El "Festival 2018" Cientos de sueños se apoderaron un día del CCK
Ph: Federico Kaplun
Bajo la batuta de maestros de importante trayectoria, casi 700 chicas y chicos de todo el país participaron de un emotivo y esperanzadorl cierre de “El Festival 2018” en el CCK. Venían de compartir una semana plagada de actividades y seminarios en la ciudad Chascomus, Capital Nacional de las Orquestas Infantiles y Juveniles.
Saliendo de los camarines, luego de saludar y felicitar a los maestros por el concierto increíble que habían tenido, me detiene Andrés González, Coordinador Académico de “El Festival 2018” y me dice: "mira como van los muchachitos llorando por ahí... te acuerdas?", y efectivamente, recorrer los pasillos detrás del escenario del CCK, era hacerse paso entre cientos de chicos emocionados, era pedir permiso para pasar entre abrazos y lágrimas de nuevos amigos, esos que nacieron entre intercambios profundos y valiosos, compañeros que sólo se tienen cuando hacés orquesta, cuando la música forma parte de tu vida, cuando comenzás a cosechar compañeros de fila. Lo recuerdo, y lo recuerdo tanto, que es ese el motor que 15 años después de dejarlo, me sigue moviendo en cada proyecto cultural que tengo el placer de acompañar. El Sistema te marca, te cambia y te hace creer y saber que todo es posible.
Para los que no se imaginan la experiencia, El Festival 2018, era la sexta edición de una actividad organizada por La Fundación Sistemas de Orquestas Infantiles y Juveniles de Argentina, en la que casi 700 músicos se juntan en la Ciudad de Chascomús (nombrada Capital Nacional de las Orquestas Infantiles y Juveniles por el Senado y la Cámara de Diputados de la Nación Argentina. Ley 27422) durante una semana. Todos estos chicos provenientes de distintas provincias del país (unos haciendo muchísimo esfuerzo para estar presentes) reciben capacitaciones, talleres, clases magistrales, seminarios y participan de encuentros, ensayos y conciertos, acompañados de los más respetados y reconocidos maestros del país.
La Fundación SOIJAr es una ONG sin fines de lucro, fundada por la Maestra María Valeria Atela y avalada por el Maestro José Antonio Abreu, que nuclea el acompañamiento de orquestas-escuela a nivel nacional que trabajan bajo esta metodología, brindando herramientas y oportunidades de desarrollo y crecimiento técnico-instrumental a niños, niñas y jóvenes de todo el país de manera completamente gratuita. Pero, como todas las cosas que están bien hechas, planteadas estratégicamente y pensadas para ser brindadas con altos estándares de calidad, cada acción está vinculada a los maestros más importantes a nivel nacional e internacional, así como, a las instituciones más relevantes en el ámbito clásico del país, ratificando que una misión completamente social que promueve la inclusión y la integración a través del arte, puede generar programas y resultados de excelente calidad académica y técnica, permitiendo proyectar el futuro profesional de lo que se convierte en una siembra inagotable de músicos de calidad, que crecen con importantes nociones de solidaridad, respeto, disciplina, trabajo en equipo, en una escuela de ciudadanía, movidos por la pasión que la música genera en quien la descubre y la deja entrar en su vida.
Si dimensionamos que todo este contenido trasciende y salva, y que miles de chicos y jóvenes en distintas situaciones y contextos sociales bastante vulnerables, encuentran un espacio en el que se les incentiva, se les demuestra que hay otros caminos, que pueden ser ellos los que nutren el alma de muchos, un espacio en el que se revaloriza el poder de escuchar al otro, el de la comunicación, el respeto, un espacio en el que todos los conceptos humanos y ciudadanos se practican en orquesta, en el que el lenguaje es musical a través de claves, figuras y notas, y el trabajo, sí o sí, es en conjunto. Ahí se entiende la increíble misión de esta organización.
Es luego de este planteo, cuando se puede entender esa maravillosa experiencia de vivir la música, crecer y compartir con personas que sienten el mismo amor por su instrumento que vos, qué tienen las mismas ganas de perderse en el sonido, que de vez en cuando reniegan de la disciplina necesaria y que en ese momento de intercambio, al ser parte de una orquesta, se convierten en uno. Muchos poniendo todo de su parte para ser uno. Una orquesta que conmueve, que transmite, que inspira. Eso fue un poco lo que la Sala Sinfónica del CCK, con las butacas repletas y ahogadas de emoción y aplausos, tuvo el placer de disfrutar.
Bajo la batuta de maestros de importante trayectoria en el ámbito clásico del país, con carreras y proyección internacional, estos ejemplos de humildad y determinación, son un foco que iluminan a las casi 700 personas que participan de “El Festival 2018”, y que más allá de compartir sus conocimientos durante la semana de actividades y seminarios, despliegan su maestría al dirigir las tres orquestas de la VI Edición: la Infantil, la Juvenil y la Mega Orquesta.
Sorpresivamente, estos cientos de chicos subían al escenario de la Sala Sinfónica del CCK, para todos la primera vez en este importante espacio artístico/cultural porteño (a pocos días de recibir en ese mismo escenario a la legendaria Patti Smith), para otros la primera vez en un concierto de esta magnitud, todos orgullosos de haber trabajado junto a su orquesta, a sus referentes, maestros, familiares y la comunidad en cada una de sus provincias.
Brillantes, apasionados, con sus espíritus inmensos y la disciplina intacta, los niños, niñas y jóvenes, se apoderaron de sus instrumentos, del repertorio y del momento, para arropar a sus Maestros, quienes dirigían con total entendimiento y empatía de lo que implica tener bajo su batuta entre 300 y 500 músicos en cada caso.
Repertorio de la Orquesta Infantil de "El Festival 2018"
Piotr Illich Tchaikovsky: Obertura 1812, op. 49 (arreglo: A. Carter). Dirigido por el Maestro Hadrian Avila Arzuza
Arturo Márquez: Danzón n° 2 Dirigido por la Mtra. María Valeria Atela
Orquesta Juvenil de “El Festival 2018”
Richard Wagner: Obertura de Los maestros cantores de Nüremberg
Igor Stravinsky: Final de El pájaro de fuego
Jacques Offenbach: Obertura de Orfeo en los Infiernos
Director invitado: Luis Gorelik
Mega Orquesta de “El Festival 2018”
Sonia Possetti: Bullanguera (versión de la compositora especialmente dedicada a la Orquesta-Escuela de Chascomús en su 20º Aniversario) Dirigido por Luis Gorelik
Himno de la Alegría, Arreglo del 4° Movimiento de la 9° Sinfonía de Ludwig van Beethoven. Dirigido por la Mtra. María Valeria Atela.
Es ese sentido humano el que acerca más público a la música académica, es esa entrega (que no tiene espacio para la demagogia) la que acerca a más jóvenes a la música académica. El futuro de nuestra "movida clásica" argentina, un presente mucho más visceral de las filas de cuerdas, vientos y percusión de los futuros profesionales a lo largo y ancho del país.
Sin dudas, la Fundación SOIJAr es una muestra de que los fines sociales y artísticos, bien aplicados, son cosechas invaluables. SOIJAr sabe y cree en lo que hace.
El Teatro Coliseo fue testigo ayer del primer concierto del renombrado pianista Horacio Lavandera junto a la Orquesta Clásica Argentina, presentando un programa donde se combinó el carácter, la majestuosidad y la sensibilidad de dos grandes compositores de la historia de la música: Beethoven y Chopin.
En esta interesante ocasión, Lavandera realizó tanto la ejecución pianística como el rol de director de orquesta, a la manera de los grandes conciertos para piano y orquesta que se realizaban en el romanticismo temprano al igual que en el clasicismo.
La tragedia lírica de Poulenc se destaca por la sorprendente interpretación de Elisa Calvo. Se apodera de una puesta unipersonal centrada en la exasperante soledad que sufre la protagonista durante la era del teléfono fijo francés. La orquesta dirigida cuidadosamente por Silvana D'Onofrio logra manifestarse como parte de la propia acción dramática.
Con este artículo me despido del Festival Barenboim. Cubre una sesión de música de cámara con Argerich, Barenboim y miembros de la WEDO, y un concierto sinfónico con Anne-Sophie Mutter (violín).
La principal función de MusicaClasicaBA es fomentar la interacción entre músicos, agentes del sector público y privado y el público en general, permitiendo afianzar los lazos culturales y artísticos de nuestra región.
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titleHoracio Lavandera y la Orquesta Clásica Argentina en una noche de gran nivel musical
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categoryReseñas
short_descEl Teatro Coliseo fue testigo ayer del primer concierto del renombrado pianista Horacio Lavandera junto a la Orquesta Clásica Argentina, presentando un programa donde se combinó el carácter, la majestuosidad y la sensibilidad de dos grandes compositores de la historia de la música: Beethoven y Chopin.
En esta interesante ocasión, Lavandera realizó tanto la ejecución pianística como el rol de director de orquesta, a la manera de los grandes conciertos para piano y orquesta que se realizaban en el romanticismo temprano al igual que en el clasicismo.
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<p dir="ltr" style="text-align: center;"><img alt="" src="/src/media/images/Agenda/lava.png" style="height:400px; width:800px" /></p>
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<p dir="ltr" style="text-align: center;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong><span style="font-size:16px"><span style="background-color:transparent">El Teatro Coliseo fue testigo ayer del primer concierto del renombrado pianista Horacio Lavandera junto a la Orquesta Clásica Argentina, presentando un programa donde se combinó el carácter, la majestuosidad y la sensibilidad de dos grandes compositores de la historia de la música: Beethoven y Chopin. </span></span></strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align: center;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong><span style="font-size:16px"><span style="background-color:transparent">En esta interesante ocasión, Lavandera realizó tanto la ejecución pianística como el rol de director de orquesta, a la manera de los grandes conciertos para piano y orquesta que se realizaban en el romanticismo temprano al igual que en el clasicismo. </span></span></strong></span></span></span></p>
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<p dir="ltr" style="text-align:justify"><strong><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Por Carlos Romero.</span></span></span></strong></p>
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<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">El Concierto para Piano y Orquesta no. 3 en Do menor opus 37 de Ludwig van Beethoven es una obra colosal escrita en el año 1800 y dedicada al Príncipe Luis Fernando de Prusia. Sus tres movimientos plagados de trinos hipnotizantes, cadencias complejas y pasajes donde prima el ímpetu y el carácter propios del compositor fueron presentados con admirable precisión por el conjunto de músicos. Horacio Lavandera, tanto en su rol de director como pianista, marcó una profunda claridad gestual para sostener el pulso y respetar las articulaciones escritas por Beethoven. En las mencionadas cadencias de carácter virtuoso es realmente muy interesante ver el grado de humildad y respeto con los que aborda el texto musical, sin ánimo de demostrar de forma exorbitante sus habilidades técnicas para impactar a la audiencia, sino poniéndolas al servicio de la música todo el tiempo y rescatando las sonoridades ocultas dentro de la obra misma.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Es impresionante también el nivel de comprensión musical que tiene la orquesta con él, a partir de la ayuda que recibe del concertino durante las secciones en las que debe ocuparse de la parte del piano. Además, hay una notoria escucha mutua en todo momento entre él y los integrantes de la orquesta, permitiendo que cada nota “sea dicha” con total claridad, cuidando la calidad del sonido y dándole la importancia que tiene dentro del contexto musical de determinado pasaje. </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Con esa misma idea de sostener la atención emocional del público, luego del intervalo se dio inicio al Concierto para Piano y Orquesta no. 1 en Mi menor opus 11, de Frédéric Chopin, escrito en el año 1830. Horacio Lavandera eligió un enfoque sonoro muy conmovedor priorizando los fraseos musicales y la narrativa total de cada uno de los tres movimientos. La transmisión de sus ideas fue muy pregnante, no dejando de lado la claridad sonora que venía desde el concierto de Beethoven y agregando los rubati necesarios en los momentos donde la música lo requería. Sin lugar a dudas, Lavandera posee una impresionante facilidad musicalidad para dejarse conducir por las ideas de los compositores que interpreta, permitiéndonos así también a nosotros en el público entrar en contacto directo con la pureza de dichas ideas y probablemente el sonido original de las obras. </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Al final, luego de saludar y agradecer humildemente a cada uno de los integrantes de la orquesta, para presentar un “pequeño” bis y tal vez como anunciando lo que vendrá en el segundo concierto hoy a las 20:30 hs., Lavandera y la Orquesta Clásica Argentina nos deleitaron con una degustación del Concierto para Piano y Orquesta no. 5 de Beethoven tocando el tercer movimiento. Será sin duda otra noche llena de sonoridades impresionantes en el Teatro Coliseo, donde el programa será completado por el Concierto para Piano y Orquesta no. 2 de Chopin.</span></span></span></span></p>
<div> </div>
<p><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">. </span></span></span></span></p>
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title LA VOZ HUMANA, UNA SIMBIOSIS PERFECTA ENTRE TEXTO Y MÚSICA
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categoryReseñas
short_descLa tragedia lírica de Poulenc se destaca por la sorprendente interpretación de Elisa Calvo. Se apodera de una puesta unipersonal centrada en la exasperante soledad que sufre la protagonista durante la era del teléfono fijo francés. La orquesta dirigida cuidadosamente por Silvana D'Onofrio logra manifestarse como parte de la propia acción dramática.
description<p dir="ltr" style="text-align: center;"><img alt="" src="/src/media/images/blog%204/La%20Voz%20Humana%20blog.jpg" style="height:564px; width:800px" /></p>
<p dir="ltr" style="text-align: center;"> </p>
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<p dir="ltr" style="text-align: center;"><span style="font-size:16px"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>La tragedia lírica de Poulenc se destaca por la sorprendente interpretación de Elisa Calvo. Se apodera de una puesta unipersonal centrada en la exasperante soledad que sufre la protagonista durante la era del teléfono fijo francés. La orquesta dirigida cuidadosamente por Silvana D'Onofrio logra manifestarse como parte de la propia acción dramática.</strong></span></span></span></p>
</blockquote>
<p> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>Ficha Técnica: </strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">La voz humana de Francis Poulenc y Jean Cocteau. Dirección musical: Silvana D'Onofrio. Régie: Antonio Leiva. Elenco: Elisa Calvo. Orquesta: Fundación Musizap. Organizador: Música en escena y Teatro Empire. Sala: Teatro Empire, sábado 17. Repite jueves 22 a las 20.30. Calificación: Excelente.</span></span></span></p>
<p> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><strong><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Por Julián Guzzo.</span></span></span></span></strong></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong> </strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Ubicarse desde la fila ocho hacia atrás era la recomendación brindada a los primeros y afortunados espectadores al ingresar a la sala. Una vez allí, se esperaban escuchar los iniciales sonidos inquietantes de la tragedia lírica en un acto de Poulenc, pero esto no fue lo que sucedió. </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">La soprano emergió cantando con pasión la tango-habanera "Youkali" de Kurt Weill, iluminada frente al telón por un reflector de luz blanca.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">La perfecta pronunciación del francés y su agradable voz acompañada sólo por el piano, parecían consagrarla como una famosa cantante de entreguerras que, con nostalgia, canta sobre un paraíso imposible de alcanzar. Pero una vez que el público le brindó el aplauso, se abrió el telón y Elle, la protagonista, fue absorbida por la escena de </span><em>La voz humana</em><span style="background-color:transparent"> para mantener, por cuarenta minutos, la última y desesperada conversación telefónica con su amante.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Llevar a cabo un monólogo en el cual estados de ánimo extremos se suceden de manera espontánea requiere de una capacidad actoral y emocional que Calvo fue capaz de solventar ampliamente, mientras que en lo musical también supo tener la habilidad para pasar de un estilo recitativo, que es el predominante en la obra, a pasajes más líricos sin ningún tipo de progresión gradual. Por su parte, la dirección de D’Onofrio logró articular tanto la particular simbiosis entre texto y música, como llenar de significado los silencios de la cantante cuando su interlocutor al teléfono le habla, cuya voz es inaccesible para el público.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent"> </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Se utiliza una orquesta más reducida que la propuesta por Poulenc, una sabia elección por parte de los organizadores pertenecientes al circuito de la ópera independiente, conocido espacio de propuestas diferentes y de calidad. Esperamos </span>que puedan agregar más funciones manteniendo la formación orquestal que tanto aporta a la obra.</span></span></span></p>
<p dir="ltr"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Por ahora, queda sólo este jueves 22 para disfrutar de esta tragedia con temática vigente y de la micro-ópera ofrecida a modo de recepción, </span><em>Mientras el auto espera,</em><span style="background-color:transparent"> del compositor y pianista argentino Mario Dardis, que también se llevó una magnitud importante de aplausos. </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align: center;"> </p>
<div style="text-align: center;"> </div>
<div style="text-align: center;"><img alt="" src="/src/media/images/blog%204/La%20voz%20humana%20flyer.jpg" style="height:800px; width:617px" /></div>
titleFestival Barenboim, algunas conclusiones finales
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categoryReseñas
short_descCon este artículo me despido del Festival Barenboim. Cubre una sesión de música de cámara con Argerich, Barenboim y miembros de la WEDO, y un concierto sinfónico con Anne-Sophie Mutter (violín).
description<p style="text-align:center"><img alt="" src="/src/media/images/Agenda/baremboin_0.jpg" style="height:450px; width:800px" /></p>
<blockquote>
<p style="text-align:center"><strong><span style="color:#000000"><span style="font-size:16px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Con este artículo me despido del Festival Barenboim. Cubre una sesión de música de cámara con Argerich, Barenboim y miembros de la WEDO, y un concierto sinfónico con Anne-Sophie Mutter (violín). </span></span></span></strong></p>
</blockquote>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><strong><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Por Pablo Bardin.</span></span></strong></span></p>
<p style="text-align:justify"> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent; color:rgb(0, 0, 0)">CONCIERTO DE CÁMARA</span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent; color:rgb(0, 0, 0)"> </span><span style="background-color:transparent; color:rgb(0, 0, 0)">La programación de este concierto, que tuvo lugar el 6 de agosto, era poco clara cuando se vendieron las entradas; al recibir lo programado después de la venta, pensé que se habían aclarado las cosas, pero no: Martha Argerich fue fiel a su amor por Schumann y desterró lo más interesante, el Quinteto para piano y cuerdas de Shostakovich, suplantándolo por supuesto por el de Schumann. Me enojó el cambio, que hizo del programa una velada schumanniana, con tres obras suyas, y sólo una de otro autor. Como el segundo programa aclaraba que Argerich tocaría Shostakovich, me alegré de poder escucharla en una obra valiosa en la que antes no tuve oportunidad de apreciar su enfoque. El cambio fue tan repentino que fue anunciado por uno de los miembros de la WEDO. También cambió el ordenamiento de las obras. Así las cosas, se empezó con la Obertura sobre temas hebreos de Prokofiev, basada sobre dos temas, uno rápido, muy klezmer, el otro reflexivo. Obra menor pero simpática, fue ejecutada por Jussef Eisa (clarinete), Michael Barenboim y Mohamed-Ali Anis Hiber (violines), Miriam Manasherov (viola), Astrig Siranosian (violoncelo) y Argerich. O sea que es un sexteto aunque dominado por el clarinete; data de 1919, un período viajero del compositor, que pasó por París y Japón antes de residir por un tiempo en Estados Unidos; escribió ese año una de sus mejores obras, la ópera “El amor por tres naranjas”. Buen trabajo de conjunto y solos hábilmente tocados por Jussef Aisa.</span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent; color:rgb(0, 0, 0)"> </span><span style="background-color:transparent; color:rgb(0, 0, 0)">Los mismos intérpretes de cuerdas estuvieron en el Quinteto de Schumann y me pregunto cuánto tiempo de ensayo tuvieron y si colaboraron en otras interpretaciones; presumiblemente sí habían estudiado el Quinteto de Shostakovich. Por supuesto que ella lo tiene en repertorio desde hace décadas, lo ha tocado aquí y lo grabó. La realidad es que ella atacó su parte con un sonido tan contundente que ni el Juilliard o el Emerson hubieran podido evitar ser tapados; extraordinaria, pasmosa seguridad y garra, pero los miembros de la WEDO aunque pusieron todo su esfuerzo quedaron muy relegados. Ella perdió su autocontrol en esta obra. El que intentó igualarla con cierto grado de éxito fue Hiber, muy intenso; los otros trataron de poner más volumen pero esto los llevó a cierta aspereza ingrata. Los tempi fueron rápidos; conozco grandes grabaciones de mucho mayor equilibrio (Serkin con Cuarteto Budapest, Rubinstein con el Guarneri).</span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent; color:rgb(0, 0, 0)"> </span><span style="background-color:transparent; color:rgb(0, 0, 0)">La Sonata Nº 1 en la menor, op. 105, para violín y piano, en tres movimientos, dura unos 17 minutos y es de las mejores obras tardías de Schumann. Escribió tres sonatas para esta combinación; la Nº2, como la Nº1, es de 1851; la Nº3, de 1853, una etapa declinante. Las dos primeras son obras de gran intensidad; la psicología dual del compositor (que lo llevará a la locura) está muy presente. Dice atinadamente Odile Martin en las notas para la grabación de Wallez y Rigutto (que tengo): “son sonatas humanas, plenas de una agitación obsesiva”. “El tema torturado del primer movimiento revela una pulsión interna incontenible”; “Mit leidenschaftlichem Ausdruck”: “Con apasionada expresión”. En el Allegretto siguiente Florestan y Eusebius vuelven a enfrentarse pero de modo más apaciguado. Y en el “Vivace” final el violín persigue al piano que está siempre un paso adelante. “Una obra de una tensión casi insoportable por momentos, donde la melodía se vuelve mensaje, quizá testamento”. Argerich la grabó con Kremer y es obvio que ella tiene afinidad con ese temperamento desatado. Hace mucho que conozco la obra, ya que Louis Kaufman y Alfredo Rossi la dieron en el Colón en 1952, y creo que fue una buena idea programarla: se toca poco y revela fielmente el carácter del compositor. Naturalmente Argerich es una intérprete ideal para esta música, lo sorprendente fue que Michael Barenboim demostró haber estudiado a fondo la partitura y puso todo su empeño en ser un convincente “socio” en la ardua tarea; lo consiguió y es todo un mérito, ya que forzó a su temperamento, que no es volcánico por naturaleza.</span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent; color:rgb(0, 0, 0)"> </span><span style="background-color:transparent; color:rgb(0, 0, 0)">El concierto finalizó con la presencia de Daniel Barenboim en dúo de pianos con Argerich en el “Andante con variaciones” en Si bemol, op. 46, claro que de Schumann, en la versión añadiendo dos violoncelos (Siranossian y Adi Tal) y corno (Ben Goldscheider). La versión sin añadidos se escuchó aquí con notables intérpretes: Alfons y Aloys Konstarsky (Agosto 1963) o Marcelle/Birguer (Septiembre 1967) y ciertamente la prefiero; los violoncelos y el corno tienen bien poco que hacer y meramente acompañan (a veces) salvo un breve solo de corno en una de las variaciones. Por otra parte, la obra es interesante: con habilidad, la extensa partitura (17 minutos) nos da variaciones muy inteligentes y contrastantes, con momentos de virtuosismo y otros de ensoñada melodía muy atrayentes. Si bien es verdad que la versión con instrumentos añadidos es la original, en realidad no se justifican. La partitura es de 1843 y continúa la serie de música de cámara del año anterior; Schumann era muy de componer “por rachas”: sólo piano, o sólo cámara, o Lieder, o música sinfónica, u oratorios. Creo recordar que los pianistas han tocado la obra antes aquí; tuvieron perfecta coordinación y muy pareja calidad técnica, de modo que fue un buen final.</span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent; color:rgb(0, 0, 0)"> </span><span style="background-color:transparent; color:rgb(0, 0, 0)">Una ultima reflexión: nunca se publica la nómina de los integrantes de la WEDO por presentas razones de seguridad; pero esto no abarca a los solistas de este concierto; ¿o sea que no vale la pena protegerlos? O todos o ninguno, creo yo.</span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent; color:rgb(0, 0, 0)"> </span></span></span><iframe frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/ku3mWfrDQHU" width="560"></iframe></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent; color:rgb(0, 0, 0)"> </span><span style="background-color:transparent; color:rgb(0, 0, 0)">Hará dos décadas vino la violinista alemana Anne-Sophie Mutter (creo que mediante el Mozarteum) e impresionó muy fuertemente como una de las mejores. Es una pena que haya pasado tanto tiempo sin que regrese; fue por cierto una excelente idea de Barenboim traerla para su Festival. Pero además retornará más tarde en el año, esta vez en el Colón, en el ciclo Grandes Intérpretes Internacionales: el 1º de noviembre con The Mutter Virtuosi, en obras de Bach, Vivaldi y Mendelssohn. Mutter estuvo casada con André Previn, un matrimonio con manifiesta diferencia de edad pero al parece muy feliz; a raíz de su fallecimiento Mutter le pidió a Barenboim agregar un movimiento del Concierto para violín de Previn “Anne-Sophie”: el extenso tercer movimiento, Andante (primera audición aquí). Además se agregó un papel al programa donde ella expresa no sólo su gran amor por él sino también que Previn escribió varios notables conciertos, entre ellos aquel dedicado a ella. Ignoro si Barenboim ya conocía la obra; en todo caso, pareció muy segura su dirección y la ejecución de la WEDO, que quizá debió aprenderlo rápidamente. Ella tiene 56 años y en el catálogo 2000 de CDs ya tiene una gran cantidad de grabaciones para Deutsche Gramophon; mirándola se le dan esplendorosos 40, con un rostro de gran belleza y un cuerpo escultural, impecablemente vestida. Aclara en esa nota: el Concierto Anne-Sophie es el primero que Previn creó para violín, hubo un segundo; y el tema del tercer movimiento que se tocó es una variación de “Wenn ich ein Vöglein war” (“Si fuera un pajarito”), “mi canción infantil preferida”. Expresa que ejecutó este Concierto con Previn “en todo el mundo” y alaba su calidad de orquestador y “la astucia de tu conducción de las voces principales”. “A lo largo de cuatro décadas fuiste mi compañero musical y por 12 de esos años mi más preciosa alma gemela”. Yendo ahora a mi opinión sobre la base de una única vez que escuché este movimiento, me resultó fragmentario y farragoso, con violentos contrastes, en un lenguaje tonal disonante; hasta donde me alcanza, la ejecución de la violinista fue admirable en su claridad y tersura. </span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent; color:rgb(0, 0, 0)"> </span><span style="background-color:transparent; color:rgb(0, 0, 0)">Ella grabó el Concierto de Sibelius con Previn y la Staatskapelle Dresden en 1996; 23 años después la interpretó aquí con Barenboim y la WEDO y no tengo dudas de que fue un momento máximo del Festival. Este Concierto tiene una cantidad descomunal de grabaciones y con razón: es una obra maestra. No sólo por la riqueza de ideas sino por su enorme originalidad. Es extremadamente difícil para el o la violinista, pero también necesita de una orquesta muy bien entrenada y un director que sepa aprovechar esos momentos sibelianos que llegan a la esencia misma de la vida tal como se la entiende en un país nórdico de duro clima. Y así escuchamos melodías de una nobleza trascendente, expresadas con una técnica asombrosa por la violinista (tan hábil en vertiginosos pasajes como en profundos cantos sobre la cuarta cuerda) en ideal entendimiento con el director y su orquesta; impactaron los momentos de trágica explosión. </span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent; color:rgb(0, 0, 0)"> </span><span style="background-color:transparent; color:rgb(0, 0, 0)">Mutter nos ofreció fuera de programa un Bach de puro estilo en las múltiples dobles cuerdas del Adagio de la Sonata Nº 1 con un sonido pleno y bello y un exacto sentido de la forma. </span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent; color:rgb(0, 0, 0)"> </span><span style="background-color:transparent; color:rgb(0, 0, 0)">No hay sinfonía más trillada que la Séptima de Beethoven y estoy saturado de escucharla; sin embargo, esta vez valió la pena. Barenboim y la WEDO ya la habían incluido en el programa todo Beethoven del 31 de Julio y del 1º de agosto (además repetido en Tecnópolis). Pero desde el primer compás hasta el último el ritmo y el fraseo estuvieron al rojo vivo, la WEDO respondiendo con admirable precisión y entereza a su demandante director, al tope de su intensidad y adrenalina, aunque al servicio de un exhaustivo estudio del significado de la obra. Presencié este concierto el 7 de agosto; al día siguiente se repitió, cerrando el Festival. O sea que la Séptima se dio cinco veces. </span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent; color:rgb(0, 0, 0)"> </span><span style="background-color:transparent; color:rgb(0, 0, 0)">Espero que el año próximo haya Festival Barenboim pese al dólar a …70? 80? </span></span></span></p>
<div> </div>
<p> </p>
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titleEl "Festival 2018" Cientos de sueños se apoderaron un día del CCK
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description<p style="text-align:center"><img alt="" src="/src/media/images/blog%203/28577911_1898681116830218_6718538225833817971_n.jpg" style="height:533px; width:800px" /></p>
<p style="text-align:center">Ph: <span style="color:rgb(34, 34, 34); font-family:tahoma,sans-serif; font-size:12.8px">Federico Kaplun</span></p>
<blockquote>
<p style="text-align:center"><span style="font-size:16px"><span style="color:#000000"><strong><span style="background-color:transparent; font-family:arial">Bajo la batuta de maestros de importante trayectoria, casi 700 chicas y chicos de todo el país participaron de un emotivo y esperanzadorl cierre de “El Festival 2018” en el CCK. Venían de compartir una semana plagada de actividades y seminarios en la ciudad Chascomus, Capital Nacional de las Orquestas Infantiles y Juveniles.</span></strong></span></span></p>
</blockquote>
<p style="text-align:justify"> </p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Saliendo de los camarines, luego de saludar y felicitar a los maestros por el concierto increíble que habían tenido, me detiene Andrés González, Coordinador Académico de “El Festival 2018” y me dice: "mira como van los muchachitos llorando por ahí... te acuerdas?", y efectivamente, recorrer los pasillos detrás del escenario del CCK, era hacerse paso entre cientos de chicos emocionados, era pedir permiso para pasar entre abrazos y lágrimas de nuevos amigos, esos que nacieron entre intercambios profundos y valiosos, compañeros que sólo se tienen cuando hacés orquesta, cuando la música forma parte de tu vida, cuando comenzás a cosechar compañeros de fila. Lo recuerdo, y lo recuerdo tanto, que es ese el motor que 15 años después de dejarlo, me sigue moviendo en cada proyecto cultural que tengo el placer de acompañar. El Sistema te marca, te cambia y te hace creer y saber que todo es posible.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Para los que no se imaginan la experiencia, El Festival 2018, era la sexta edición de una actividad organizada por La Fundación Sistemas de Orquestas Infantiles y Juveniles de Argentina, en la que casi 700 músicos se juntan en la Ciudad de Chascomús (nombrada Capital Nacional de las Orquestas Infantiles y Juveniles por el Senado y la Cámara de Diputados de la Nación Argentina. Ley 27422) durante una semana. Todos estos chicos provenientes de distintas provincias del país (unos haciendo muchísimo esfuerzo para estar presentes) reciben capacitaciones, talleres, clases magistrales, seminarios y participan de encuentros, ensayos y conciertos, acompañados de los más respetados y reconocidos maestros del país.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">La Fundación SOIJAr es una ONG sin fines de lucro, fundada por la Maestra María Valeria Atela y avalada por el Maestro José Antonio Abreu, que nuclea el acompañamiento de <strong><em>orquestas-escuela</em></strong> a nivel nacional que trabajan bajo esta metodología, brindando herramientas y oportunidades de desarrollo y crecimiento técnico-instrumental a niños, niñas y jóvenes de todo el país de manera completamente gratuita. Pero, como todas las cosas que están bien hechas, planteadas estratégicamente y pensadas para ser brindadas con altos estándares de calidad, cada acción está vinculada a los maestros más importantes a nivel nacional e internacional, así como, a las instituciones más relevantes en el ámbito clásico del país, <strong>ratificando que una misión completamente social que promueve la inclusión y la integración a través del arte, puede generar programas y resultados de excelente calidad académica y técnica, permitiendo proyectar el futuro profesional de lo que se convierte en una siembra inagotable de músicos de calidad, que crecen con importantes nociones de solidaridad, respeto, disciplina, trabajo en equipo, en una escuela de ciudadanía, movidos por la pasión que la música genera en quien la descubre y la deja entrar en su vida.</strong></span></span></p>
<p style="text-align:justify"> </p>
<p style="text-align:justify"><iframe frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/je3LBqHetyQ" width="560"></iframe></p>
<p style="text-align:justify"> </p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Si dimensionamos que todo este contenido trasciende y salva, y que miles de chicos y jóvenes en distintas situaciones y contextos sociales bastante vulnerables, encuentran un espacio en el que se les incentiva, se les demuestra que hay otros caminos, que pueden ser ellos los que nutren el alma de muchos, un espacio en el que se revaloriza el poder de escuchar al otro, el de la comunicación, el respeto, un espacio en el que todos los conceptos humanos y ciudadanos se practican en orquesta, en el que el lenguaje es musical a través de claves, figuras y notas, y el trabajo, sí o sí, es en conjunto. Ahí se entiende la increíble misión de esta organización.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Es luego de este planteo, cuando se puede entender esa maravillosa experiencia de vivir la música, crecer y compartir con personas que sienten el mismo amor por su instrumento que vos, qué tienen las mismas ganas de perderse en el sonido, que de vez en cuando reniegan de la disciplina necesaria y que en ese momento de intercambio, al ser parte de una orquesta, se convierten en uno. Muchos poniendo todo de su parte para ser uno. Una orquesta que conmueve, que transmite, que inspira. Eso fue un poco lo que la Sala Sinfónica del CCK, con las butacas repletas y ahogadas de emoción y aplausos, tuvo el placer de disfrutar.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Bajo la batuta de maestros de importante trayectoria en el ámbito clásico del país, con carreras y proyección internacional, estos ejemplos de humildad y determinación, son un foco que iluminan a las casi 700 personas que participan de “El Festival 2018”, y que más allá de compartir sus conocimientos durante la semana de actividades y seminarios, despliegan su maestría al dirigir las tres orquestas de la VI Edición: la Infantil, la Juvenil y la Mega Orquesta.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Sorpresivamente, estos cientos de chicos subían al escenario de la Sala Sinfónica del CCK, para todos la primera vez en este importante espacio artístico/cultural porteño (a pocos días de recibir en ese mismo escenario a la legendaria Patti Smith), para otros la primera vez en un concierto de esta magnitud, todos orgullosos de haber trabajado junto a su orquesta, a sus referentes, maestros, familiares y la comunidad en cada una de sus provincias.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Brillantes, apasionados, con sus espíritus inmensos y la disciplina intacta, los niños, niñas y jóvenes, se apoderaron de sus instrumentos, del repertorio y del momento, para arropar a sus Maestros, quienes dirigían con total entendimiento y empatía de lo que implica tener bajo su batuta entre 300 y 500 músicos en cada caso.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"> </p>
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<p style="text-align:justify"> </p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><strong>Repertorio de la Orquesta Infantil de "El Festival 2018"</strong></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Piotr Illich Tchaikovsky: Obertura 1812, op. 49 (arreglo: A. Carter). Dirigido por el Maestro Hadrian Avila Arzuza</span></span></p>
<p style="text-align:justify"> </p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Astor Piazzolla: Adiós Nonino. Solista invitado: Horacio Romo (bandoneón)</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Arturo Márquez: Danzón n° 2 Dirigido por la Mtra. María Valeria Atela</span></span></p>
<p style="text-align:justify"> </p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><strong>Orquesta Juvenil de “El Festival 2018”</strong></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Richard Wagner: Obertura de Los maestros cantores de Nüremberg</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Igor Stravinsky: Final de El pájaro de fuego</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Jacques Offenbach: Obertura de Orfeo en los Infiernos</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Director invitado: Luis Gorelik</span></span></p>
<p style="text-align:justify"> </p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><strong>Mega Orquesta de “El Festival 2018”</strong></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Sonia Possetti: Bullanguera (versión de la compositora especialmente dedicada a la Orquesta-Escuela de Chascomús en su 20º Aniversario) Dirigido por Luis Gorelik</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Himno de la Alegría, Arreglo del 4° Movimiento de la 9° Sinfonía de Ludwig van Beethoven. Dirigido por la Mtra. María Valeria Atela.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"> </p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Es ese sentido humano el que acerca más público a la música académica, es esa entrega (que no tiene espacio para la demagogia) la que acerca a más jóvenes a la música académica. El futuro de nuestra "movida clásica" argentina, un presente mucho más visceral de las filas de cuerdas, vientos y percusión de los futuros profesionales a lo largo y ancho del país.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Sin dudas, la Fundación SOIJAr es una muestra de que los fines sociales y artísticos, bien aplicados, son cosechas invaluables. SOIJAr sabe y cree en lo que hace.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"> </p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><strong>Por Nahomi Martínez </strong></span></span></p>
<p> </p>
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