confieso, este nombre y apellidos tan eslavos me eran desconocidos y me extrañó que figuraran en el costoso y deslumbrante abono del Colón, Grandes Intérpretes Internacionales, que se inició con la Orquesta Filarmónica de Viena dirigida por Gustavo Dudamel y luego de la artista que comento incluirá el debut argentino de Anna Netrebko y los retornos de Bryn Terfel y Juan Diego Flórez. Fui al concierto con extrañeza y volví a mi domicilio feliz de haber conocido a una artista de primera línea, aunque no tuve el placer de ver sus manos tocando (estuve en localidad par). Aclaro que el teclado de mi computadora no incluye los circunflejos al revés que necesitan nombres y apellidos de muchos países europeos; en este caso lo tienen la s y la c de Tomcic. También es necesario informar que Tomsic es su apellido de soltera, pero ella decidió añadir el de su marido durante décadas, el compositor Alojz Srebotnjak (1931-2010), de quien estrenó en este recital sus “Danzas macedonias”, todo lo cual revela que para ella esa relación fue y es esencial; para los latinos no resulta fácil recordar ese doble apellido.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> Niña prodigio, a los cinco años dio su primer recital; ahora, según una información que no figura en la biografía del programa, tendría 78 años, lo cual convierte a su carrera en una de las más longevas. Nacida en Eslovenia, a los 12 años se mudó a New York, ingresó en la célebre Juilliard School y se graduó a los 17. Al escucharla en el Carnegie Hall en 1957, Rubinstein la invitó a estudiar con él. De allí en más ofreció 4.000 recitales en todos los continentes; pero la frase “desde 1989 es invitada a actuar en Estados Unidos” desconcierta ya que implica que durante un tiempo largo no lo hizo. Aparentemente fueron muchos los años en donde se radicó en su país de origen, ya que también Srebotnjak era esloveno, y quizá durante un período extenso sus recitales fueron en otras zonas. Recordar que Eslovenia fue parte de Yugoslavia hasta que se independizó (visité la capital, Ljubljana, en 1961, cuando el Mariscal Tito estaba en el poder, y me impresionó como una ciudad bella, con similitudes vienesas, y con una Ópera de buen nivel, donde ví el “Macbeth” de Verdi en esloveno). Dice la biografía: “desde 1987 ha registrado más de 90 CDs” (¡!); en mi catálogo RER del año 2000 sólo figuran dos Koch: Mozart, Sonatas, Vol. 1; y Beethoven, Sonatas Nos. 23, 26 y 31. “El recital en el Colón es su primera presentación en América del Sur”. Lamento haberla desconocida hasta ahora, y enhorabuena que finalmente nos llegó, ya que su recital la mostró en forma admirable, digna discípula del gran Rubinstein, de quien tengo recuerdos inolvidables por conciertos en Washington y París (éste acompañado por Barenboim como director, tocando el Primer Concierto de Brahms a los 85 años con impactante seguridad y soberbio estilo).</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> Inició su recital vespertino con 5 sonatas de Domenico Scarlatti; ¡5 entre 555! Durante décadas rigió el catálogo Longo, hasta que el gran clavecinista Ralph Kirkpatrick realizó uno más preciso, y es el que ahora se utiliza (Kk). (Además hay 14 no publicadas). Tomsic, pese a que su veteranía implica que las conoció por Longo, se “aggiornó” correctamente y las presentó con sus números Kk. Ignoro cuántas conoce de ese inmenso legado; como supongo aconteció con grandes pianistas del pasado que dejaron grabaciones espléndidas (Maria Tipo, Clara Haskil, Vladimir Horowitz), habrá elegido sobre la base de mucho menos que esas 555 y según su gusto personal. Naturalmente fueron escritas para clave, en el Barroco tardío, ya que Scarlatti las escribió en su gran mayoría en Madrid entre 1733 y 1757, el año de su muerte a los 72 años. Las llamó “esercizi” y en su inmensa mayoría están escritas en forma binaria (dos partes que se repiten) y suelen no pasar de los 5 minutos. Conozco algo más de un centenar, combinando las que tengo en clave o en piano, y me atraen de igual manera en ambos instrumentos, pese a ser tan distintos en su estética: en el clave son más ásperas y contundentes, en el piano tienen matices muy atractivos. Pasa como en Bach pero de modo más marcado. Y cuando la escritura aprovecha los dos teclados del clave ello complica la ejecución pianística. El primero en intentar la grabación completa fue el clavecinista Fernando Valenti en Westminster y tengo 6 de esos discos (12 x 6, 72 sonatas), pero no pudo completar el proyecto debido a la lamentable quiebra de Westminster, una de las mejores y más prolíficas marcas en vinilo en los años 50 y 60. Mucho después, y en CD, dos artistas lograron esa proeza: Scott Ross y Luciano Sgrizzi; intenté en vano conseguirlos; en su tipo el emprendimiento es tan enorme como la integral de las cantatas bachianas. Ningún pianista se planteó ese desafío. Hay una plétora de grabaciones de una selección además de los ya mencionados: por sólo citar nombres básicos, Landowska, Leonhardt y Pinnock en clave; Schiff, Staier, Benedetti Michelangeli, Casadesus, M. Meyer. Mis modelos en recitales que pude escuchar fue Maria Tipo, de excepcional claridad y exactitud, en Buenos Aires; y Casadesus y Gileles en Washington; en clave, Valenti en nuestra ciudad. Y me gustaron mucho las pianísticas de Zacharias filmadas en La Alhambra por Cozarinsky. Como se ve, soy muy scarlattiano; y nuevamente tuve gran placer en apreciar en vivo su música tan imaginativa y fresca, esta vez en manos de Tomsic, que tocó con precisión, gusto y dominio 5 bien elegidas y contrastantes, y sólo una muy tocada: Kk 9 (Longo 413) en re menor; las restantes: Kk 11, 159, 14 y 125 (el programa erróneamente ponía K., lo que confunde con Köchel, el catálogo mozartiano)., fueron un reguero de ideas musicales estimulantes.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> Por lo citado más arriba, se ve que Tomsic tiene un enorme repertorio; el CD de Beethoven mencionado contiene sonatas fundamentales; también lo es la justamente célebre Sonata Nº21, “Waldstein” o “Aurora”. Demanda agilidad, coordinación, variedad de fraseo, inteligente manejo del pedal, toucher poético en partes y rotundo en otras, así como expresividad en el movimiento lento; todo esto se pudo apreciar en una versión de gran nivel y firmeza, que demostró que a su alta edad Tomsic mantiene sus muy amplios medios. Por supuesto me recordó a Rubinstein, ¿y qué mejor referencia puede haber? Claro está que cualquier melómano tiene grandes recuerdos de ejecuciones en vivo de esta sonata; los míos son Gulda, Barenboim, Arrau; o menos perfectos pero muy expresivos, R. Serkin o Richter-Haaser; o las extraordinarias grabaciones de Backhaus y Brendel. Pero siempre habrá lugar para una ejecución de categoría, y ésta lo fue; “un 8.000”, como diría un escalador de los Himalayas.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> Tontamente el programa no puso los necesarios y tradicionales I y II, pero sí, hubo intervalo tras la “Waldstein”; y la Segunda Parte se inició con el tributo de la intérprete a su marido: la primera audición (no consignada como tal) de las “Danzas macedonias” de Srebotnjak (1931-2010). Cito el útil comentario de Carlos Singer (bienvenida su presencia tras prolongado hiato): “importante compositor y educador musical. Su catálogo comprende música orquestal (Sinfonietta, Conciertos para arpa y para violín, Episodios concertantes), vocal, de cámara, coral, instrumental, el ballet ´La trompeta y el Diablo´, así como partituras para una decena de películas; buena parte de su producción se inspira en melodías tradicionales eslovenas y macedonias. Las ´Danzas Macedonias´ de 1975 son elaboradas transcripciones de danzas folklóricas con un lenguaje que posee fuerte afinidad con el de Bartók”. Conviene aclarar que Macedonia, ahora independiente, fue parte de la Yugoslavia unida de la época de Tito, y que es el complemento histórico de la Macedonia griega, cuna de Alejandro el Grande. Así como Bartók estudió y grabó música folklórica rumana y búlgara y luego utilizó parte de lo investigado en obras suyas, lo hizo Srebotnjak con la macedónica, bastante distinta de la de Eslovenia y emparentada con la Macedonia griega aunque manteniendo aspectos propios, derivados también del hecho de compartir tradiciones con Montenegro. La Macedonia ex yugoslava (que significa “eslavos del Sur”) es una comarca de espléndidos paisajes dominados por el Lago Ohrid y linda con Grecia, Albania, Kosovo, Serbia y Bulgaria; su capital es Skopje. Si bien en Macedonia se comparten tradiciones de la danza kolo con otras repúblicas de la ex Yugoslavia, hay maneras distintas. Instrumentos: el tapan, tambor de dos membranas; como todavía vive en Macedonia gente de origen turco y gitanos, ellos usan el darbuk de una membrana; en las ciudades utilizan un tipo de laúd llamado oot; tienen oboes llamados zurnas. Danzas: todas se bailan en grupo en los países de la ex Yugoslavia. Generalmente en los pueblos sólo bailan los jóvenes; hasta hace medio siglo, a las musulmanas en Macedonia no se les permitía bailar (no olvidar que hubo dominación musulmana en toda la ex Yugoslavia durante más de tres siglos después de la caída del Imperio bizantino); pero fuera de las musulmanas, las mujeres, como en la Macedonia Griega, bailaban de manera recatada, a diferencia del fogoso baile masculino. No hay danzas guerreras, pero sí cómicas, rituales, de casamiento; las que predominan son eróticas, con el hombre cortejando y la mujer aceptando o rechazando. Claro está que la modernidad hace que quede cada vez menos de todo esto, y por eso es importante que en todos los países haya ballets folklóricos que conserven las tradiciones o al menos las recuerden en ciertas fiestas. Las danzas de Srebotnjak me parecieron muy logradas; tres de ellas rápidas, intensas, rústicas, con acordes disonantes y ritmos saltarines; la Segunda, un Andante en cinco secciones contrastadas; y la Cuarta, Adagio, alternando “pasajes de tintes fúnebres con violentas erupciones” (Singer). Naturalmente, esta música estuvo en las manos más fieles y por analogía indica que Tomsic también se siente cómoda en lenguajes más contemporáneos.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> Casi por supuesto, la parte final fue dedicada a Chopin, donde el faro conductor por excelencia era y es Rubinstein. Nada nuevo puedo decir en cuanto a las obras, que se encuentran entre las más bellas y auténticas del autor. El programa omitió datos útiles: había que aclarar que la Balada Op.47 es la Nº 3 y que los Nocturnos Op.27 Nos. 1 y 2 son Nos. 7 y 8. El programa concluyó con el Scherzo Nº2, Op.31. En efecto, la Balada Nº3, como dice Singer, es la más lírica y menos turbulenta de la serie; la pianista la reflejó con ese noble y profundo toucher donde cada nota cuenta; más allá de algún pequeño detalle imperfecto, el fraseo poético y el pedal impecable siempre estuvieron. Los Nocturnos Op.27 no están entre los más tocados y me interesaron especialmente; el primero porque su clima grave y sombrío fue captado idealmente, y el segundo porque es de los más melódicos y ella lo expresó con sutileza y gusto refinado. Y en el Scherzo Nº2 supo atenerse al Presto sin correr en demasía (como les pasa a tantos pianistas jóvenes en estas piezas; hasta el talentosísimo Lisiecki se equivocó de enfoque); fulgor y energía, sí, pero sin desbocarse; y nuevamente algún casi imperceptible desliz no afectó el placer de la escucha.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> Dos piezas fuera de programa. La primera es un Liszt favorito mío: el estudio “La Leggierezza”, Nº2 de “3 estudios de concierto”, tiene una melodía de armonía innovadora, y la ligereza posterior fue en manos de Tomsic de una perlada perfección y de gran encanto. Finalizó con un tributo al gusto del período del siglo XX previo a la Segunda Guerra Mundial: los arreglos ostentosos y exagerados del Barroco realizados por Busoni; pero el que tocó al menos le permitió mostrar su habilidad para contestar una catarata fortissimo con otra pianissimo segundos después. Me quedo con el Busoni auténtico de su Fantasía contrapuntística. Pero en última instancia lo que importa es que tuvimos la presencia de una admirable pianista que era justicia conocer. Y el testimonio de cómo una técnica y un estilo de verdadera solidez pueden mantenerse (si la salud ayuda) en etapas tardías de la vida mediando la vocación y la energía.</span></span></p>
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<p style="text-align:justify"><strong><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">CÁMARA INTERESANTE.</span></span></strong></p>
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<p style="text-align:center"><strong><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><img alt="" src="/src/media/images/Agenda/ntrus.jpg" style="height:480px; width:622px" /></span></span></strong></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> El Salón Anasagasti del Jockey Club (entrada por Cerrito) ha sido durante décadas un lugar muy grato para dar conferencias y conciertos de cámara; mi mujer y yo, p.ej., hicimos allí el paralelo Picasso-Stravinsky con diapos y grabaciones. El ciclo de conciertos es muy variado y alterna entre la música clásica y la buena música popular, en manos de dos amigos míos de larga data: Norberto Padilla y José María Cantilo. Me interesó un programa del Cuarteto Petrus con la pianista Natalia Gozález Figueroa porque (casi con total seguridad) asistí a la primera audición en nuestra ciudad del Quinteto con piano en sol menor, op.49, de Enrique Granados. Hay al menos dos grabaciones pero no las conozco: Rajna y Cuarteto Alberni (CRD) y Ensemble Variable (CPO). Al parecer estuvo un tiempo extraviado, ya que no figura en el Diccionario Grove de mi edición de hace medio siglo. Suscinto y breve(18 minutos), en tres movimientos, está técnicamente bien escrito y resulta agradable, aunque de poco ambiente español; y me pareció que el piano no tiene mucho lucimiento.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> El concierto fue presentado por Padilla y por el primer violín del Petrus, Pablo Saraví, y pese a que se pìdió que no aplaudieran entre movimientos, muchos lo hicieron…(de paso, es regla en el Jockey: saco y corbata). El Petrus es un notable cuarteto, integrado además por Hernán Briático (violín II), Adrián Felizia (viola) y Gloria Pankaeva (violoncelo). Fue valioso iniciar la velada con el Adagio y fuga en do menor, K.546, de Mozart, cabal expresión del compositor en su total madurez, cuando había asimilado con entusiasmo las enseñanzas contrapuntísticas de Bach; es música austera, intensa y dramática. Y los artistas la llevaron a cabo con toda solvencia. Los escuché en otras ocasiones en el bien conocido y magnífico Cuarteto Nº6, Op.96, “Americano”, de Dvorak, música comunicativa, romántica, habilísima; lo hacen muy bien, con una natural compenetración de instrumentistas de ley. Y sin patrón comparativo, creo que también ellos y la pianista cumplieron a conciencia con su misión de permitirnos escuchar este Granados camarístico.</span></span></p>
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<p style="text-align:center"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><img alt="" src="/src/media/images/Agenda/74968_68-2.jpg" style="height:388px; width:640px" /></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> En el Salón Dorado del Colón se inició una serie denominada Claude Debussy Esencial de cámara, Homenaje a 100 años del fallecimiento de Claude Debussy, y al parecer lo armó la pianista Anaïs Crestin, que intervino y lo presentó. Tal como disponen las sillas no se ve nada, sólo se escucha; ¿es tan difícil hacer el esfuerzo de colocarlas con suficiente desfasaje para que se pueda ver y no sólo escuchar? Es poco inteligente. Al menos en este primer programa, lo de “esencial” sobra, más bien se estiró mediante arreglos lo que hay instrumental de Debussy para llegar a cuatro programas, pero los siguientes serán más sustanciosos. Y vale la pena continuar yendo. En esta ocasión los artistas fueron muy satisfactorios: Crestin, Matías Villafañe (violoncelo), Julio Domínguez (violín) y Emiliano Barri (saxofón) estudiaron a fondo las obras y las presentaron con segura técnica, musicalidad y afinidad con el estilo, que en este programa varió entre lo incipiente y lo ya asentado. Pero creo que hubiera sido mejor dar tres programas y no rellenar.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> El programa se inició con un breve “Romance” massenetiano original para piano y transcripto por Gretchaninov para violoncelo y piano. Hay una “Romance” a secas pero la que se tocó parece ser la Romance “Silence ineffable” (con texto de Paul Bourget, grabada por Gedda y Ciccolini en su original y por Piatigorsky y Pavlovsky en la transcripción; data de 1884, los 22 años del compositor). Para los mismos instrumentos, pero sin transcripción, un Nocturno y Scherzo que duró 5 minutos; fue redescubierto en los años 80; me extrañó que hubiera poca diferencia de carácter y rapidez entre los dos fragmentos; no lo conocía. Es de 1882, inédito en vída del autor; lo grabó Rostropovich con Dedyukhin. Luego, la Rêverie para piano de 1990 se escuchó en una transcripción para violín y piano no especificada (me figuran grabadas varias transcripciones para distintos instrumentos, pero ninguna para esta combinación). El célebre preludio “Minstrels” (Libro 1º, Nº12) se escuchó en arreglo de Alberto Bachmann para violín y piano y me resultó poco satisfactorio. Otro Preludio, el delicioso “La doncella de cabellos de lino” (Libro 1º, Nº8), se escuchó en violín y piano, transcripción correcta de Léon Roques (aunque las grabadas por eminentes violinistas son las de Hartmann y Heifetz). Se escucha raramente la Rapsodia para saxofón y orquesta de 1901, revisada en 1908 y es una lástima, ya que resulta una pieza imaginativa bien del estilo maduro debussyano y el saxofón es un muy atrayente instrumento demasiado poco utilizado por los compositores académicos; en este caso Roger-Ducasse colaboró en la orquestación. Me pareció atinada la reducción para saxofón y piano de Vincent David; no pude cotejar pero la palabra “reducción”, no “transcripción”, parece significar que tiene cortes con respecto al original; y no encontré grabación. Por último, una sorpresa para mí, el Trío para violín, violoncelo y piano en Sol mayor, escrito a los 17 años pero descubierto en los años 80; si bien figura como “Primer Trío” en grabaciones recientes, no hubo segundo. Es una obra simpática, de cuatro movimientos tradicionales, dura 22 minutos y nada hay en ella del impresionismo posterior. Es la creación de un estudiante talentoso. Insólitamente, está grabada no menos de 8 veces; con Debussy sucede lo mismo que con otros grandes clásicos, se graba absolutamente todo lo que compuso y no destruyó. Señal de que hasta a un crítico veterano se le escapan muchas liebres. El mundo de la música académica es gigantesco y jamás se conoce a fondo. Eso es lo fascinante: uno sigue aprendiendo día a día.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><strong><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Pablo Bardin</span></span></strong></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">PH portada: Arnaldo Colombaroli</span></span></p>
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description<p>Gestión de módulos en el Panel de Control</p>
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