El "Festival 2018" Cientos de sueños se apoderaron un día del CCK
Ph: Federico Kaplun
Bajo la batuta de maestros de importante trayectoria, casi 700 chicas y chicos de todo el país participaron de un emotivo y esperanzadorl cierre de “El Festival 2018” en el CCK. Venían de compartir una semana plagada de actividades y seminarios en la ciudad Chascomus, Capital Nacional de las Orquestas Infantiles y Juveniles.
Saliendo de los camarines, luego de saludar y felicitar a los maestros por el concierto increíble que habían tenido, me detiene Andrés González, Coordinador Académico de “El Festival 2018” y me dice: "mira como van los muchachitos llorando por ahí... te acuerdas?", y efectivamente, recorrer los pasillos detrás del escenario del CCK, era hacerse paso entre cientos de chicos emocionados, era pedir permiso para pasar entre abrazos y lágrimas de nuevos amigos, esos que nacieron entre intercambios profundos y valiosos, compañeros que sólo se tienen cuando hacés orquesta, cuando la música forma parte de tu vida, cuando comenzás a cosechar compañeros de fila. Lo recuerdo, y lo recuerdo tanto, que es ese el motor que 15 años después de dejarlo, me sigue moviendo en cada proyecto cultural que tengo el placer de acompañar. El Sistema te marca, te cambia y te hace creer y saber que todo es posible.
Para los que no se imaginan la experiencia, El Festival 2018, era la sexta edición de una actividad organizada por La Fundación Sistemas de Orquestas Infantiles y Juveniles de Argentina, en la que casi 700 músicos se juntan en la Ciudad de Chascomús (nombrada Capital Nacional de las Orquestas Infantiles y Juveniles por el Senado y la Cámara de Diputados de la Nación Argentina. Ley 27422) durante una semana. Todos estos chicos provenientes de distintas provincias del país (unos haciendo muchísimo esfuerzo para estar presentes) reciben capacitaciones, talleres, clases magistrales, seminarios y participan de encuentros, ensayos y conciertos, acompañados de los más respetados y reconocidos maestros del país.
La Fundación SOIJAr es una ONG sin fines de lucro, fundada por la Maestra María Valeria Atela y avalada por el Maestro José Antonio Abreu, que nuclea el acompañamiento de orquestas-escuela a nivel nacional que trabajan bajo esta metodología, brindando herramientas y oportunidades de desarrollo y crecimiento técnico-instrumental a niños, niñas y jóvenes de todo el país de manera completamente gratuita. Pero, como todas las cosas que están bien hechas, planteadas estratégicamente y pensadas para ser brindadas con altos estándares de calidad, cada acción está vinculada a los maestros más importantes a nivel nacional e internacional, así como, a las instituciones más relevantes en el ámbito clásico del país, ratificando que una misión completamente social que promueve la inclusión y la integración a través del arte, puede generar programas y resultados de excelente calidad académica y técnica, permitiendo proyectar el futuro profesional de lo que se convierte en una siembra inagotable de músicos de calidad, que crecen con importantes nociones de solidaridad, respeto, disciplina, trabajo en equipo, en una escuela de ciudadanía, movidos por la pasión que la música genera en quien la descubre y la deja entrar en su vida.
Si dimensionamos que todo este contenido trasciende y salva, y que miles de chicos y jóvenes en distintas situaciones y contextos sociales bastante vulnerables, encuentran un espacio en el que se les incentiva, se les demuestra que hay otros caminos, que pueden ser ellos los que nutren el alma de muchos, un espacio en el que se revaloriza el poder de escuchar al otro, el de la comunicación, el respeto, un espacio en el que todos los conceptos humanos y ciudadanos se practican en orquesta, en el que el lenguaje es musical a través de claves, figuras y notas, y el trabajo, sí o sí, es en conjunto. Ahí se entiende la increíble misión de esta organización.
Es luego de este planteo, cuando se puede entender esa maravillosa experiencia de vivir la música, crecer y compartir con personas que sienten el mismo amor por su instrumento que vos, qué tienen las mismas ganas de perderse en el sonido, que de vez en cuando reniegan de la disciplina necesaria y que en ese momento de intercambio, al ser parte de una orquesta, se convierten en uno. Muchos poniendo todo de su parte para ser uno. Una orquesta que conmueve, que transmite, que inspira. Eso fue un poco lo que la Sala Sinfónica del CCK, con las butacas repletas y ahogadas de emoción y aplausos, tuvo el placer de disfrutar.
Bajo la batuta de maestros de importante trayectoria en el ámbito clásico del país, con carreras y proyección internacional, estos ejemplos de humildad y determinación, son un foco que iluminan a las casi 700 personas que participan de “El Festival 2018”, y que más allá de compartir sus conocimientos durante la semana de actividades y seminarios, despliegan su maestría al dirigir las tres orquestas de la VI Edición: la Infantil, la Juvenil y la Mega Orquesta.
Sorpresivamente, estos cientos de chicos subían al escenario de la Sala Sinfónica del CCK, para todos la primera vez en este importante espacio artístico/cultural porteño (a pocos días de recibir en ese mismo escenario a la legendaria Patti Smith), para otros la primera vez en un concierto de esta magnitud, todos orgullosos de haber trabajado junto a su orquesta, a sus referentes, maestros, familiares y la comunidad en cada una de sus provincias.
Brillantes, apasionados, con sus espíritus inmensos y la disciplina intacta, los niños, niñas y jóvenes, se apoderaron de sus instrumentos, del repertorio y del momento, para arropar a sus Maestros, quienes dirigían con total entendimiento y empatía de lo que implica tener bajo su batuta entre 300 y 500 músicos en cada caso.
Repertorio de la Orquesta Infantil de "El Festival 2018"
Piotr Illich Tchaikovsky: Obertura 1812, op. 49 (arreglo: A. Carter). Dirigido por el Maestro Hadrian Avila Arzuza
Arturo Márquez: Danzón n° 2 Dirigido por la Mtra. María Valeria Atela
Orquesta Juvenil de “El Festival 2018”
Richard Wagner: Obertura de Los maestros cantores de Nüremberg
Igor Stravinsky: Final de El pájaro de fuego
Jacques Offenbach: Obertura de Orfeo en los Infiernos
Director invitado: Luis Gorelik
Mega Orquesta de “El Festival 2018”
Sonia Possetti: Bullanguera (versión de la compositora especialmente dedicada a la Orquesta-Escuela de Chascomús en su 20º Aniversario) Dirigido por Luis Gorelik
Himno de la Alegría, Arreglo del 4° Movimiento de la 9° Sinfonía de Ludwig van Beethoven. Dirigido por la Mtra. María Valeria Atela.
Es ese sentido humano el que acerca más público a la música académica, es esa entrega (que no tiene espacio para la demagogia) la que acerca a más jóvenes a la música académica. El futuro de nuestra "movida clásica" argentina, un presente mucho más visceral de las filas de cuerdas, vientos y percusión de los futuros profesionales a lo largo y ancho del país.
Sin dudas, la Fundación SOIJAr es una muestra de que los fines sociales y artísticos, bien aplicados, son cosechas invaluables. SOIJAr sabe y cree en lo que hace.
Nuova Harmonia continuó su temporada con dos notables conciertos camarísticos con la Orquesta de Cámara de la Filarmónica Checa y por el Sestetto Stradivari. Además, el Club Sirio Libanés en su ciclo clásico presentó al violoncelista Claudio Baraviera con la pianista Agustina Herrera y hubo una grata Schubertiada en el ciclo Intérpretes Argentinos de domingos a la mañana en el Colón. Ésta es una selección personal en la miríada de conciertos de cámara que ofrece Buenos Aires semana a semana, y obviamente siempre hay algunos que lamento no poder escuchar. Por Pablo Bardin.
Desde hace varios años el Grupo Ars ofrece una Gala de Ballet en el Coliseo en Agosto; solía rivalizar con la Gala del Colón, pero Herrera la canceló el año pasado y tampoco la hay este año. La que comento es la VIII Gala Internacional de Buenos Aires y se ofreció el 24 y el 25 de agosto; vi la del 25. Ni la de 2018 ni la de 2017 están entre las mejores, ya que en ambas faltó una figura de especial brillo y personalidad; si la del año pasado adoleció de un exceso de fouettés remanidos, la de esta temporada tuvo puntos altos como Ciro Tamayo y otros flojos en coreografía y baile, pero paradójicamente lo más notable fue lo menos cercano a ya sea el ballet clásico o la danza moderna: Amir Guetta y Hemda Ben Zvi, atletas circenses con algo de danza.
Semanas atrás inicié un artículo en dos partes sobre conciertos sinfónicos con tres veladas de la Filarmónica. Hoy lo completo refiriéndome a otros cuatro conciertos: dos de la Sinfónica Nacional, uno de la Orquesta del SODRE y uno de la Estable del Argentino. Por Pablo Bardin.
La principal función de MusicaClasicaBA es fomentar la interacción entre músicos, agentes del sector público y privado y el público en general, permitiendo afianzar los lazos culturales y artísticos de nuestra región.
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<p style="text-align: center;"><strong><span style="font-size:16px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000">Nuova Harmonia continuó su temporada con dos notables conciertos camarísticos con la Orquesta de Cámara de la Filarmónica Checa y por el Sestetto Stradivari. Además, el Club Sirio Libanés en su ciclo clásico presentó al violoncelista Claudio Baraviera con la pianista Agustina Herrera y hubo una grata Schubertiada en el ciclo Intérpretes Argentinos de domingos a la mañana en el Colón. </span></span></span></strong></p>
<p style="text-align: center;"><strong><span style="font-size:16px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000">Ésta es una selección personal en la miríada de conciertos de cámara que ofrece Buenos Aires semana a semana, y obviamente siempre hay algunos que lamento no poder escuchar.</span></span></span></strong></p>
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<p><strong><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Por Pablo Bardin.</span></span></span></strong></p>
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<p style="text-align: center;"><img alt="" src="/src/media/images/Agenda/fabtoni.jpg" style="height:533px; width:800px" /></p>
<p style="text-align: center;"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="font-size:12px">PH: Enrico Fantoni</span></span></span></p>
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<p style="text-align: justify;"><strong><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">ORQUESTA DE CÁMARA DE LA FILARMÓNICA CHECA</span></span></span></strong></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"> El solo hecho de ser un desprendimiento de la espléndida Orquesta Filarmónica Checa me generó confianza en este conjunto. Tengo una reserva con respecto al difundido uso del término Orquesta de cámara a lo que es una Orquesta de cuerdas, como en este caso. La verdadera orquesta de cámara es la perfecta para las sinfonias clásicas de Mozart y Haydn con maderas, bronces y timbales y unos 35 a 45 ejecutantes. Tal como vino a Buenos Aires, estuvo integrada por 4 primeros violines, 3 segundos, 2 violas, 2 violoncelos y 1 contrabajo; total 12. Suficiente para música clasicista pero algo parca para románticos; quizá sea más grande en Praga. El concierto tuvo lugar el 23 de agosto.</span></span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"> Surgió en1977 fundada por Pavel Prantl; desde 1988 a 1995 se presentó dirigida por el concertino Petr Skvor, y en 1996 regresó Prantl hasta su muerte en 2008. Desde entonces su concertino y director artístico es Vlastimil Kobrle.</span></span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"> El programa empezó y terminó con obras valiosas poco tocadas, tuvo a dos obras de muy frecuente ejecución y se complementó con tres piezas del Dvorák más liviano. Fue muy justo que se iniciara con una figura clave de la historia orquestal y de la sinfonía: Johann Wenzel Stamitz para los alemanes, Jan Vaclav Stamic para los checos. Una corta vida le bastó para dejar honda huella: 1717-57, del final del rococó al primer clasicismo. Nació en Bohemia, estudió en la universidad de Praga y luego convirtió a la Orquesta de la Corte del Príncipe Elector Carl Theodor de Mannheim en un modelo para Europa, con gran influencia sobre Mozart. Según Peter Gradewitz en el Diccionario Grove, Stamitz escribió 74 sinfonías, y si bien influido por Sammartini, desarrolló la forma sonata, la secuencia de movimientos sinfónicos de las sinfonías clásicas intercalando el minué a los tres movimientos rápido-lento-rápido, creando un nuevo estilo de ejecución, mayor contraste entre temas, y más diálogo entre grupos de instrumentos. Su música es vigorosa, melódica, dinámica y bien construida. Escuchamos la Sinfonía Nº1, en sol mayor, op.3 Nº1, W.QS-3, escrita entre 1751 y 1754; si bien firmada por Stamitz hay quien la atribuye a Giovanni Sammartini y Antoine Mahaut; sin embargo hay un manuscrito en la biblioteca de los Príncipes Thurn und Taxis que incluye un Minué con Trio. En Buenos Aires los checos la tocaron en tres movimientos: un Allegro con tema inicial directo y rítmico y uno complementario melódico, un Larghetto (Andante sempre piano) expresivo y armonioso y un Presto jubiloso de fuerte impulso. La sinfonía es la primera de la serie denominada de Mannheim. En la versión puede objetarse que no trajeron clave, pero éste es de mero apoyo y traerlo para sólo esta obra no parece indispensable. El conjunto, sólo caballeros, guiado con firmeza por Kobrle, se reveló homogéneo, afinado y ajustado.</span></span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"> Las Danzas folklóricas rumanas, SZ (catálogo Szöllösy) 56, BB 58 y 76, de Béla Bartók, si bien originales para piano, se han hecho famosas en el arreglo para cuerdas de Franz Willner, con lucimiento para el concertino, y la Camerata Bariloche las tocó década tras década; son probablemente lo más conocido del siglo XX para conjunto de cuerdas. Conviene señalar que este grupo, como nuestra Camerata, decidió que los violines y violas toquen parados, presumiblemente para estar más alertas. Kobrle se lució en los difíciles solos y todo el grupo se integró al estilo intenso y comunicativo bartokiano con gran solvencia.</span></span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"> En cuanto al Divertimento K.136 de Mozart, es in duda la obra más tocada de todo el repertorio para cuerdas. Junto con K.137 y 138 son la creación de un adolescente de 16 años de inmenso talento. Como los tres divertimentos tienen tres movimientos, algunos los llaman sinfonías de Salzburgo, donde fueron compuestas (generalmente el divertimento tiene más partes). Puede extrañar que se toque menos que la famosa “Una pequeña música nocturna” pero así es. La interpretación de los checos estuvo entre las muy buenas escuchadas en nuestra ciudad.</span></span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"> Hay un prejuicio que no comparto con respecto a la música de salón. Sin pretender que sean piezas indispensables, es abundante y raramente escuchada la música de salón para pìano escrita por Sibelius, Tchaikovsky y Dvorák; sugiero a los lectores que traten de conocerlas: pasarán muy agradables momentos. Una de esas piezas entusiasmó a algunos y de allí pasó a ser gustada por muchísimos: la Humoresque Nº 7 de las ocho del ciclo de Dvorák se difundió enormemente en muchos arreglos, sobre todo para violín y piano; pero también los hay para orquesta de cuerdas y es lo que escuchamos. Música muelle y dulce aunque con ritmo, los checos la tocaron con fruición. Las “Humoresques” son de 1894, los Ocho valses de 1879-80. En este caso fue el compositor quien arregló el primero y el cuarto para cuarteto, fácilmente adaptable para conjunto de cuerdas añadiendo contrabajo. El primero, Moderato, es melancólico y expresivo; el segundo, Allegro vivace, brillante y dinámico; ambos son exquisitos. Y los checos los comunicaron con una naturalidad muy convincente.</span></span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"> Lo mejor estuvo al final: la Suite para cuerdas, JW 6/2, de Leos Janácek, escrita a los 23 años en 1877 y ya demostrativa del talento y fuerte personalidad del compositor moravo, quien recién se haría famoso a partir del estreno de su ópera “Jenufa” décadas más tarde. La obra se toca raramente aquí, aunque tiene muchas grabaciones, no menos de 15; en 1958 la estrenó Teodoro Fuchs con la Orquesta de Amigos de la Música. (La otra suite de Janácek, “Idilio”, fue creada al año siguiente; la estrenó en mi ciudad la Orquesta de Cámara de Hamburgo en 1966). En seis movimientos, primero Janácek quiso relacionarnos con danzas barrocas, pero luego, salvo el habitual Preludio, eliminó las referencias por considerar que él se había alejado demasiado de la presunta danza evocada. Los 22 minutos de música fluyen espontáneos, con claro dominio de la armonía y la textura de cuerdas y ya con aspectos que sugieren el Janácek futuro. El Preludio, Moderato, se inicia en los instrumentos graves y luego los violines cantan una bella melodía. El Adagio está sutilmente expresado por violines y violas. Un Andante con moto pastoral y de raíz folklórica es sucedido por un Scherzo, Presto, donde aparece la veta áspera e inquietante del lenguaje de fuertes contrastes posterior, ya que se complementa con un tema central tranquilo. Un Adagio meditativo lleva al Andante final melancólico y de armonías muy trabajadas. La noble interpretación del conjunto checo fue lo más logrado de la noche.</span></span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"> Un público entusiasta aunque algo escaso obtuvo tres piezas fuera de programa: el rápido y chispeante tercer movimiento del Divertimento K. 138, muy bien tocado; un arreglo poco feliz de “Escualo” de Piazzolla donde no los encontré cómodos; y un brevísimo y sorprendente Pizzicato de Gluck; creo sin seguridad que es de su notable y avanzado ballet “Don Juan”, cuya escena final del encuentro con el Comendador es similar a la Danza de las furias de “Orphée et Eurydice”. En suma, una visita positiva que nos puso en contacto con la musicalidad atrapante de los checos.</span></span></span></p>
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<p style="text-align: center;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><img alt="" src="/src/media/images/Agenda/ses.jpg" style="height:533px; width:800px" /></span></span></span></p>
<p style="text-align: center;"><span style="color:rgb(0, 0, 0); font-family:verdana,geneva,sans-serif; font-size:12px">PH: Enrico Fantoni</span></p>
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<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"> En cierto modo hubo una conexión con el siguiente concierto, del Sestetto Stradivari: si los checos nos referían a su Filarmónica, los Stradivari son miembros de esa admirable institución, la Orquesta de la Academia Nacional Santa Cecilia. La tuvimos con Antonio Pappano hace dos años, confirmándome lo que una anterior visita con Lorin Maazel y un gran concierto en Roma con Previtali y Backhaus en 1954 me habían comunicado: que son una orquesta de primer nivel internacional. Curiosamente tanto el primer violín como el primer violoncelo se apellidan Romano, probablemente son hermanos, y son los de mayor intensidad y dinamismo en un grupo de alto nivel. David en violín y Diego en violoncelo dialogan y comunican sus fraseos a un grupo atento e integrado. Los secundan Mabrlène Prodigo en segundo violín, Sara Gentile en segundo violoncelo, David Bursack y Raffaele Mallozzi en violas (el programa no aclara quién es primero y quién segundo). El sexteto fue fundado en Diciembre 2001 y tuvo el privilegio de tocar en instrumentos Stradivari; de allí su nombre (supongo que los siguen utilizando).</span></span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"> Cierta foto muy descontracturada del sexteto en la tapa del programa parece haber inducido a Elisabetta Riva, Directora Artística del Coliseo, a conclusiones erróneas. Expresa: “Con una imagen renovada y juvenil, el Sestetto Stradivari nos invita a un juego entre formal e informal. Moderno y antiguo, buscando un nuevo lenguaje visual en la forma de comunicar y difundir la música clásica, superador de cualquier dicotomía.” Y no es así: los cuatro caballeros de riguroso negro, las dos damas con elegantes trajes rojos, tocaron de modo concentrado y de aspecto habitual, sin nada que sugiera lo que escribe Riva. La música de cámara debe tocarse así: no necesita de ningún aspecto visual especial, sólo adecuada luz, ambiente grato, acústica correcta. No es un show; o el oyente se entrega a ella o es mejor que no vaya, no hay que atacar su esencia.</span></span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"> El sexteto de cuerdas es en principio una textura de gran riqueza, que permite fortalecimiento armónico, contrapuntos, colores especiales. Sin embargo el repertorio es muy chico, con apenas cinco obras de grandes autores y difusión: tres de ellas, todas alemanas, fueron tocadas la noche del 3 de septiembre: el Sexteto de la ópera “Capriccio” de Strauss, “Verklärte Nacht” (“Noche transfigurada”) de Schönberg, y el Sexteto Nº2 de Brahms. Las otras son el Sexteto Nº1 de Brahms y “Souvenir de Florence” de Tchaikovsky. Existen obras a explorar, pero sólo estas cinco se destacan.</span></span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"> El Sexteto de “Capriccio” es en realidad el Preludio con el que se abre esa extraña ópera en un acto que dura dos horas y media y está definida como ”una conversación en música”, escrita por el libretista Clemens Krauss y el compositor Richard Strauss, en plena Segunda Guerra Mundial. Ejemplo máximo de escapismo refinado, el sexteto está “compuesto” por un músico enamorado de la Condesa, que lo está escuchando. Esta música íntima, tardorromántica aunque ambientada en el siglo XVIII, entrelaza bellos motivos sólo interrumpidos por un arranque dramático de un minuto antes de volver a su contemplación. La versión del Stradivari fue minuciosa y correcta aunque todavía no han penetrado toda la sutileza de la obra.</span></span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"> En cambio entendieron cabalmente esa extraordinaria partitura de Schönberg, un poema narrativo que está basado en un texto de Richard Dehmel sobre la confesión de infidelidad de una mujer a su esposo. En el absoluto límite del cromatismo y con asombrosa penetración psicológica, la música nos lleva a través de las vicisitudes emocionales de la pareja con una inventiva melódica, armónica y textural que hacen de ella una obra maestra y la más famosa de Schönberg, tanto en su versión de cámara de 1899 como en su orquestación posterior. Es expresionismo puro. Y aquí la intensidad y dinamismo de los Romano supo captar las esencias de la obra y todo el grupo tocó creyendo en la partitura a través de sus múltiples cambios de tempo y de sentimiento. Fue una gran versión.</span></span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"> El segundo Sexteto de Brahms, en Sol mayor, op.36, data de 1864-5 y se distingue por su compleja trama. No es tan expresivo como el Nº1, cuyos dos primeros movimientos llegan de modo muy inmediato al oyente; resulta más intelectual y técnico, con mucho contrapunto; pero también tiene cierto encanto en momentos contrastantes y reflexivos. Los dos elementos del Scherzo tienen una extraña característica: es el Scherzo y no su Trío el que tiene un carácter tranquilo; el Trío es un Presto giocoso difícil y brillante. El tercer movimiento, Poco adagio, es un tema con cinco variaciones y coda; el tema no me parece interesante, pero sí lo son las variaciones, muy imaginativas y yendo de lo sombrío a lo luminoso. El movimiento final es una forma sonata con algo de rondó por las repeticiones. El Stradivari expuso la obra de Brahms con inteligencia, cohesión y profesionalismo.</span></span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"> No está de más recordar que a través del tiempo Italia ha generado notables conjuntos de cámara: el Trío de Trieste, el Cuarteto Italiano, el Quinteto y Sexteto Chigiano, el Cuarteto Beethoven (piano y cuerdas). Cuando la natural vehemencia italiana es controlada por el conocimiento y la disciplina los resultados pueden ser fascinantes.</span></span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"> </span></span></span></p>
<hr />
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<p style="text-align: justify;"><strong><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">CLUB SIRIO LIBANÉS</span></span></span></strong></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"> En Ayacucho a una cuadra de Las Heras está el Club Sirio Libanés, un elegante edificio que en su primer piso tiene un ámbito con mucho mármol y madera que se usa entre otras cosas para ofrecer conciertos mensuales clásicos con programación ecléctica, a veces crossover, coordinada por María José Maito. No es cómodo el modo de acceso porque la gente se acumula parada en planta baja, y casi sobre la hora hay que subir la amplia escalera para ubicarse sin lugar fijo, pero el ciclo tiene éxito, que ya la sala estuvo llena el 7 de agosto. Cuando uno sube se encuentra con un salón que tiene dos laterales con las sillas en hileras haciendo algo así como un anfiteatro cando se unen a la sección central. El año pasado pude apreciar allí un notable concierto del Cuarteto Gianneo; esta vez me atrajo el retorno de un artista por quien tengo gran respeto: el violoncelista argentino Claudio Baraviera. Vive en Sevilla desde hace 18 años, donde es primer atril de la Orquesta Real de Sevilla. Artista veterano, estudió con el notable maestro argentino José Puglisi y se perfeccionó en Moscú donde estudió durante seis años en el Instituto Gniesen. Al volver a Argentina en 1982 fue violoncelo solista de la Orquesta de Cámara Mayo y tras un posgrado en Moscú regresó aquí y fue primer atril de la Sinfónica Nacional desde 1991 hasta 2001. A partir de entonces estuvo en Sevilla pero venía con su esposa Vera Anosova a dar recitales. Esta vez su acompañante fue la pianista Agustina Herrera, de amplia carrera en Argentina y el exterior. Estudió con muy variados maestros en Argentina y en Freiburg, tales como Béroff, Votapek, Sancan, Ljerko Spiller y Nicolás Chumachenco. Recitales, cámara, solista con orquestas y docencia han signado una vida muy ocupada. Actualmente dicta cátedras de piano y cámara en el Conservatorio Manuel de Falla. Baraviera y Herrera formaron el dúo en 2007.</span></span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"> La Primera Parte se inició con la Sonatina en re mayor D.384 de Schubert, que es para violín y piano, pero la adaptación al violoncelo sonó muy bien (supongo que será la de Wispelwey, no me figura otra grabada); es parte de una serie de tres. En realidad la obra que generalmente se toca es la llamada Sonata Arpeggione, instrumento en desuso reemplazado por el violoncelo. Esta Sonatina es una obra fresca e inspirada en tres movimientos, que permiten destrezas varias en los Allegros y melodía cantante en el Andante. Ya en esta obra pude advertir que la cabeza nevada y noble de Baraviera sigue siendo la de un artista de gran calidad, cuya técnica se mantiene incólume así como su transparente sentido musical; su sonido claro y grato y su afinación y articulación tan cuidada no ha cambiado, demostrando la solidez de su formación. Por su parte, la pianista tocó con gran precisión y ajuste su gratificante música.</span></span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"> Constantino Gaito (1878-1945), formado en el Conservatorio San Pietro a Majella de Nápoles, fue un compositor argentino destacado, con óperas, ballet, oratorio y música de cámara realizadas con técnica segura. Fundó el Conservatorio Gaito (de niño me dio clases de piano elemental) y fue destacado profesor de composición para creadores como Gianneo, Juan José y José María Castro. La Sonata op.26 para violoncelo y piano (que Herrera grabó, no se aclara si con Baraviera) es una obra contundente, con muchos acordes plenos del piano, poderosa y con alguna reminiscencia tanguera en el primer movimiento, melódica en el Andante sostenuto y turbulenta en el Allegro moderato final. Me pareció muy bien tocada por ambos artistas. </span></span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"> La Segunda Parte se inició con un Adagio de Shostakovich, Nº1 de las Dos piezas escritas en 1951; una melodía muy expresiva que figura en la Suite de ballet Nº2, según creí reconocer; fue tocada con un cálido cantabile de Baraviera. El programa se completó con la tardía Sonata para violoncelo y piano, op.119, de Prokofiev, obra de envergadura de la escuela rusa. El Andante grave inicial es extenso, profundo y meditativo pero con elementos complementarios de intensidad dramática. El Moderato siguiente parece un Scherzo más lento por su jovialidad con pizzicato, aunque luego se hace muy melódico. También es amplio el Allegro ma non troppo concluyente, de variado material y con la inconfundible marca agridulce del compositor; me dio la impresión de que quizá se hizo un pequeño corte pero no lo pude comprobar. Tuve la suerte de escucharla por primera vez en vivo por Rostropovich y Dediovkhin en Abril 1961 y profundizar su conocimiento con la magnífica versión grabada de Piatigorsky y Firkusny. Y tras muchos años sin volverla a escuchar, me dio gran placer la versión del dúo argentino: responsable, internalizada, técnicamente muy trabajada y comunicativa. La pieza extra nos permitió gozar con la melodía de “El cisne” de Saint-Saëns, con piano en vez de arpa acompañante. En suma, un logrado recital de artistas admirables.</span></span></span></p>
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<p style="text-align: justify;"><strong><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">TEATRO COLÓN</span></span></span></strong></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"> Una de las iniciativas positivas de los últimos años es la serie de conciertos matutinos en ciertos domingos y con gratuidad que ofrece el Colón. La calidad es con frecuencia de buena para arriba y suele tener una razonable cantidad de público; la contrapartida es que muchos están poco informados y aplauden a destiempo y que, a diferencia de lo que ocurre en conciertos pagos, dejan pasar a bebes, lo cual es un disparate siempre. </span></span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"> La Schubertiada del 22 de julio convocó a artistas de primer nivel y fue muy exitosa. De por sí, la idea de escuchar música de Schubert bien seleccionada y evocando las reuniones que el propio compositor hacía con sus amigos es lógica y si hecha con buen criterio es uno de los grandes placeres de la música. Así ocurrió en esta ocasión, en la que una selección de Lieder con la soprano Carla Filipcic Holm y el pianista Pierre S. Blanchard fue complementada por el famoso Quinteto “de la trucha” con tres de los integrantes del Cuarteto de Amigos (Haydée S. Francia, violín; Elizabeth Ridolfi, viola; Myriam Santucci, violoncelo), Blanchard y el contrabajista Hugo Asrin.</span></span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"> Filipcic Holm es sin duda nuestra soprano que mejor conoce y canta el repertorio schubertiano, ya que tiene un bello y personal timbre, acendrada musicalidad y perfecto dominio del idioma; aunque en un teatro tan vasto como el Colón, a veces su voz no se proyecta con suficiente volumen en ciertos pasajes, sobre todo en el grave. Los Lieder que eligió fueron siete y equilibraron los famosos con los poco conocidos. Por supuesto empezó con “Die Forelle” (“La trucha”), citada en el Quinteto, y lo hizo con gracia y liviandad. Siguió el oscuro mundo de “Der Tod und das Mädchen” (“La muerte y la doncella”), uno de los más dramáticos, donde acertó con el clima amargo pero faltó algo de peso en las intervenciones de la Muerte. La muy bella melodía de “Romanze” procede de “Rosamunde” (no lo aclaraba el programa), y se añade a la magnífica música incidental orquestal que se conoce para el drama de Wilhelmina Von Chézy; fue admirable la línea de canto de la soprano. Hay que lamentar que los programas de esta serie no contengan comentarios, ni haya supertítulos, ya que la mayoría de la gente se quedó en ayunas con respecto a los contenidos de los Lieder. La cultura gratis tiene los mismos requisitos que la paga. Una pieza poderosa y raramente escuchada es “Die Allmacht “(“Omnipotencia”), de clima fuertemente dramático y bastante extensa; fue cantada con garra y toda la voz. Luego, un Lied rápido y saltarín, “Rastlose Liebe” (“Amor incesante”), con texto de Goethe, cambió el ánimo hacia la turbulencia emocional. El penúltimo Lied fue el reflexivo y lento “Nacht und Träume” (“Noche y sueños”), antes de finalizar con el estupendo “Der Musensohn” (“El hijo de las musas”), también con texto de Goethe, cuyo estribillo ritmado rápido obliga a la hábil articulación del texto y cuyo acompañamiento de breves y dinámicos trazos es sólo para pianistas de primer rango. Filipcic Holm venció el desafío y cerró la serie con brillo. Blanchard es un pianista francés que se radicó aquí en 2007; tiene una magnífica técnica, así como profundo conocimiento del repertorio; ha aplacado su lado espectacular que le advertí en otras presentaciones y enhorabuena. Sus ejecuciones tuvieron ritmo, sensibilidad para lograr climas, hábil manejo del pedal y dedos muy ágiles y precisos. </span></span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"> Era de esperar una muy buena versión del Quinteto con un pianista de su talento y los instrumentistas de cuerda, ya que las miembros del Cuarteto además de amigas son artistas de límpida técnica y excelente formación y Asrin es un buen contrabajista, y así fue. Sin embargo, hubo dos detalles: al principio mismo un desfasaje obligó a parar y volver a comenzar; y aplausos desmedidos e incorrectos al final del primer movimiento hicieron que interrumpieran los ejecutantes el principio del segundo. Sigo creyendo que habría que hacer lo que pidió Barenboim en un concierto que dio en la Ballena Azul; anunciar por micrófono que se pide al público que no aplauda entre movimientos, ya que molesta a los artistas y a la comprensión de la música. Los cinco movimientos se desarrollaron con toda felicidad de acuerdo a su respectivo carácter, con fraseos naturales y evidente placer por parte de los músicos.</span></span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Pablo Bardin </span></span></span></p>
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created2018-09-22
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titleUna gala de Ballet despareja
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categoryReseñas
short_descDesde hace varios años el Grupo Ars ofrece una Gala de Ballet en el Coliseo en Agosto; solía rivalizar con la Gala del Colón, pero Herrera la canceló el año pasado y tampoco la hay este año. La que comento es la VIII Gala Internacional de Buenos Aires y se ofreció el 24 y el 25 de agosto; vi la del 25. Ni la de 2018 ni la de 2017 están entre las mejores, ya que en ambas faltó una figura de especial brillo y personalidad; si la del año pasado adoleció de un exceso de fouettés remanidos, la de esta temporada tuvo puntos altos como Ciro Tamayo y otros flojos en coreografía y baile, pero paradójicamente lo más notable fue lo menos cercano a ya sea el ballet clásico o la danza moderna: Amir Guetta y Hemda Ben Zvi, atletas circenses con algo de danza.
description<p style="text-align:center"><img alt="" src="/src/media/images/Agenda/40158088_921836831337394_3022447724046843904_o.jpg" style="height:543px; width:800px" /></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="font-size:14px">Desde hace varios años el Grupo Ars ofrece una Gala de Ballet en el Coliseo en Agosto; solía rivalizar con la Gala del Colón, pero Herrera la canceló el año pasado y tampoco la hay este año. La que comento es la VIII Gala Internacional de Buenos Aires y se ofreció el 24 y el 25 de agosto; vi la del 25. Ni la de 2018 ni la de 2017 están entre las mejores, ya que en ambas faltó una figura de especial brillo y personalidad; si la del año pasado adoleció de un exceso de fouettés remanidos, la de esta temporada tuvo puntos altos como Ciro Tamayo y otros flojos en coreografía y baile, pero paradójicamente lo más notable fue lo menos cercano a ya sea el ballet clásico o la danza moderna: Amir Guetta y Hemda Ben Zvi, atletas circenses con algo de danza. Como de costumbre, el folleto/programa tiene amplia y buena información con biografías de los bailarines y los coreógrafos. Pero siguen sin gustarme las presentaciones desde la pantalla; muy pocos bailarines dicen algo interesante o demuestran tener una personalidad que atrapa. No deja de impresionar la nómina de los 137 artistas que se presentaron en estos ocho años y destaco dos nombres: Daniil Simkin, de asombrosa flexibilidad y humor; y Alicia Amatriain, de una gracia exquisita.</span></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="font-size:14px"> La Parte I empezó bien, con el Grand Pas de “Festival de las flores en Genzano”, bella creación del puro estilo de Bournonville: pasos pequeños, rápidos y variados, y una estructura ajena al habitual pas de deux: una multitud de minivariaciones para el caballero o la dama o para los dos, con grata música de los daneses Eduard Helsted y Holguer Simon Paulli, muy bien bailada por Melissa de Oliveira, de fina figura y notable técnica, y Tamayo, brillante, elástico y estilista. Supe que en la primera función la bailarina había resbalado; no le doy la menor importancia, ya que puede ser una imperfección del piso o de las zapatillas de baile. Los bailarines son del Ballet del SODRE.</span></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="font-size:14px"> No me atrajo el Ave Maria de Schubert como tema para una coreografía de Igal Perry creada para la compañía que fundó hace ya treinta años, Peridance Contemporary Dance Company; los pasos de danza, bailados por Craig Dionne, no tienen relación con la música elegida. Y nunca me gustó el breve dúo de Assif Messerer sobre un feo arreglo orquestal de la canción “Aguas primaverales” de Rachmaninov, donde pasos típicos de la exageración rusa terminan en una espectacular zambullida de la bailarina en brazos del bailarín; efectismo puro. Adiarys Almeida y Taras Domitrio no pertenecen a ninguna compañía, son artistas invitados internacionales (International guest artists) según reza en el programa. Salieron indemnes, en especial la bailarina.</span></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="font-size:14px"> Y aquí vino la sorpresa a cargo de Guetta y Ben Zvi, israelitas: formaron el dúo Amir y Hemda en 2012 y “crearon su lenguaje especial de movimiento que combina acrobacia, danza contemporánea y técnicas de circo con la influencia de artes marciales como capoeira”. La pieza se llama “Kiss” porque se inicia con esa canción de Prince, pero sigue muchos minutos más sin música mientras la pareja hace una sucesión inenarrable de proezas muy imaginativas y personales que fascinan por su humorismo y fantástica agilidad; es realmente algo nuevo y convincente.</span></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="font-size:14px"> Mauro Bigonzetti es un coreógrafo italiano ligado al Aterballetto y al Balletto di Toscana. Serenata (Dúo), extracto del ballet “Cantata”, tiene una desagradable música del Gruppo Azzurd y una coreografía áspera y hasta violenta, por cuanto lo de “Serenata” parece un sarcasmo. Kateryna Shalkina, del Ballet du Capitole de Toulouse, y Oscar Chacón, artista invitado del English National Ballet y del Béjart Ballet, bailaron con fiereza y mucho ensayo para no lastimarse.</span></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="font-size:14px"> El Pas de Deux “Cisne blanco”, de “El Lago de los Cisnes” de Tchaikovsky, debería llamarse Adagio, ya que es sólo eso; típica coreografía de Petipa, todo el lucimiento es de la bailarina; el bailarín es mero porteur. Aquí Almeida tuvo oportunidad de mostrar su sólida técnica clásica, y Domitro la apoyó bien.</span></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="font-size:14px"> La Parte 2 se inició con “Lacrymosa”, música del Requiem de Mozart, coreografía de Edward Stierle, con Luciano Perotto, bailarín argentino. Stierle fue bailarín del Joffrey Ballet y murió de SIDA a los 23 años; esta coreografía es un lamento ante la inminencia de su muerte; aunque me molestan las coreografías de obras sacras, le ví un sentido en este caso, con las figuraciones angustiadas y sin embargo muy vitales de ese cuerpo que pronto no tendrá vida. Perotto, nacido en 1997, argentino formado en el ISA y promovido por el Grupo Ars, ganó premios en el Hemisferio Norte y es artista revelación de esta gala; de espléndido físico y expresivo rostro, comunicó la intensidad de la coreografía con muy válidos medios.</span></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="font-size:14px"> El “Pas d´esclave” de “El Corsario” es una elegante y difícil coreografía de Petipa; figura en el programa con música de Tchaikovsky, lo cual me extraña sobremanera, ya que aquí se dio el ballet con música de Adam del estreno de 1856 y adiciones de Pugni y Delibes según la versión de Petipa de 1868 y algo de Drigo en la reposición de 1899; pero Tchaikovsky no; parece un error. De Oliveira y Tamayo bailaron el Pas con técnica segura y personalidades atrayentes.</span></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="font-size:14px"> Amir y Hemda volvieron para el dúo “Unite”, extracto del show Zoog (“pareja” en hebreo), con música que fue un mix de La Grande Cascade y René Aubry, divertida y ecléctica. Y en efecto, tras múltiples instancias “atacándose”, el dúo termina uniéndose y de prodigiosa manera, con ella apoyando verticalmente su cabeza sobre la de él. Realmente son algo excepcional.</span></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="font-size:14px"> Una coreografía tardía de Béjart fue hecha sobre una canción de Jacques Brel, que aunque belga fue un cantautor esencial de la chanson francesa punzante y amarga, con su timbre poderoso y áspero y sus letras desencantadas. “Quand on n´a que l´amour” (“Cuando sólo se tiene el amor”) da entonces el clima para un dúo de lenguaje muy contemporáneo basado sobre las fuertes y dispares emociones de una pareja. Shalkina y Chacón le dieron carácter.</span></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="font-size:14px"> “Gopak” es una vigorosa, breve y brillante danza rusa del ballet “Taras Bulba”, música de Vasili Soloviev-Sedoy y coreografía basada en el folklore de Rostivlav Zakharov. Fue bailada con bravura y desplante jubiloso por Tamayo.</span></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="font-size:14px"> Una coreografía de Edwaard Liang con típica música minimalista de Philip Glass se denomina “Wunderland” (“Tierra de maravilla”). Taiwanés, Liang fue bailarín del New York City Ballet y del Nederland Dans Theater I de Kylian, y a partir de allí no sólo bailó, también coreografió. Por tercera vez bailaron Almeida y Domitro, muy correctamente; los pasos son típicos de la escuela contemporánea de los Estados Unidos.</span></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="font-size:14px"> El Pas de Deux más remanido del repertorio es seguramente el de “Don Quijote”, música de Minkus, en especial en la versión de Petipa (tercera vez en la gala del coreógrafo); francamente me satura. Nuevamente intervinieron Shalkina y Chacón, y lo hicieron en atavíos inesperados, ella de negro, y él pareciendo más un torero gitano que Basilio. Al menos Shalkina, que es ucraniana, pudo mostrar su sólida técnica, y me gustó que bailara con abanico, le da más carácter español. Chacón, que es colombiano y de tez oscura, hace un personaje más telúrico que el habitual y baila bien, sin deslumbrar.</span></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="font-size:14px"> Resta reflexionar sobre las maneras de hacer estas galas más productivas en lo artístico. Por supuesto que sujeto al presupuesto que se tenga y el apoyo financiero que se obtenga, me parecen deseables varias cosas: una elección más rigurosa de los bailarines (demasiados no pasan de un buen nivel) y un repertorio distinto: eliminar “Don Quijote” por varios años; menos Petipa; con rusos hacer más ballets de ese origen pero del siglo XX ; una cuota razonable de danzas muy nuevas pero sobre todo explorar los grandes coreógrafos que se están dejando de lado: que se vean obras de creadores como Massine, Gsovsky, Petit, Milloss, Lifar, Ashton. También recordar los grandes innovadores olvidados como Graham o Limón. Y salir del esquema del solo o el dúo casi exclusivo para en cambio buscar danzas narrativas con varios personajes; menos obras pero más largas, con mayor sustancia, que sean un aporte; teniendo en cuenta el academicismo obsesivo del Colón y su concentración en los ballets grandes, ofrecer una contrapartida de calidad. ¿Es ajeno a una gala poner un ballet breve de cámara completo? Hay que convertir a estas galas no tanto en un desfile muy mezclado de piezas muy cortas sino en algo distinto y atrayente. Imaginar un tema para la Parte Primera, como el espíritu de los años entre las dos Guerras Mundiales, y otro contrastante para la Segunda. No es fácil, pero vale la pena intentar un cambio de enfoque.</span></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><strong><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="font-size:14px">Pablo Bardin.</span></span></span></strong></p>
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titleSINFÓNICAS NACIONAL Y SODRE Y ESTABLE DEL ARGENTINO
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categoryReseñas
short_desc Semanas atrás inicié un artículo en dos partes sobre conciertos sinfónicos con tres veladas de la Filarmónica. Hoy lo completo refiriéndome a otros cuatro conciertos: dos de la Sinfónica Nacional, uno de la Orquesta del SODRE y uno de la Estable del Argentino. Por Pablo Bardin.
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<p style="text-align:justify"> <span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"> Semanas atrás inicié un artículo en dos partes sobre conciertos sinfónicos con tres veladas de la Filarmónica. Hoy lo completo refiriéndome a otros cuatro conciertos: dos de la Sinfónica Nacional, uno de la Orquesta del SODRE y uno de la Estable del Argentino.</span></span></span></p>
<p style="text-align:justify"> </p>
<p style="text-align:center"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><img alt="" src="/src/media/images/Agenda/boggi.jpg" style="height:534px; width:800px" /></span></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><strong><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">SINFÓNICA NACIONAL</span></span></span></strong></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"> Un programa muy poco habitual fue el ofrecido por el director Pablo Boggiano el 17 de Agosto en la Ballena Azul del CCK. Fue precoz en su carrera; estudió con Benzecry en el Conservatorio López Buchardo y en la UCA y debutó a los 18 años. Luego se perfeccionó en París, en Viena con el argentino Mario De Rose (cuya prolongada ausencia aquí es de lamentar) y en Helsinki con el gran Jorma Panula, todo lo cual revela un firme deseo de aprender estilos. Fue asistente de la Sinfónica Juvenil San Martín, trabajó con la Festival Budapest Orchestra en Buenos Aires por invitación de Ivan Fischer, dirige regularmente orquestas de Rumania, Bulgaria y Ucrania, trabajó desde 2009 con orquestas vienesas, dirigió agrupaciones corales austríacas y en 2013 dirigió la Royal Philharmonic. A partir de 2010 fue invitado a dirigir nuestra Sinfónica Nacional. Un notable currículum para un artista sobrio y concentrado, de físico menudo, ajeno a toda alharaca.</span></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"> El programa fue corto pero difícil, un total de 62 minutos. Tengo la impresión de que alguna vez se ha escuchado aquí la breve e intensa Sinfonía para trombón y orquesta del suizo Ernest Bloch (1880-1959), cuya obra más famosa es “Schelomo” para violoncelo y orquesta. La Sinfonía dura 16 minutos y sus secciones se escuchan sin solución de continuidad. Presumo que el apelativo Sinfonía y no Concierto se debe a que en efecto, sin menoscabo del lucimiento del trombón, la trama sinfónica es intrincada y el trombón es un “primus inter pares”, ya que los temas principales son expuestos por la orquesta, tanto el turbulento principio como el lírico tema contrastante, aunque luego lo expone y desarrolla el trombón. Es obra tardía, de 1954, cuando tenía 74 años, pero su impulso vital resulta innegable. De paso, no está de más señalar el sorprendente hecho que en Santa Fe todos los años se hace el Festival Trombonanza con los mejores trombonistas extranjeros y argentinos. Y uno de los mejores es sin duda Pablo Fenoglio, uno de los dos solistas de la Sinfónica Nacional (el otro es Carlos Ovejero, que fue su maestro). Ha dado clases magistrales en Berlín y Basel y es docente en el ISA del Colón. Curiosamente fue discípulo de Branimir Slokar, y una de las grabaciones de esta obra es justamente de este ejecutante. La versión fue excelente: Fenoglio es un virtuoso del instrumento, con una calidad tímbrica y una afinación admirables, y la Sinfónica tocó con muy buen nivel.</span></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"> Este año, como se sabe, se cumplen cien años del fallecimiento de Claude Debussy, y en Buenos Aires se lo está conmemorando con numerosos conciertos. “Jeux” (“Juegos”) es su última obra sinfónica y se la considera la más avanzada; la creó en 1912-13 y la denominó poema danzado; fue para la Compañía de Diaghilev. El ballet fue el segundo de Nijinski sobre Debussy (había creado “Preludio a la siesta de un fauno”) y no tuvo éxito; el argumento era de Nijinski y de Leon Bakst, creador de la escenografía y los trajes; se refería a un joven que buscando una pelota de tenis se encuentra con dos muchachas y les hace la corte, hasta que sin éxito retorna a la cancha; como obra de concierto se la relegó demasiado ya que es fascinante. Tanto se la ignoró que en los veinte años de 1951 a 1970 nunca la escuché en concierto, pero la conocía por una vieja grabación en 78 rpm. Se dio muy esporádicamente a partir de entonces, y este año Diemecke la incluyó en el concierto de la Filarmónica del 19 de julio, pero ese día yo estaba escuchando Brahms por Barenboim y la Berliner Staatskapelle en la Ballena. Y bien, aunque hubo numerosas coreografías posteriores (Börlin, Dollar, Taras, Milloss, Flindt), la obra como ballet no logró posicionarse. Pero los estudiosos de Debussy la encontraron muy innovadora: si bien no deja de lado al impresionismo, el sonido se libera de la tensión modulante y llega a un divisionismo acústico asombroso para la época; un puntillismo, una atomización extrema, que se refleja en una orquestación que parece llevar a lo que Schönberg llamó “Klangfarbenmelodie” (melodía de los sonidos-color). La música parece ser no tanto temática sino celular, y su atracción es muy grande para el oyente concentrado, ya que hay gran belleza en los colores y la obra tiene una coherencia distinta pero real, además de ritmos complejos. Y no olvidemos que “Dafnis y Cloe” d Ravel fue escrita paralelamente, y es otra maravilla de impresionismo innovador aunque de otra tendencia. Sin partitura pero teniendo como referencia grabaciones como la de Boulez (entusiasta de “Jeux”), me pareció logrado el trabajo de Boggiano con una Sinfónica que nos dio una miríada de colores.</span></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"> Luis Gianneo vivió entre 1897 y 1968 y fue sin duda uno de los compositores argentinos más valiosos; este año se cumple medio siglo de su fallecimiento y por suerte se lo está recordando como merece. Lamentablemente no pude estar presente en la integral de la música para cuarteto que tocó, naturalmente, el Cuarteto Gianneo. Pero aunque sea pude escuchar una obra que según Boggiano no se daba desde hace 30 años: su Segunda Sinfonía, “de las Américas”, de 1945; escribiría luego su Tercera Sinfonía, “Antífona”, en 1962, obra de estética avanzada, semiserial. Como expresé en otra crítica, tuve el privilegio de ser su alumno de composición y aprendí mucho de su conducción generosa y paternal en la UCA; él lamentó que yo no siguiera después del primer año, pero yo no encontraba un camino propio y no me pareció honesto insistir cuando lo que escribía siempre tenía reminiscencias de otras músicas. Incluso me regaló la partitura de los admirables “Rispetti e strambotti” para cuarteto de Malipiero. Mi camino iba por el lado de la apreciación musical (tuve la cátedra en la UCA con Marta Lambertini, la primera cátedra de ambos, gran amiga y compositora, ella sí) y de la crítica musical (en 1965 fundé Tribuna Musical, y algo más tarde tuve la cátedra de Crítica en la UCA sucediendo a Suárez Urtubey durante el decanato de Caamaño). Y bien, ya se conoce la triste decisión de no dar información sobre las obras en los programas del CCK. Y ni le dan un micrófono de contacto al director para hablarle al público. Boggiano dirigió la Sinfonía de las Américas de memoria; tres movimientos sin solución de continuidad; muy complejo y variado el primero, Molto sostenuto, 12 minutos, melódico el Lento (3 minutos) y poderoso el tercero, Allegro vivo, 11 minutos; total, 28 minutos. La Sinfonía no está grabada y busqué en vano información en Google. Se llama “de las Américas” y por su carácter la música me sugiere pueblos originarios. El Primer movimiento tiene un inicio contundente, con un tema simple y directo muy guerrero; ¿evoca a los aztecas? Quizá. Pero el compositor puede haber mezclado etnias en el mismo movimiento ya que luego hay un tema que podría ser del Noroeste argentino. Sigue un gran climax de abundante percusión, y luego se pasa al Segundo movimiento: hay un clima lírico y camarístico de maderas y trompas que gradualmente llega al forte. El Tercer movimiento presenta otro tema de gran impacto, ¿pero a qué etnia se aplica? ¿Mayas, incas? Viene el contraste en un amplio tema de las cuerdas. En la parte final hay un curioso y atrayente tema de flautas hasta que llega un cierre algo desaforado, fortissimo. Me llamó la atención la crudeza de ciertas partes de la sinfonía en un compositor que ha hecho gala de refinamiento en obras folklorizantes como el “Concierto aymara” o “El tarco en flor”. Nos faltaron datos a todos y podría ser que estas especulaciones estén erradas; son sólo mis impresiones ante una obra para mí nueva. La obra estuvo aparentemente muy bien tocada y siendo directa y poderosa logró una ovación del público; Boggiano comentó luego al respecto y se alegró: si la sabe de memoria evidentemente la considera valiosa. Agradeceré si algún lector tiene datos que aportar.</span></span></span></p>
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<p style="text-align:center"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><img alt="" src="/src/media/images/Agenda/40568565_10216817518974085_4750443917701283840_o.jpg" style="height:450px; width:800px" /></span></span></span></p>
<p style="text-align:center"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="font-size:11px">PH: Hernán CH.</span></span></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"> Actualmente la mayoría de la gente que todavía compra CDs (como yo) tiene en su casa numerosos ejemplares del sello Naxos, ya que abarca un repertorio enorme a precios bajos. Para grabar material sinfónico recurren a orquestas de calidad pero no de fama internacional y preferentemente de países cuyos costos son bajos. Es así que conocí a Theodore Kuchar por sus grabaciones de las sinfonías de Vassili Kalinnikov con la Orquesta Sinfónica Nacional de Ucrania; realizó con ella nada menos que 70 CDs. Estadounidense, Kuchar se graduó en el Instituto de Música de Cleveland y fue violista principal en Cleveland y Helsinki. Ese lado de su carrera está reflejado en haber sido Director Artístico del Festival de Música de Cámara Australiano (1991-2007) y en serlo todavía del Festival de Música de Cámara de Nevada (2003-18). Su actividad de director lo ha llevado a muchas orquestas de diferentes países, y ahora hizo su debut en Argentina con un programa cuya Segunda Parte ofreció dos estrenos rusos, de considerable interés.</span></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"> La Primera Parte se inició con la brillante Polonesa de la Suite Nº3 de Tchaikovsky, donde el compositor exagera la percusión pero tanto el tema principal vigoroso y rítmico como el suave y melódico tema subsidiario llevan la estampa inconfundible tchaikovskiana. Es curioso el gusto que tienen los rusos por la polonesa teniendo en cuenta que Polonia y Rusia se atacaron una y otra vez durante su larga historia, pero obviamente su ritmo es irresistible y primó el gusto musical; tanto mejor. De paso, qué lástima que se toquen tan rara vez las cuatro Suites de Tchaikovsky, música muy grata aunque sin la importancia de las sinfonías (aunque la cuarta, “Mozartiana”, es meramente la orquestación de cuatro creaciones del salzburgués). La versión fue vigorosa y por momentos demasiado ruidosa, pero mostró el firme brazo del director, que tiene mucho oficio.</span></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"> El pianista argentino Sebastián Forster, nacido en 1975, fue discípulo de Aldo Antognazzi y ganó el XI Concurso Argentino del Mozarteum. Hizo su debut internacional con la Orquesta de Cámara del Concertgebouw de Amsterdam en 1997, y desde entonces se ha quedado en el Hemisferio Norte, aunque nos ha visitado a veces. Muy promocionado aquí en sus primeros años como gran joven talento, en esa etapa tenía una técnica muy pulcra para tocar el repertorio clásico (Mozart, Beethoven) y su maestro le había enseñado ese estilo especialmente. En Europa y Estados Unidos tocó con varias orquestas buenas pero no de primera línea, dio recitales y con el Trío Fundación Astor Piazzolla visitó Europa, Estados Unidos y Argentina. Actualmente New York parece ser su lugar de residencia, donde es profesor de The Piano School of NYC desde 2005. Ahora se presentó con la Sinfónica Nacional abordando el arduo Segundo Concierto de Rachmaninov y el resultado fue correcto; tengo la impresión de que no es el repertorio más afín a sus medios y temperamento ya que la partitura está densamente orquestada y el pianista debe tener un sonido muy poderoso para no quedar tapado, como lo estuvo muchas veces; pero también es verdad que Kuchar, aunque bien ensamblado con el solista, hubiera debido bajar la dinámica con frecuencia. Con todo, hubo momentos líricos gratos, sobre todo en el movimiento lento, en los que Forster tuvo un toucher sensitivo, y en el tercer movimiento hubo mayor brío y volumen en su fraseo, pero sigo creyendo que es un pianista para repertorio clásico. Al menos, si hubo falencias dinámicas, es un artista de buen gusto y formación.</span></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"> La Segunda Parte empezó apenas diez minutos más tarde y nos dejaron sin luz, otra cosa “simpática” de la Ballena (de paso, un bebe berreó justo cuando empezaba el concierto; Kuchar bajó la batuta y esperó…). El compositor ucraniano Yevhen Stankovych nació en 1942 y no recuerdo que se haya tocado antes aquí ninguna obra suya. Consultando mi catálogo RER de CDs del año 2000 compruebo que Kuchar, con la antes mencionada Orquesta Nacional de Ucrania, grabó tres sinfonías suyas pero para Marco Polo, la etiqueta de la misma compañía que produce los Naxos y que tiene por norma grabar lo inédito (aunque es más cara que los Naxos). Y otro director, Fyodor Glushchenko con la Orquesta de Cámara Ucraniana y en otra marca, aparece grabando fragmentos de “La noche antes de Navidad”; y surge una anomalía: según el programa de la Sinfónica, se trata de un ballet; según RER, es música incidental para una pieza de teatro radiofónica; resulta que ambas cosas son ciertas: basada la música sobre un relato de Gogol, fue luego reelaborada y ampliada como ballet; de éste el compositor armó una suite de tres fragmentos; se escucharon dos de los tres pero sin aclarar cuáles: la Introducción es un retrato musical sobre una canción folklórica; sigue “Oksan y Koval”, sobre el amor en toda su dimensión; finalmente, “Kozachok”, danza extática de los cosacos, con la energía y fuerza de los ucranianos. Es el propio autor que da estos datos y expresa que el ballet es una tapicería musical basada en el folklore ucraniano, con gente cantando villancicos o canciones de Año Nuevo. Y bien, me entero que Stankovych es considerado el más valioso compositor ucraniano y que tanto puede crear un ballet alegre como dos Requiem, incluso uno sobre la matanza de Babi Yar (la Sinfonía Nº 13 de Shostakovich tiene texto de Yevtushenko y es una estremecedora musicalización de ese amargo asunto antisemítico). El mismo relato de Gogol que inspiró el ballet, por otra parte, se convirtió en la ópera “Vísperas de Navidad” (1895) de Rimsky-Korsakov. Y bien, supongo que escuchamos la segunda y tercera pieza de la Suite, y realmente me gustó mucho: una orquestación chisporroteante, con breves motivos pasando rápidamente de un grupo instrumental a otro, con texturas muy originales y un trasfondo folklórico en la segunda pieza; y una gran variedad en la vibrante Danza cosaca con un acelerando final. Valía la pena este primer contacto, y el público reaccionó con entusiasmo, ya que la versión de Kuchar fue muy ajustada y comunicativa, y muchos ejecutantes se lucieron.</span></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"> Si Stankovych fue una grata sorpresa, “La ejecución de Stepan Razin” nos coloca ante el más poderoso Shostakovich. Su op.119, de 1964, es una cantata para bajo, coro mixto y orquesta que dura 27 minutos y abreva en la historia rusa. La evocación de este personaje también la realizó Glazunov en su mejor poema sinfónico, “Stenka Razin” (sería bienvenida su programación). Conocí la obra con su primera grabación en vinilo dirigida por Kondrashin, pero era un préstamo; me impresionó, aunque es un recuerdo lejano; sin embargo la audición en vivo estuvo muy de acuerdo con esa experiencia que suma décadas. Como “Babi Yar”, el texto es de Yevtushenko y bien en su estilo áspero. Quiero mencionar también otras grabaciones, como la de Ashkenazy con la Filarmónica de Helsinki o la de Gerard Schwarz en Naxos con la Orquesta Sinfónica de Seattle. Razin fue un líder cosaco rebelde y héroe popular ruso que con su banda saqueó las barcazas llenas de productos de los terratenientes que bajaban por el Río Volga (la famosa canción con su estribillo “Volga, Volga” es sobre Razin y está citada por Glazunov); luego retenía parte del saqueo y distribuía comida entre paisanos famélicos. También hizo acciones de guerra y fue exitoso durante largos años, hasta que en 1671 fue capturado, llevado a Moscú, torturado y luego descuartizado en la Plaza Roja ante el pueblo y el Zar. Comentario en la revista Ritmo, 2006: la obra, “haciendo gala de una escritura maestra y de una incontenible fuerza dramática, denuncia con virulencia, desgarro y negro sentido del humor cualquier tipo de totalitarismo político”. Hubo dos versiones; en agosto 1964 Shostakovich veranea a orillas del Lago Balaton húngaro; están escritos los coros pero no la orquestación; el compositor hace una versión para piano y va a Moscú, donde pretende orquestar mientras canta el coro; pero pronto aceptó que había que postergar el estreno y con más tiempo realizó la espléndida orquestación que ahora escuchamos. Algunos fragmentos del poema: “En Moscú, en la blanca y amurallada ciudad, un ladrón roba un pan de centeno. No tiene miedo de ser linchado. ¡Es que ya traen a Stepan Razin!” Tras varios versos describiendo actitudes pueblerinas y mencionando que el Zar está bebiendo vino dulce, llega Stepan: “Stenka, tú eres como una rama que ha perdido todas sus hojas. ¡Y querías entrar en Moscú!” El escribano del Zar le dice: “Decidiste lanzarte contra el pueblo”, y Razin contesta: “¡Contra los dueños de la tierra, es cierto; contra el pueblo, no!” Y luego monologa: “He elegido mi propio destino. Estuve siempre a medio camino contra las cosas. He pecado en esto. No hay zares nobles”. Y llega el momento de la ejecución; le cercenan la cabeza. Y Yevtushenko termina: “La cabeza del Zar temblaba al ver esos ojos diabólicos; ¡la cabeza de Stenka explotó en carcajadas sobre la cabeza del Zar!” Material muy fuerte para poner en música, pero se sabía desde “Lady Macbeth de Mtsensk” que el compositor tenía una veta sardónica. El Zar en cuestión es Alexis, segundo de la dinastía Romanov. Tras un Preludio, la música alterna entre intervenciones del bajo y las del Coro. Hay una influencia de Mussorgsky, y con toda lógica, ya que Shostakovich hizo dos orquestaciones notables: la de las “Canciones y danzas de la muerte” y la de “Boris Godunov”, mucho más cercana de la expresividad trágica del autor (aunque claramente del siglo XX) que la tan famosa (y excelente a su manera) de Rimsky-Korsakov. Aquí, en la cantata, está el pueblo enardecido de la Escena Revolucionaria (verdadero final de la ópera) pero también el canto que nos liga con la tradición de la Iglesia Ortodoxa. Y por otra parte, el solista se enfrenta con numerosos pasajes expresionistas muy dramáticos. Se estrenó en época de Kruschev; paradojalmente, el mismo político que jugaba con la guerra nuclear hasta que Kennedy lo disuadió era bastante liberal con respecto a los artistas; Brezhnev fue luego mucho más limitativo. Rostropovich y Vishnevskaya, grandes amigos de los últimos doce años de la vida de Shostakovich, obsesionado por la muerte y cada vez más enfermo, quisieron convencerlo de pasarse a Occidente; pero él, con lágrimas, les dijo: “yo amo a Rusia, no puedo vivir en otro lado”. Su Némesis fue Stalin, pero era comunista leninista; para él (y es cierto) Stalin destruyó el verdadero sentido socialista.</span></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"> Tuvimos al Coro Polifónico Nacional bajo la excelente dirección de José María Sciutto (no lo nombraron Director, figura como Director Emérito) en muy buena forma (no olvidemos que muchos de ellos son solistas), y a Mario De Salvo, bajo-barítono de amplia experiencia y que estuvo en su mejor nivel; la voz bien emitida y con bastante volumen y una comprensión del estilo ruso notable; no hablo el idioma, pero visité ese enorme país dos veces y conozco bien cómo suena; me animo a decir que su pronunciación fue bastante convincente. Y sin duda fue un notable trabajo del director de orquesta, que mostró un total dominio de la obra. Sería interesante que Kuchar retorne, trayéndonos más repertorio ucraniano o ruso que no conocemos.</span></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"> </span></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"> Quiero referirme brevemente a un concierto al que no pude asistir; el 10 de agosto Gustavo Fontana, hasta hace poco titular de la Filarmónica de Mendoza, estrenó “Sueños de verano” de Daniel Doura, ofreció una interesante obra de Schumann (la Pieza de concierto para cuatro cornos y orquesta, con el Argentina Horn Ensemble; ¿porqué en inglés?) y el gran desafío del “Don Quijote” de Strauss, con el admirable primer atril de violoncelo de la Sinfónica, José Araujo. Y a una curiosa ligazón del atrayente ballet “Las estaciones” de Glazunov, dirigido por el español Ignacio García Vidal, con “Perséfone: el origen de las estaciones”, con Ana Hernández Sanchiz, narradora y diseño escénico, y jóvenes bailarines nuestros. Esto fue el 6, 7 y 9 de septiembre.</span></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"> Lamentablemente, estamos viviendo una aciaga crisis, y se está reflejando en la Secretaría de Cultura (ya no Ministerio), donde el intento de empezar a cumplir con tantas promesas en los meses iniciales se ha paralizado. Ya se sabe que Lano y Kuchar tendrán que esperar vaya a saber cuánto tiempo para cobrar, y que Rettig, nuevamente defraudado, canceló su intervención en una gira a Rosario y en un concierto en la Ballena; sería reemplazado por Vieu. Además no hay fondos para material de orquesta protegido (hasta 70 años después de la fecha de fallecimiento), de modo que varias obras programadas caerán. Y siguen siendo muchos los que no cobraron de años anteriores, incluso Diemecke, impago desde 2015. </span></span></span></p>
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<p style="text-align:center"><img alt="" src="/src/media/images/Agenda/Orquesta-Sinf%C3%B3nica-del-Sodre_2123.jpg" style="height:533px; width:800px" /></p>
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<p style="text-align:justify"><strong><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">ORQUESTA SINFÓNICA DEL SODRE</span></span></span></strong></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"> Pese a que estamos a distancia de dos horas y media con el Francisco de Buquebus, son raros los cruces de orquestas argentinas a Montevideo o de uruguayas a la CABA. Es una lástima y un desacierto que esto ocurra. Si se ha hablado del SODRE en años recientes ha sido por el Ballet que Bocca revivificó, pero para los veteranos como yo el SODRE significaba mucho, ya que su radio se sintonizaba bien décadas atrás y era una seguridad sintonizarla para escuchar horas de buena música sin palabrería. Ya no es así, lamentablemente. La OSSODRE (Orquesta Sinfónica del SODRE) fue fundada en 1931, antes que nuestras Sinfónica Nacional y Filarmónica de Buenos Aires. Escuché a la OSSODRE muy esporádicamente y no recuerdo cuándo fue su última visita a nuestra ciudad, de modo que me resultó importante que por primera vez visitara la Ballena y con un programa Mahler/Bruckner. El programa aclara que Diego Naser es su actual Director artístico y musical.</span></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"> Si bien encontrar una historia completa de la OSSODRE en Google es imposible, aquí van algunos datos. Lamberto Baldi (a quien aprecié como director en la Wagneriana muchas veces) fue su director entre 1932 y 1941, y de nuevo en 1953-4. Grandes nombres la dirigieron como invitados: Respighi, Stravinsky, Busch, Kleiber, Ansermet, Wolff, Paray, J.J.Castro, Entre los uruguayos, Santórsola, Fabini, Serebrier. Stefan Lano fue su director en 2012, Piero Gamba fue invitado varias veces.</span></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"> Su época de oro fue en los años 50 y 50. Pero con la dictadura hubo muchos exilados, y en décadas recientes lamentables decisiones de las autoridades: tener cada vez menos estables y más contratados, pagar poco y tarde, y compartir un muy alto porcentaje de músicos con la Filarmónica de Montevideo. Y en años muy recientes, peleas y falta de coordinación con el Ballet regido por Bocca. Su anterior director, Martín García (sí, como la isla), renunció a fines de 2017 frustrado por la falta de tino y colaboración de las autoridades. Pero al ser nombrado Diego Naser, a los 36 años, a principios de 2018, las cosas cambiaron: nuevos concursos, mejores salarios, programación ambiciosa como la Tercera sinfonía de Mahler. Naser integra como violinista la West-Eastern Divan Orchestra; como director ya tiene una carrera europea abundante en buenas orquestas, y ha sido docente en muchos lados, incluso nuestro ISA.</span></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"> SODRE significa Servicio Oficial de Difusión Radioeléctrica y de la institución también dependen el Coro Nacional, el Coro de Niños, la Orquesta Juvenil, el Conjunto de Música de Cámara, el Archivo Nacional de la Imagen y la Palabra, Escuelas de formación artística, el Auditorio y la Fundación Prosodre.</span></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"> Hubo algo extraño en el programa: no tuvo intervalo, y la soprano brasileña de origen japonés Eiko Senda (bien conocida por sus actuaciones en el Argentino y el Colón) cantó sólo tres Lieder de “Des Knaben Wunderhorn” (“El cuerno mágico de la juventud”), de Mahler, apenas un cuarto de hora; traer a una figura de cierto prestigio para tan poca música no fue una buena idea. Estos Lieder son un placer, si bien previos a los más profundos del compositor, y tienen orquestaciones muy imaginativas. “Lob des hohen Verstands” (“Alabanza al elevado entendimiento”) es una sátira en la que un burro decide que un cucú canta mejor que un ruiseñor; “Wo die schönen Trompeten blasen” (“Donde suenen las bellas trompetas”) es en cambio una meditativa y extensa canción que preanuncia la total madurez del compositor: un soldado corteja a una muchacha pero debe ir a la guerra y le dice que ella lo encontrará bajo el césped, allí donde suenen las bellas trompetas; y “Rheinlegendchen” (“Leyenda del Rin”), narra una historia extraña en la que un segador arroja un anillo de oro al río, un pez lo traga, como pescado aparece en el plato de un rey, quien trinchando descubre el anillo; se lo da a una muchacha, y el segador pide que se lo devuelva. A Senda el humor liviano le va menos que el drama, y su voz y expresividad se apreciaron mejor en la canción intermedia. Ya aquí se pudo aquilatar la calidad de la orquesta bajo una precisa y comprensiva dirección, puesto que las canciones presentan desafíos a los instrumentistas, y quedó claro que la OSSODRE actual es una orquesta de alto nivel.</span></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"> Claro está que la Cuarta sinfonía de Bruckner sólo está al alcance de un organismo de categoría, y los 98 ejecutantes demostraron que, pequeñas fallas aparte, pueden medirse con sus dificultades y sonar bellamente tanto en los momentos camarísticos como en los grandes climax, donde los bronces soplaron con sólida afinación; merece destacarse el solista de corno </span></span><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:rgb(241, 240, 240); font-size:14px">Luís Barbé</span></span><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">, muy exigido por el compositor. Naser demostró tener un claro enfoque de la partitura y control sobre la dinámica y el fraseo, manteniendo el nivel durante la hora larga que dura la que es la más ejecutada de las sinfonías brucknerianas. La partida fue ganada y la OSSODRE demostró que ha recuperado su calidad, muy apreciada por Lano, y que todos los sectores y solistas están en muy buena forma.</span></span></span></p>
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<p style="text-align:justify"><img alt="" src="/src/media/images/Agenda/lp.jpg" style="height:533px; width:800px" /></p>
<p style="text-align:justify"><strong><span style="color:rgb(0, 0, 0); font-family:verdana,geneva,sans-serif; font-size:14px">ORQUESTA ESTABLE DEL TEATRO ARGENTINO DE LA PLATA</span></strong></p>
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<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"> Es de público conocimiento la desastrosa situación actual del Teatro Argentino: debido a un drástico corte de presupuesto está demorada la refacción de la sala principal y su escenario, que en principio debía terminarse este año. Pero además se eliminaron los fondos para que en otros teatros alquilados pudiera hacerse temporada de ballet y ópera, y así quedaron cancelados “La Belle Hélène” de Offenbach en Mar del Plata y el estreno de “Candide” de Bernstein en la temporada de Nuova Harmonia en nuestro Coliseo, y ballets en varios lugares. Ha quedado una sola posibilidad: aprovechar a la Orquesta y eventualmente el Coro para dar conciertos. Bauer acertó al nombrar a Pablo Druker Director de la Orquesta; si bien lo eligió por su experiencia europea en música contemporánea, es un artista de amplia formación y capaz de obtener muy buenos resultados en estilos más tradicionales. Muy probablemente también ahora tendrá dificultades para programar material de orquesta protegido, como le pasa a la Sinfónica Nacional. Posiblemente por eso ofreció en la Ballena dos grandes autores del romanticismo tardío: Brahms y Mahler. Sin novedad en el frente pero calidad asegurada.</span></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"> Creo que el orgánico de la orquesta es exagerado, y esto viene de Alejo Pérez: 114. Con 95 a 100 se puede hacer casi todo el repertorio, y es más lógico y más barato sumar instrumentistas ad-hoc para obras de gigantismo evidente que tenerlos incorporados. Como la nómina no menciona a ninguno como contratado, todos son estables, si bien hay algunos interinos.</span></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"> Son escasos los Conciertos dobles (para dos solistas) y el más famoso es el de Johannes Brahms, op.102 (1887), que combina al violín con el violoncelo y la orquesta. Si bien en grabaciones se suele acudir a nombres famosos, en los conciertos en vivo es bastante habitual (si la orquesta es de categoría) que lo hagan el concertino y el primer atril de violoncelo, y así fue: Nicolás Favero y Siro Bellisomi. Favero es venezolano, tiene 40 años, estudió en el Conservatorio Gilardi de La Plata, fue alumno de Bajour, se graduó en el Boston Conservatory, recibió el título de Master of Music del New England Conservatory of Music y se perfeccionó con Ilya Kaler y Erick Friedman. Fue director musical de la Orquesta de Cámara Mayo, concertino de la Orquesta Académica del Colón y concertino invitado de la Filarmónica de Buenos Aires y la Camerata Bariloche. Fundó con Antonio Formaro y Bellisomi el Trío Williams e integra el Cuarteto de la Universidad de La Plata. En cuanto a Bellisomi, es platense, estudió en el Conservatorio Gilardi y se perfeccionó con Claudio Baraviera y Stanimir Todorov. Forma parte del Trío Williams y del Cuarteto de la Universidad de La Plata. O sea, dos artistas de importante curriculum y que hacen cámara juntos.</span></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"> Sucede sin embargo que las dificultades del Doble de Brahms son virtuosísticas y requieren instrumentistas excepcionales, ya que la obra tiene una densidad de ideas y de técnica de primer rango. Sucede con los concertinos que suelen tener muy buena técnica y son impecables en cuanto a lectura y musicalidad pero carecen del volumen gordo, la “cavata”, requerido por obras como el Doble brahmsiano; y esto ocurre con Favero, muy honorable pero no heroico. Bellisomi tiene las mismas cualidades de Favero pero logra un sonido más amplio y de profundo color. La orquesta dista de ser un marco para los solistas; es compleja y rica en texturas; y Druker la manejó con soltura. Una buena versión, entonces, pero no memorable.</span></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"> La Primera de Mahler es desde hace al menos medio siglo obra de repertorio habitual, y sigue siendo la más tocada; muy cercana en el tiempo al Doble de Brahms, ya que es de 1889, y sin embargo tan diferente, ya que todo el mundo mahleriano ya está aquí. Son innumerables las versiones que se han escuchado en Buenos Aires y un buen porcentaje ha sido de admirable calidad. Sin llegar al más alto nivel, la de Druker fue un trabajo minucioso, a veces un poco lento, sin exageraciones, muy respetuoso de las indicaciones del autor (son una miríada), con la dinámica muy bien graduada, logrando que la orquesta en fortissimo suene poderosa sin estridencia. En suma, una grata experiencia que vuelve a demostrar el profesionalismo de los ejecutantes y del director. Qué extraño país lleno de sobresaltos pero que suma cuatro orquestas de nivel internacional, las tres de la CABA y la del Argentino, en un radio de 60 km.</span></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><strong><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Pablo Bardin.</span></span></span></strong></p>
<p> </p>
titleEl "Festival 2018" Cientos de sueños se apoderaron un día del CCK
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categoryReseñas
short_descBajo la batuta de maestros de importante trayectoria, casi 700 chicas y chicos de todo el país participaron de un emotivo y esperanzadorl cierre de “El Festival 2018” en el CCK. Venían de compartir una semana plagada de actividades y seminarios en la ciudad Chascomus, Capital Nacional de las Orquestas Infantiles y Juveniles.
description<p style="text-align:center"><img alt="" src="/src/media/images/blog%203/28577911_1898681116830218_6718538225833817971_n.jpg" style="height:533px; width:800px" /></p>
<p style="text-align:center">Ph: <span style="color:rgb(34, 34, 34); font-family:tahoma,sans-serif; font-size:12.8px">Federico Kaplun</span></p>
<blockquote>
<p style="text-align:center"><span style="font-size:16px"><span style="color:#000000"><strong><span style="background-color:transparent; font-family:arial">Bajo la batuta de maestros de importante trayectoria, casi 700 chicas y chicos de todo el país participaron de un emotivo y esperanzadorl cierre de “El Festival 2018” en el CCK. Venían de compartir una semana plagada de actividades y seminarios en la ciudad Chascomus, Capital Nacional de las Orquestas Infantiles y Juveniles.</span></strong></span></span></p>
</blockquote>
<p style="text-align:justify"> </p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Saliendo de los camarines, luego de saludar y felicitar a los maestros por el concierto increíble que habían tenido, me detiene Andrés González, Coordinador Académico de “El Festival 2018” y me dice: "mira como van los muchachitos llorando por ahí... te acuerdas?", y efectivamente, recorrer los pasillos detrás del escenario del CCK, era hacerse paso entre cientos de chicos emocionados, era pedir permiso para pasar entre abrazos y lágrimas de nuevos amigos, esos que nacieron entre intercambios profundos y valiosos, compañeros que sólo se tienen cuando hacés orquesta, cuando la música forma parte de tu vida, cuando comenzás a cosechar compañeros de fila. Lo recuerdo, y lo recuerdo tanto, que es ese el motor que 15 años después de dejarlo, me sigue moviendo en cada proyecto cultural que tengo el placer de acompañar. El Sistema te marca, te cambia y te hace creer y saber que todo es posible.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Para los que no se imaginan la experiencia, El Festival 2018, era la sexta edición de una actividad organizada por La Fundación Sistemas de Orquestas Infantiles y Juveniles de Argentina, en la que casi 700 músicos se juntan en la Ciudad de Chascomús (nombrada Capital Nacional de las Orquestas Infantiles y Juveniles por el Senado y la Cámara de Diputados de la Nación Argentina. Ley 27422) durante una semana. Todos estos chicos provenientes de distintas provincias del país (unos haciendo muchísimo esfuerzo para estar presentes) reciben capacitaciones, talleres, clases magistrales, seminarios y participan de encuentros, ensayos y conciertos, acompañados de los más respetados y reconocidos maestros del país.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">La Fundación SOIJAr es una ONG sin fines de lucro, fundada por la Maestra María Valeria Atela y avalada por el Maestro José Antonio Abreu, que nuclea el acompañamiento de <strong><em>orquestas-escuela</em></strong> a nivel nacional que trabajan bajo esta metodología, brindando herramientas y oportunidades de desarrollo y crecimiento técnico-instrumental a niños, niñas y jóvenes de todo el país de manera completamente gratuita. Pero, como todas las cosas que están bien hechas, planteadas estratégicamente y pensadas para ser brindadas con altos estándares de calidad, cada acción está vinculada a los maestros más importantes a nivel nacional e internacional, así como, a las instituciones más relevantes en el ámbito clásico del país, <strong>ratificando que una misión completamente social que promueve la inclusión y la integración a través del arte, puede generar programas y resultados de excelente calidad académica y técnica, permitiendo proyectar el futuro profesional de lo que se convierte en una siembra inagotable de músicos de calidad, que crecen con importantes nociones de solidaridad, respeto, disciplina, trabajo en equipo, en una escuela de ciudadanía, movidos por la pasión que la música genera en quien la descubre y la deja entrar en su vida.</strong></span></span></p>
<p style="text-align:justify"> </p>
<p style="text-align:justify"><iframe frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/je3LBqHetyQ" width="560"></iframe></p>
<p style="text-align:justify"> </p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Si dimensionamos que todo este contenido trasciende y salva, y que miles de chicos y jóvenes en distintas situaciones y contextos sociales bastante vulnerables, encuentran un espacio en el que se les incentiva, se les demuestra que hay otros caminos, que pueden ser ellos los que nutren el alma de muchos, un espacio en el que se revaloriza el poder de escuchar al otro, el de la comunicación, el respeto, un espacio en el que todos los conceptos humanos y ciudadanos se practican en orquesta, en el que el lenguaje es musical a través de claves, figuras y notas, y el trabajo, sí o sí, es en conjunto. Ahí se entiende la increíble misión de esta organización.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Es luego de este planteo, cuando se puede entender esa maravillosa experiencia de vivir la música, crecer y compartir con personas que sienten el mismo amor por su instrumento que vos, qué tienen las mismas ganas de perderse en el sonido, que de vez en cuando reniegan de la disciplina necesaria y que en ese momento de intercambio, al ser parte de una orquesta, se convierten en uno. Muchos poniendo todo de su parte para ser uno. Una orquesta que conmueve, que transmite, que inspira. Eso fue un poco lo que la Sala Sinfónica del CCK, con las butacas repletas y ahogadas de emoción y aplausos, tuvo el placer de disfrutar.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Bajo la batuta de maestros de importante trayectoria en el ámbito clásico del país, con carreras y proyección internacional, estos ejemplos de humildad y determinación, son un foco que iluminan a las casi 700 personas que participan de “El Festival 2018”, y que más allá de compartir sus conocimientos durante la semana de actividades y seminarios, despliegan su maestría al dirigir las tres orquestas de la VI Edición: la Infantil, la Juvenil y la Mega Orquesta.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Sorpresivamente, estos cientos de chicos subían al escenario de la Sala Sinfónica del CCK, para todos la primera vez en este importante espacio artístico/cultural porteño (a pocos días de recibir en ese mismo escenario a la legendaria Patti Smith), para otros la primera vez en un concierto de esta magnitud, todos orgullosos de haber trabajado junto a su orquesta, a sus referentes, maestros, familiares y la comunidad en cada una de sus provincias.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Brillantes, apasionados, con sus espíritus inmensos y la disciplina intacta, los niños, niñas y jóvenes, se apoderaron de sus instrumentos, del repertorio y del momento, para arropar a sus Maestros, quienes dirigían con total entendimiento y empatía de lo que implica tener bajo su batuta entre 300 y 500 músicos en cada caso.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"> </p>
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<p style="text-align:justify"> </p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><strong>Repertorio de la Orquesta Infantil de "El Festival 2018"</strong></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Piotr Illich Tchaikovsky: Obertura 1812, op. 49 (arreglo: A. Carter). Dirigido por el Maestro Hadrian Avila Arzuza</span></span></p>
<p style="text-align:justify"> </p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Astor Piazzolla: Adiós Nonino. Solista invitado: Horacio Romo (bandoneón)</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Arturo Márquez: Danzón n° 2 Dirigido por la Mtra. María Valeria Atela</span></span></p>
<p style="text-align:justify"> </p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><strong>Orquesta Juvenil de “El Festival 2018”</strong></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Richard Wagner: Obertura de Los maestros cantores de Nüremberg</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Igor Stravinsky: Final de El pájaro de fuego</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Jacques Offenbach: Obertura de Orfeo en los Infiernos</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Director invitado: Luis Gorelik</span></span></p>
<p style="text-align:justify"> </p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><strong>Mega Orquesta de “El Festival 2018”</strong></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Sonia Possetti: Bullanguera (versión de la compositora especialmente dedicada a la Orquesta-Escuela de Chascomús en su 20º Aniversario) Dirigido por Luis Gorelik</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Himno de la Alegría, Arreglo del 4° Movimiento de la 9° Sinfonía de Ludwig van Beethoven. Dirigido por la Mtra. María Valeria Atela.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"> </p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Es ese sentido humano el que acerca más público a la música académica, es esa entrega (que no tiene espacio para la demagogia) la que acerca a más jóvenes a la música académica. El futuro de nuestra "movida clásica" argentina, un presente mucho más visceral de las filas de cuerdas, vientos y percusión de los futuros profesionales a lo largo y ancho del país.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Sin dudas, la Fundación SOIJAr es una muestra de que los fines sociales y artísticos, bien aplicados, son cosechas invaluables. SOIJAr sabe y cree en lo que hace.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"> </p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><strong>Por Nahomi Martínez </strong></span></span></p>
<p> </p>
description<p>Gestión de módulos en el Panel de Control</p>
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