El "Festival 2018" Cientos de sueños se apoderaron un día del CCK
Ph: Federico Kaplun
Bajo la batuta de maestros de importante trayectoria, casi 700 chicas y chicos de todo el país participaron de un emotivo y esperanzadorl cierre de “El Festival 2018” en el CCK. Venían de compartir una semana plagada de actividades y seminarios en la ciudad Chascomus, Capital Nacional de las Orquestas Infantiles y Juveniles.
Saliendo de los camarines, luego de saludar y felicitar a los maestros por el concierto increíble que habían tenido, me detiene Andrés González, Coordinador Académico de “El Festival 2018” y me dice: "mira como van los muchachitos llorando por ahí... te acuerdas?", y efectivamente, recorrer los pasillos detrás del escenario del CCK, era hacerse paso entre cientos de chicos emocionados, era pedir permiso para pasar entre abrazos y lágrimas de nuevos amigos, esos que nacieron entre intercambios profundos y valiosos, compañeros que sólo se tienen cuando hacés orquesta, cuando la música forma parte de tu vida, cuando comenzás a cosechar compañeros de fila. Lo recuerdo, y lo recuerdo tanto, que es ese el motor que 15 años después de dejarlo, me sigue moviendo en cada proyecto cultural que tengo el placer de acompañar. El Sistema te marca, te cambia y te hace creer y saber que todo es posible.
Para los que no se imaginan la experiencia, El Festival 2018, era la sexta edición de una actividad organizada por La Fundación Sistemas de Orquestas Infantiles y Juveniles de Argentina, en la que casi 700 músicos se juntan en la Ciudad de Chascomús (nombrada Capital Nacional de las Orquestas Infantiles y Juveniles por el Senado y la Cámara de Diputados de la Nación Argentina. Ley 27422) durante una semana. Todos estos chicos provenientes de distintas provincias del país (unos haciendo muchísimo esfuerzo para estar presentes) reciben capacitaciones, talleres, clases magistrales, seminarios y participan de encuentros, ensayos y conciertos, acompañados de los más respetados y reconocidos maestros del país.
La Fundación SOIJAr es una ONG sin fines de lucro, fundada por la Maestra María Valeria Atela y avalada por el Maestro José Antonio Abreu, que nuclea el acompañamiento de orquestas-escuela a nivel nacional que trabajan bajo esta metodología, brindando herramientas y oportunidades de desarrollo y crecimiento técnico-instrumental a niños, niñas y jóvenes de todo el país de manera completamente gratuita. Pero, como todas las cosas que están bien hechas, planteadas estratégicamente y pensadas para ser brindadas con altos estándares de calidad, cada acción está vinculada a los maestros más importantes a nivel nacional e internacional, así como, a las instituciones más relevantes en el ámbito clásico del país, ratificando que una misión completamente social que promueve la inclusión y la integración a través del arte, puede generar programas y resultados de excelente calidad académica y técnica, permitiendo proyectar el futuro profesional de lo que se convierte en una siembra inagotable de músicos de calidad, que crecen con importantes nociones de solidaridad, respeto, disciplina, trabajo en equipo, en una escuela de ciudadanía, movidos por la pasión que la música genera en quien la descubre y la deja entrar en su vida.
Si dimensionamos que todo este contenido trasciende y salva, y que miles de chicos y jóvenes en distintas situaciones y contextos sociales bastante vulnerables, encuentran un espacio en el que se les incentiva, se les demuestra que hay otros caminos, que pueden ser ellos los que nutren el alma de muchos, un espacio en el que se revaloriza el poder de escuchar al otro, el de la comunicación, el respeto, un espacio en el que todos los conceptos humanos y ciudadanos se practican en orquesta, en el que el lenguaje es musical a través de claves, figuras y notas, y el trabajo, sí o sí, es en conjunto. Ahí se entiende la increíble misión de esta organización.
Es luego de este planteo, cuando se puede entender esa maravillosa experiencia de vivir la música, crecer y compartir con personas que sienten el mismo amor por su instrumento que vos, qué tienen las mismas ganas de perderse en el sonido, que de vez en cuando reniegan de la disciplina necesaria y que en ese momento de intercambio, al ser parte de una orquesta, se convierten en uno. Muchos poniendo todo de su parte para ser uno. Una orquesta que conmueve, que transmite, que inspira. Eso fue un poco lo que la Sala Sinfónica del CCK, con las butacas repletas y ahogadas de emoción y aplausos, tuvo el placer de disfrutar.
Bajo la batuta de maestros de importante trayectoria en el ámbito clásico del país, con carreras y proyección internacional, estos ejemplos de humildad y determinación, son un foco que iluminan a las casi 700 personas que participan de “El Festival 2018”, y que más allá de compartir sus conocimientos durante la semana de actividades y seminarios, despliegan su maestría al dirigir las tres orquestas de la VI Edición: la Infantil, la Juvenil y la Mega Orquesta.
Sorpresivamente, estos cientos de chicos subían al escenario de la Sala Sinfónica del CCK, para todos la primera vez en este importante espacio artístico/cultural porteño (a pocos días de recibir en ese mismo escenario a la legendaria Patti Smith), para otros la primera vez en un concierto de esta magnitud, todos orgullosos de haber trabajado junto a su orquesta, a sus referentes, maestros, familiares y la comunidad en cada una de sus provincias.
Brillantes, apasionados, con sus espíritus inmensos y la disciplina intacta, los niños, niñas y jóvenes, se apoderaron de sus instrumentos, del repertorio y del momento, para arropar a sus Maestros, quienes dirigían con total entendimiento y empatía de lo que implica tener bajo su batuta entre 300 y 500 músicos en cada caso.
Repertorio de la Orquesta Infantil de "El Festival 2018"
Piotr Illich Tchaikovsky: Obertura 1812, op. 49 (arreglo: A. Carter). Dirigido por el Maestro Hadrian Avila Arzuza
Arturo Márquez: Danzón n° 2 Dirigido por la Mtra. María Valeria Atela
Orquesta Juvenil de “El Festival 2018”
Richard Wagner: Obertura de Los maestros cantores de Nüremberg
Igor Stravinsky: Final de El pájaro de fuego
Jacques Offenbach: Obertura de Orfeo en los Infiernos
Director invitado: Luis Gorelik
Mega Orquesta de “El Festival 2018”
Sonia Possetti: Bullanguera (versión de la compositora especialmente dedicada a la Orquesta-Escuela de Chascomús en su 20º Aniversario) Dirigido por Luis Gorelik
Himno de la Alegría, Arreglo del 4° Movimiento de la 9° Sinfonía de Ludwig van Beethoven. Dirigido por la Mtra. María Valeria Atela.
Es ese sentido humano el que acerca más público a la música académica, es esa entrega (que no tiene espacio para la demagogia) la que acerca a más jóvenes a la música académica. El futuro de nuestra "movida clásica" argentina, un presente mucho más visceral de las filas de cuerdas, vientos y percusión de los futuros profesionales a lo largo y ancho del país.
Sin dudas, la Fundación SOIJAr es una muestra de que los fines sociales y artísticos, bien aplicados, son cosechas invaluables. SOIJAr sabe y cree en lo que hace.
No hay caso más flagrante de negligencia y olvido de un gran compositor operístico que el de Alessandro Scarlatti, reconocido mundialmente por los musicólogos como una figura clave, pero muy poco grabado y representado, pese a los muchos años de vinilo, CD y DVD. Por otra parte, la reina de las operetas es sin duda “El Murciélago” (“Die Fledermaus”) de Johann Strauss II pero raramente se dio bien aquí, aunque en ese caso sí hay espléndidos CDs y DVDs. Ambas fueron repuestas recientemente, Scarlatti por la Ópera de Cámara del Colón y Strauss por Juventus Lyrica.
El tenor lírico-ligero Juan Diego Flórez es indiscutiblemente el tenor belcantista más brillante de la actualidad y uno de los diez tenores más influyentes en la historia de la lírica.
Este año la Academia Bach de Buenos Aires cumple nada menos que 36 años, siempre bajo de la dirección de Mario Videla. En su nueva etapa en estos últimos años, es ahora una asociación civil. Y naturalmente, su ámbito de preferencia es la Iglesia Metodista Central, con su magnífica acústica. En cuanto a La Barroca del Suquía, Kraemer es un verdadero especialista de nivel internacional y tiene una gran carrera europea pero ha sabido sembrar y recoger cosecha en su ciudad y traerla a la CABA, que no tiene nada de esa calidad historicista.
La principal función de MusicaClasicaBA es fomentar la interacción entre músicos, agentes del sector público y privado y el público en general, permitiendo afianzar los lazos culturales y artísticos de nuestra región.
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<p style="text-align:center"><strong style="color:rgb(0, 0, 0); font-family:georgia,times,times new roman,serif; font-size:16px; font-style:italic">No hay caso más flagrante de negligencia y olvido de un gran compositor operístico que el de Alessandro Scarlatti, reconocido mundialmente por los musicólogos como una figura clave, pero muy poco grabado y representado, pese a los muchos años de vinilo, CD y DVD. </strong></p>
<p style="text-align:center"><strong style="color:rgb(0, 0, 0); font-family:georgia,times,times new roman,serif; font-size:16px; font-style:italic">Desde que yo empecé a ir a conciertos algunos/as divos/vas recurrieron a arias de Scarlatti en arreglos con piano, pero sólo dos veces se vio una ópera suya aquí; una de ellas se vio en la única versión con muchos cortes que entonces existía: “Il Trionfo dell´onore”. </strong></p>
<p style="text-align:center"><strong style="color:rgb(0, 0, 0); font-size:16px">Por otra parte, la reina de las operetas es sin duda “El Murciélago” (“Die Fledermaus”) de Johann Strauss II pero raramente se dio bien aquí, aunque en ese caso sí hay espléndidos CDs y DVDs. Ambas fueron repuestas recientemente, Scarlatti por la Ópera de Cámara del Colón y Strauss por Juventus Lyrica.</strong></p>
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<p style="text-align:center"><img alt="" src="/src/media/images/Agenda/tri.jpg" style="height:400px; opacity:0.9; width:800px" />?</p>
<p style="text-align:center"><span style="font-size:11px">PH: Máximo Parpagnoli</span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><strong>IL TRIONFO DELL´ONORE</strong></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"> En la ópera italiana barroca hubo tres escuelas: la veneciana liderada por Monteverdi y Cavalli, la romana fuertemente influida por el Vaticano y más similar a oratorios sacros escenificados al menos incialmente, y la napolitana, esencial en el nacimiento tanto de la opera seria como de la opera buffa, y con dos figuras relevantes: Alessandro Scarlatti y Giovanni Battista Pergolesi. En la napolitana hubo iniciadores válidos que en años recientes se han empezado a revalorizar, como Francesco Provenzale. Pero todos los musicólogos consideran a Alessandro (padre de Domenico, a su vez el estupendo creador de varios centenares de sonatas breves para clave) la gran figura, por más que Pergolesi sea mucho más representado y grabado pese a su muy corta vida.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"> Alessandro Scarlatti nació en Palermo (Sicilia) en 1660; poco se sabe de sus padres y Alessandro aparentemente fue enviado a Roma para formarse musicalmente, quizá con Carissimi (no confirmado); en 1679, a los 19 años, escribió su primer oratorio y su primera ópera, “Gli equivoci nel sembiante”. Su segunda ópera la escribe siendo “maestro di capella” de la reina Cristina de Suecia, que residía en Roma. “Pompeo”, en Roma, es su primera “opera seria” en gran escala (1683). Al año siguiente es nombrado en Nápoles “maestro di cappella” de la capilla real (recordemos que Nápoles estaba dominada por los Borbones españoles). Alessandro, que se había casado con una romana en 1678, tuvo cinco hijos. Se quedó en Nápoles hasta 1702, cuando la Guerra de Sucesión española causó disturbios, y entonces fue a Florencia y escribió óperas para el Príncipe Ferdinando de´ Medici, pero como éste no le daba un puesto fijo, volvió a Roma en el humilde puesto de segundo “maestro di cappella” del poderoso Cardenal Ottoboni, y como la oposición del Vaticano a la ópera por razones morales se mantenía, el compositor se dedicó a escribir gran cantidad de cantatas de cámara y se hizo miembro de la Academia Arcadiana, y con él lo hicieron Corelli y Pasquini. Pero pudo escribir una importante ópera para Venecia, “Mitridate Eupatore”. Políticamente las cosas habían cambiado en Nápoles: entre 1707 y 1734 estuvo en manos austríacas, y a partir de 1734 volvió a España en el Reino de dos Sicilias (extraño título, la segunda Sicilia era Nápoles). En 1713 el nuevo Virrey confirmó a Alessandro nuevamente como “maestro di cappella” de la Capilla Real; sin dejar de producir música sacra, el compositor volvió a la ópera. “Tigrane” (1715) es una ópera brillante y eficaz, y la fama del compositor se acrecentó. Sin embargo, alternó entre Nápoles y Roma en los años siguientes. En 1718 escribió para el Teatro dei Fiorentini de Nápoles su única ópera cómica, “Il trionfo dell´onore”. Y en 1721, para el teatro Capranica de Roma, con libreto de Zeno, su última opera seria importante, “Griselda”. De allí en más vivió en semi-retiro, y en su penúltimo año de vida tuvo como discípulo a Hasse, que sería uno de los más famosos operistas de las siguientes décadas; murió en 1725.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"> Fue Edward Dent, autor del artículo en el Diccionario Grove, quien escribió el estudio más detallado sobre Alessandro, y ello en 1905, cuando era todo un mérito ocuparse del Barroco en plena etapa final del Romanticismo; el mismo musicólogo escribió un notable libro sobre las óperas mozartianas. Su opinión sobre Alessandro es rotunda: “una de las más importantes figuras no sólo de la historia de la ópera sino de toda la historia de la música”. Y si bien tuvo etapas de distinto estilo (algo áspero y contrapuntístico en sus primeras obras, luego grácil y rococó, finalmente en pleno dominio de sus recursos), fue él quien estableció formas y maneras que duraron muchas décadas: la Obertura (aunque también Pergolesi poco después escribió algunas espléndidas; la de “L´Olimpiade” es tan buena que su sección inicial fue la cortina de mi programa de radio durante años); el aria da capo; el recitativo secco y el accompagnato; la carencia de coro; la adopción del modelo de libreto establecido por Metastasio con su desfile de arias para los cantantes principales y secundarios; desarrollo temático; equilibrio de la frase melódica; armonía cromática: todo esto llega hasta la escuela vienesa cuyo mayor representante es Mozart. Y en otras formas que la ópera fue admirable: el número de cantatas de cámara es descomunal y se mencionan distintas cifras: ¡la de Dent es 692! Conozco muy pocas pero me parecen de gran calidad y son el modelo que tomó Händel, también prolífico en este género. También están las Serenatas vocales sobre temas mitológicos, las misas y los oratorios, los motetes, algunas sonatas y piezas orquestales. Y todo esto apenas ha sido arañado en grabaciones y en vivo.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"> Es verdad que el listado de las óperas en Grove no aclara cuántas nos han llegado enteras ni dónde están los manuscritos, pero igual impresiona. Habría escrito unas 120 y alrededor de 60 estarían disponibles. No está de más señalar que en Nápoles la calidad de los violinistas era entonces pobre y ello condicionaba a los compositores; eran más hábiles en Roma o en Venecia, y ello se nota en ciertas óperas de escritura menos simple para las cuerdas, además añadiendo vientos a las cuerdas en algunos pasajes.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"> Creo útil dar datos sobre conciertos en Buenos Aires en las décadas de los Cincuenta y Sesenta, ya que entonces los cantantes solían iniciar sus programas con un aria de Alessandro Scarlatti. Así, yo pude apreciar lo siguiente: “Già il sole del Gange” y “O cessate di piagarmi”, de “Il Pompeo”, por Gérard Souzay; “Se Florindo è fedele” de “La donna ancora è fedele”, por Nan Merriman; “Le Violette” de “Il Pirro e Demetrio”, por Victoria de los Ángeles y Ángel Mattiello; “Sento nel cor” (ignoro de qué ópera) y “Chi vuol´innamorarsi” de “Il Flavio”, con Jan Peerce. Y en mi viejo catálogo de discos míos me aparecen grabaciones de Berganza. En el catálogo RER de CDs del año 2000 me encuentro con artistas como Schipa, Gigli, Bartoli, Tebaldi, Pinza, Baker, Hvorostovsky, Bayo, Carreras y Pavarotti, pero siempre en arias sueltas. (Conviene señalar que los Cds de Hvorostovsky y Bayo (los tengo) son un panorama actualizado en su estilo de lo que se denominaba “arie antiche” a través de un famoso álbum armado por Parisotti a principios del siglo XX). En cambio, las óperas completas son un páramo en ese catálogo: sólo “Lesbina e Adolfo”, un intermezzo buffo (como “La serva Padrona” de Pergolesi) que se intercalaba entre actos de una opera seria, en este caso “Odoardo”. Esto me indujo a investigar en Google, ya que así tengo datos de 2108, y apenas mejoraron las cosas: una sola ópera, “Griselda”, y por partida doble: una con artistas de treinta/cuarenta años atrás (Freni, Alva, Panerai, Bruscantini, Luchetti, Sanzogno) y otra de 2002 (Röschmann, Cangemi, Fink, Jacobs, en Harmonia Mundi).</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"> Supongo que no son muchos los que vieron las únicas dos óperas de Alessandro Scarlatti que se han estrenado en la Ciudad de Buenos Aires; soy uno de ellos y me alegro de haber podido tomar un contacto temprano, aunque luego no pasó nada hasta este año. El 6 de mayo de 1960 en el Teatro Cómico la benemérita Asociación de Conciertos de Cámara presentó “Il Trionfo dell´Onore” con un gran reparto: Falzetti, Allerand, Favre, Rouco, Ferracani y Sibel, director Calusio. Y el 10 de enero de 1970 en el Teatro del Lago en el Rosedal (a dos cuadras de donde vivía mi abuela y ahora vivo yo) dieron la primer ópera de Alessandro, “Gli equivoci nel sembiante”, con un elenco joven (Kassapian, Salza, Cordini, Grassi) y dirección de Rodríguez Fauré. Cuarenta y ocho años más tarde vuelve “Il Trionfo dell´Onore” en versión más completa de la Ópera de Cámara del Colón en el Teatro 25 de Mayo, siguiendo el enfoque de Lombardero de no dar las funciones en el Colón (por otra parte, había en época de Valenti Ferro una temporada de verano fuera del Colón y allí se presentaban tres obras por la Ópera de Cámara del Colón; tiempos que no volverán).</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"> El comentario en el programa, “Scarlatti triunfante”, por Luciano Marra de la Fuente, nos da datos precisos: “El primer biógrafo moderno de Scarlatti, Edward Dent, en 1905 ubica en la Biblioteca del Museo Británico de Londres al manuscrito de la ópera, que fue utilizado para su exhumación en 1938” (¡33 años después!) “por la Royal Academy of Music. Una copia fotografiada llegó a la Biblioteca dell´Accademia Musicale Chigiana, material revisado y reducido por Virgilio Mortari para ser puesto en escena en 194l en Siena” (¡en plena guerra!). Es la que se usó en Buenos Aires y en la única grabación que aparentemente existe y que compré en los años Cincuenta, antes del estreno en BA: es de 1950, en Cetra, la dirigió Giulini, dura sólo 81 minutos (bastante menos que en el estreno argentino) y tiene un buen reparto de artistas de esa época: Rovero, Pini, Zareska, Berdini, Poli y Borriello. El libreto es de Francesco Antonio Tullio; la acción se finge cerca de Pisa y a fines del s. XVII. El verdadero nombre de Tullio suena bastante cómico: Colantuono Feranlintisco. Es el primero que escribió libretos de opera buffa en genuina lengua Toscana. Toro, empresario del Teatro dei Fiorentini de Nápoles, expresó: “los sucesos son domésticos y familiares; en ellos, entre los personajes serios o ridículos, se espera que resulte igualmente agradable la seriedad y la alegría”. La orquesta se basa en las cuerdas y en algunos fragmentos intervienen vientos como el oboe; el clave da su base armónica pero con libertad improvisatoria.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"> Manuel de Olaso, yendo al manuscrito original, “preparó una reedición de la partitura que vuelve a poner en su lugar todo aquello que Scarlatti había escrito”; sin embargo, creo que hubo cortes, ya que no tiene lógica que si el Acto 1º duró una hora, el 2º sólo dure 17 minutos. Un dato importante: esta reposición se hizo “a 300 años del estreno”.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"> Vayamos a lo mejor: la orquesta y su director. Ocho violines, incluso el concertino Johannes Pramsohler, Fabrizio Zanella y cuatro alumnos de la nueva especialización en Música Antigua del ISA, una positiva acción del flamante Director del ISA, Daniel Birman. Dos violas: Joëlle Perdaens y un alumno del ISA. Dos violoncelos, un contrabajo. Dos oboes, Marisa Schmidt y Diego Nadra (único toque de maderas). Y los hermanos Olaso: Miguel en laúd y continuo y Manuel en clave y continuo. Diecisiete en total. Y el director, el joven vasco Iñaki Encina Oyón (debut en reemplazo de Birman), que alterna su carrera europea entre música antigua, romántica y contemporánea. El resultado fue sin duda fino y elegante, aunque poco sonoro; un estilo muy lejano a la energía veneciana, y en cambio rococó. Dos elementos dieron variedad: las bellas intervenciones de oboes, y la imaginación de los hermanos Olaso en los recitativos. Creo que sin pérdida de la calidad el director podría, sobre todo en las arias bufas, haber sido algo más incisivo en el fraseo.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"> Como si fueran antecesores de Don Giovanni y Leporello, así parecieron Riccardo Albenori y el Capitán Rodimarte Bombarda. Sin haber visto el manuscrito original no puedo opinar sobre los cambios que hay entre la grabación de Giulini y lo que vimos: Riccardo en Giulini es tenor, aquí fue una soprano travestida (Victoria Gaeta). Otro cambio: Erminio es barítono en Giulini, aquí fue contratenor (Flavio Oliver). Y Cornelia es soprano en Giulini y aquí fue un tenor (Josué Miranda) que falseteaba continuamente. Los tres cambios me molestaron y mucho, pero no sé si tienen base en el manuscrito.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"> Y bien, como tantas veces en la actualidad, el enfoque de régie de Victoria Zamudio fue catastrófico. Como fue asistente de dirección de Lombardero en varios proyectos, no me extraña que haya sido elegida y que haya hecho lo mismo que Lombardero en “La clemenza di Tito” de Mozart: puesta fuera de época antes del intervalo y en época, con pelucas y máscaras, en el Acto 3º, que mejoró en consecuencia. Pero incluso admitiendo (que no lo admito) ese profundo choque entre la música y lo que se veía en los primeros dos actos, lo que se vio fue de una baratura de teatro de revistas del peor gusto, con escatologías a granel. Secundaron a Zamudio Carmen Auzmendi en escenografía, Gonzalo Giacchino en vestuario y Mauro Pujía en iluminación. Dos figurantes a su vez se entrometieron en la acción mientras movían cosas, como si fueran personajes. Las extravagancias se sucedieron como si una comedia rococó fuese lo que los americanos llaman “slapstick”: comedia grotesca basada en ridículas exageraciones y encuentros físicos. Claro está que los cantantes hoy en día tienen siempre el dilema de negarse y ser echados o aceptarlo porque no si no, no trabajan. Pero también están aquellos que son adictos a ese tipo de humor, como Flavio Oliver, que no canta bien pero hace payasadas con evidente gozo. O la parodia a la enésima potencia de Cornelia; no tengo ni idea de si Josué Miranda es capaz de cantar bien, sé que no cantó en esta oportunidad. Otros, como el talentoso barítono Mariano Gladic, que fue vapuleado casi sin interrupción como el Capitán Bombarda, se las arreglaron para cantar bien pese a todo. Salvaron la parte una cantante que está acostumbrada a estas distorsiones contemporáneas y tiene buen material, como Cecilia Pastawski (Rosina), o jóvenes bastante flexibles como el tenor Pablo Urban haciendo de Flaminio, viejo e impenitente mujeriego, o la soprano Sofía Di Benedetto como Doralice, cortejada por Riccardo. Pero hay un personaje serio en la trama, Leonora, seducida y abandonada por Riccardo, y en el Tercer Acto, tras ser éste herido en duelo por Erminio, hermano de Leonora, implora el perdón de Leonora y se casa con ella. Y si Gaeta gana dignidad y canta bien en esta última escena, me sigue costando mucho aceptar que este Don Juan sea mujer. Donde tanto la música como la función cobraron nobleza y calidad fue en el espléndido canto y actuación de la chilena Evelyn Ramírez, que hizo varios barrocos notables en Buenos Aires.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"> Sin ser una obra maestra, hay en “Il trionfo dell´onore” mucho que rescatar: la Obertura, arias bufas divertidas, arias tristes y muy expresivas de Leonora, dúos y tríos que dan variedad tímbrica y están muy bien elaborados. Aquí empieza el camino que llevará a Paisiello, Cimarosa, Rossini y Donizetti., Agradezco la nueva oportunidad de escucharla en vivo, ¿pero cuándo madurarán los régisseurs y se curarán de sus disparatadas resignificaciones? Ciertos pasajes con máscaras y la marcación de Leonora parecen indicar que Zamudio podría hacer cosas mejores.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"> No ayudó el teatro, con sus tablones crujientes en la platea (necesita mantenimiento) ni la falta de puntualidad (empezó 15 minutos más tarde).</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"> Ahora alguien debería pensar en “Griselda” y presentarla con decencia en Buenos Aires. Un estreno donde la música atrae pero lo visual es rechazante no sirve. Hay que seguir escuchando a Scarlatti y no sólo sus óperas. ¿Qué tal uno de sus oratorios, varios de los cuales se han grabado?</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"> </span></span></p>
<hr />
<p style="text-align:justify"> </p>
<p style="text-align:center"><img alt="" src="/src/media/images/Agenda/mur.jpg" style="height:450px; width:800px" /></p>
<p style="text-align:justify"> </p>
<p style="text-align:justify"><strong><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px">EL MURCIÉLAGO</span></span></strong></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"> Si me explayé con respecto a Alessandro Scarlatti, es porque una gran figura como él debe conocerse mejor. Seré más breve con “El Murciélago”, ya que cualquier melómano conoce bien la opereta vienesa más famosa del siglo XIX. Pero también es cierto que la única opereta vienesa que se vio con calidad internacional en Buenos Aires en los últimos cincuenta años fue “La viuda alegre” de Lehár en el Colón en 2001. Ésta se dio agradablemente en Juventus Lyrica, y algo parecido puede decirse de la tercera vez que esta institución acomete la tarea de darnos un buen “Fledermaus”: la opereta es un arte muy difícil, ya que, como la zarzuela, exige cantantes que también sean buenos actores hablando y dominen el estilo y el idioma. Y la primera condición es hacerla en su idioma original, tanto canto como textos hablados. Esto se cumplió las tres veces, pero el primer “Fledermaus” fue muy pobre en puesta y dirección de orquesta. El segundo y el tercero han estado en manos de Ana D´Anna y han salido bien, aunque con algunas fallas.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"> El Colón estuvo en el buen camino entre 1931 y 1941: en alemán, con notables directores y cantantes: 1931, director (D) Sebastian, cantantes como Maria Raidl, Ludwig Hofmann y Fritz Krenn; 1936, (D) Fritz Busch, cantantes: Wittrisch, Lemnitz, Irra Pettina, Editha Fleischer; una “gaffe” fue poner a Pedro Quartucci como carcelero (en castellano); 1941, (D) Erich Kleiber, cantantes: Maison, Jessner, Farell, Destal, Janssen, Hellwig. Régisseurs de la calidad de Karl Ebert (1936) y Josef Gielen (1941) y un escenógrafo como Caspar Neher en los tres años. Pero en 1974 y 1984 se hizo en castellano, y “Die Fledermaus” se arruina tanto como “La Verbena de la Paloma” en alemán, pese a que cantaron varios de nuestros mejores cantantes. El Colón nos debe un gran “Fledermaus” internacional.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"> No tuve la suerte de ver en vivo un “Fledermaus” de categoría y herví de rabia cuando llegué a Viena por primera vez una noche de Enero 1961 para enterarme de que esa misma noche Karajan la había dirigido en la Staatsoper. Y bueno, la vida es una lotería, Pero sí ví el tan simpático DVD dirigido por Domingo y con Prey de Eisenstein. Y en discos hay maravillas; para mí, nada mejor que la grabación de Karajan con Schwarzkopf, Gedda y Kunz; ni siquiera su segunda versión con ese divertimento inventado en el Segundo Acto en el que Nilsson cantaba “My Fair Lady”. Pero son memorables las dirigidas por Krauss y Carlos Kleiber y muy buenas las dirigidas por Boskovsky y Stolz, siempre con grandes figuras. En ellas queda demostrado que un gran artista comunica su calidad incluso sin verlo, cantando y hablando.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"> Sí, por cierto, en “Die Fledermaus” no hay un solo fragmento mediocre. Es un raudal de música bella y feliz y resulta de toda justicia que sea la preferida. Pero hay que darle lugar a otras del autor, como “Der Zigeunerbaron” (“El Barón Gitano”, sólo vista aquí en castellano y hace medio siglo) o “Eine Nacht in Venedig” (“Una noche en Venecia”). Y muchas más ni siquiera están grabadas. Strauss llegó tarde al género, a los 46 años, y escribió quince operetas hasta sus 72 años, y además una ópera, “Ritter Pazman”. Habría que explorarlas.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"> Y ahora a esta reposición en el Avenida, iniciando la temporada de Juventus. Hubo dos repartos en tres funciones; yo ví el segundo y pondré entre paréntesis los que interpretaron al personaje en el primero. El mero hecho de hacer la obra en alemán es un mérito, ya que pocos argentinos lo hablan y deben aprenderlo y memorizarlo por fonética con suficiente aplomo y desenvoltura requeridos por una acción rápida sin baches. Los alemanes en el público seguramente sintieron que hubo pequeñas o medianas imperfecciones, pero todos los cantantes pusieron mucho esfuerzo y pasaron el examen. Hay algo que no pueden tener y es el vienesismo; uno va a la Volksoper en Viena y no escucha grandes voces, pero todos tienen el estilo en la sangre y es una gran compensación. Está ocurriendo ahora lo mismo con la zarzuela aquí, ya que los cantantes argentinos raramente logran la fluidez y el salero a la española, por más que canten bien, y por eso se hace tan poca zarzuela, lo cual es una lástima; es que los exilados del régimen de Franco ya no están.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"> Una opereta en varios actos demanda un reparto amplio y doble, coro, orquesta, a veces bailarines, y suficiente inversión como para ilusionar que es un espectáculo fastuoso aunque no lo sea. Y bien sabemos que no es ésta época de grandes mecenazgos. De modo que es injusto pretender que una compañía privada pueda hacer lo que sí se le debe exigir al Colón. Sin embargo, Juventus logró una puesta digna con pocos elementos. El diseño de escenografía de D´Anna se basó para ahorrar (¡pero también lo hace el Colón!) en una armazón que servirá en los tres actos, pero funciona bien y se adapta a los tres ambientes disímiles: la casa de Eisenstein, el palacio de Orlofsky y la cárcel. Algo más de color le hubiera dado alegría a ese marco. La hija de D´Anna, María Jaunarena, ha demostrado ser una hábil vestuarista, y realizó otro de sus logrados trabajos, especialmente en los vestidos de Rosalinde o en la elegancia de Eisenstein y Orlofsky. Buena la iluminación del experimentado Gonzalo Córdova. En su régie D´Anna resultó eficaz aunque algo exagerada, sobre todo en el caso de Adele, la camarera; conseguir un efecto espontáneo de comedia bien jugada no es simple, y en general lo obtuvo. El morcilleo de Alfred, al agregar en partes habladas fragmentos cantados de óperas, es tradicional, ya que su personaje es un tenor, y resultó gracioso (aunque fue cuidadosamente seleccionado, ya que los dos intérpretes cantaron los mismos fragmentos). De paso, hasta el vaudeville desenfadado de Feydeau puede hacerse de modo sutil, como lo demostró Barrault en Buenos Aires, pero en esta ciudad la comicidad tiende a ser demasiado evidente y gruesa; y en una opereta a veces un gesto perfecto vale más que un despliegue calisténico.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"> Pequeña digresión: Juventus es una compañía de temporada (stagione) que debe renovar los títulos año a año, de modo tal que el gasto de una puesta debe amortizarse en cuatro funciones; pero en la Volksoper, que es de repertorio, pueden con un éxito seguro realizar una inversión importante, ya que luego se usará en muchas temporadas, de tal modo que es fácil de amortizar. Es verdad que a veces una mala puesta (en Bayreuth, p.ej.) se sigue dando aunque sea abucheada hasta que esté amortizada, lo cual me parece carente de ética.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"> Vale la pena mencionar que el muy buen libreto de Carl Haffner y Richard Genée (¿quién se acuerda de sus nombres?) es adaptada de “Le Réveillon” de Henri Meilhac y Ludovic Halévy (¡sí, los de “Carmen”!) , lo cual concuerda con la tendencia de muchas operetas vienesas de provenir de textos franceses; pero lo curioso es que a su vez aquella pieza proviene de una alemana, “Das Gefängnis” (“La prisión”), de Roderich Benedix (1851). “Die Fledermaus” es de 1874.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"> Se recordará que Monserrat Maldonado cantó una notable Norma el año pasado para Juventus. Ahora evidenció una admirable versatilidad al cantar Rosalinde (Ivana Ledesma) con amplia y bella voz, jugando bastante bien la comedia y resolviendo con solvencia la difícil Czardas. Laura Penchi (Constanza Díaz Falú) es exuberante por naturaleza y ha cantado Adele otras veces; es simpática, entradora, y tiene el rango vocal y la agilidad para un rol que cantan coloraturas alemanas…pero algo de contención sería más vienés. Me gustó mucho Griselda Adano (Rocío Arbizu) como Orlofsky: la figura estilizada, el rostro fresco y adolescente, el timbre grato, el fraseo de buen gusto: todo esto hace de su aristócrata blasé el perfecto anfitrión. La tesitura de Eisenstein permite que lo interprete ya sea un tenor o un barítono de fácil agudo; pero el personaje necesita además tener una estampa atractiva, moverse bien, parecer enojado en un momento y seductor en otro. Me resultó algo confuso que en el reparto que me tocó lo cantó un barítono, Mirko Tomas, mientras que en el otro (Justo Pastor Rodríguez) lo hizo un tenor. Tomas es un artista de amplia trayectoria y personificó a Eisenstein con mucha propiedad, alto, canoso, de cuidado físico y convincente en sus cambios de humor; sin embargo, la realidad es que en los agudos estuvo francamente incómodo y ello deslució el resultado, aunque en el registro medio y grave se manejó con soltura y musicalidad. Pablo Urban (Santiago Martínez) estuvo muy cómodo en su tenor enamorado de Rosalinde, que coquetea con él pero sin intención de infidelidad; la impertinencia del tenor hace que se presente en piyama ante Frank, el director de la cárcel a la que fue condenado Eisenstein por agredir a un policía, y Frank se lleva al tenor a la prisión creyéndolo Eisenstein…A Frank lo personificó Gabriel Carasso (¡Mirko Tomas es el alternado!); siendo un rol donde cantar es secundario, se adapta a las condiciones de actor de Carasso, que en cambio tiene escaso caudal vocal. El Dr. Falke es el autor de la trama: quiere vengarse de Eisenstein, que había dejado a Falke disfrazado de murciélago en plena campiña obligándole a volver caminando disfrazado a la ciudad. Buen rol para Ernesto Bauer (Gabriel Vacas), barítono lírico que sabe decir, aunque lo encontré con menos voz que otras veces. Muy divertido Patricio Oliveira, tenor (¡Carasso, barítono!), cuando el abogado Dr. Blind hace frente al enojo de Eisenstein, que por torpeza de Blind deberá pasar más días en la cárcel. El trío de los dos con Rosalinde es de las ocurrencias más felices de toda la obra, mientras Blind larga el rollo de todo lo que él puede hacer para mejorar la situación y sólo logra que Eisenstein lo eche de mala manera: excelente actor, realiza una gestualidad cómica al perder sus anteojos ya que es super-miope. Por último, los actores: Ida, la hermana de Adele, en la fiesta: Lucía Alonso (sin doble) la interpreta bien. Y el veterano Carlos Kaspar (sin doble) como el carcelero Frosch, que trata de hacer callar a Alfred que canta en la celda; buen chiste cuando Alfred canta “La Paloma” y luego a Lohengrin cuando se refiere al cisne y Frosch dice: con que la palomita es ahora un cisne.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"> Hay una tradición en “Die Fledermaus” que puede o no hacerse: la de intercalar un divertimento en la escena del Palacio, como presunto regalo de Orlofsky a sus huéspedes. Lamento decir que D´Anna equivocó sus elecciones. Ésta es una opereta vienesa y lo más adecuado es música que vaya con la alegría del género y con la ciudad que es todo un símbolo. Serdar Geldymuradov, concertino de la orquesta, subió al escenario, y en vez de tocar p.ej. el Capricho vienés de Kreisler, ofreció un insólito Piazzolla, extrañamente llamado “Ave Maria”: una melodía lenta nada tanguera. Lo que siguió fue el colmo del error: el tenor paraguayo Justo Pastor Rodríguez (el otro Eisenstein) cantó una de las arias más trágicas: “E lucevan le stelle” de “Tosca”. No lo hizo mal, pero aplastó el ánimo festivo. Lo último al menos fue una broma, según me contaron: la presuntamente ausente Soledad de la Rosa se disfrazó de cantante de gospel y cantó…un Negro Spiritual rápido, “Joshua fit de battle of Jericho”, eso sí, con las distorsiones del gospel. Qué lindo hubiera sido que cante “Wien, Wien, nur du allein”. Acompañó al piano Matías Galíndez y anunció Kaspar en castellano.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"> Falta mencionar al Coro (31 cantantes) y la orquesta (46 ejecutantes) ambos dirigidos por Hernán Sánchez Arteaga. Buen músico de sólida formación, consiguió ajuste y claridad y logró concertar momentos complicados como el gran vals lento “Brüderlein und Schwesterlein” (“Dui-du”) o el festejo del champagne. Lo que faltó, y no puede asombrar, es ese rubato vienés que sabe retener un segundo más que lo marcado en puntos que no están especificados; hay que sentirlos. Agregó al principio del Tercer Acto la polka “Truenos y relámpagos” (creo).</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"> En suma, una grata tarde, más allá de algunas cosas mejorables. Strauss en su mejor nivel es uno de los grandes placeres de la vida y bastante de su espíritu estuvo presente.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><strong><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px">Pablo Bardin</span></span></strong></p>
<p style="text-align:justify"> </p>
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created2018-05-24
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titleEL TENOR PERUANO JUAN DIEGO FLÓREZ, ACLAMADO EN EL AUDITORIO NACIONAL DE MADRID.
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categoryReseñas
short_descEl tenor lírico-ligero Juan Diego Flórez es indiscutiblemente el tenor belcantista más brillante de la actualidad y uno de los diez tenores más influyentes en la historia de la lírica.
description<p style="text-align:center"><img alt="" src="/src/media/images/Agenda/diego%20flores.jpg" style="height:400px; width:800px" /></p>
<p> </p>
<blockquote>
<p style="text-align:center"><strong><span style="font-size:16px"><span style="color:#000000">El tenor lírico-ligero Juan Diego Flórez es indiscutiblemente el tenor belcantista más brillante de la actualidad y uno de los diez tenores más influyentes en la historia de la lírica.</span></span></strong></p>
</blockquote>
<p> </p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">En una velada a su medida, menos ortodoxa de lo que los expertos y críticos hubieran querido, pero más en la línea de lo que, con toda probabilidad quería cantar, fascinó al público del Auditorio Nacional capitalino, temido por los artistas por la sequedad de la ciudad, las toses sempiternas de sus asistentes, sus llegadas tarde y sus salidas intempestivas de la sala.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Precisamente, el tenor peruano comenzó el recital refiriéndose con ironía fina “al tráfico de Madrid”, aludiendo a las interrupciones de los que entraban extemporáneamente y tarde, consentidos por una acomodadora con evidente falta de criterio y estilo. Así que fueron varios los cortes que interpuso Flórez que, además, confesó, sentirse en baja forma pero “mejor después de un cafecito”. Acatarrado pero valiente, acababa de llegar de Münich, donde había realizado 6 funciones de Donizetti, 3 de las cuales, en Lucia di Lammermoor.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Con un programa de mano tan nutrido y florido como es habitual, no merece la pena detenerse en la historia musicológica y estilística de la propuesta, que comenzó con Mozart, compositor de la ciudad en que vive habitualmente el artista y de quien ha grabado hace poco un cd.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Buena dicción alemana para su “Dies Bildnis ist bezaubernd schön” de La flauta mágica, en una cálida interpretación de bel canto, considerándolo así desde el siglo XVII y no exclusivamente en ese lapso bien tipificado que termina con Rossini.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Un Si spande al sole in facci, de Il re pastore (1775), se escuchó solar y expansivo en el modo mayor que casa muy bien con el temperamento y el espíritu Flórez, como un cielo claro lleno de sol, abierto y original con el calor y el color americanos de fondo.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Gluck fue diferente. La dicción francesa mucho más solvente que hace más de veinte años, cuando empezó su carrera lírica, envuelve el canto privilegiado del tenor, alter ego de un Orfeo mítico desgarrado y nuevamente solo. Se trata de dos verdaderos relatos musicales con alternancias emotivas, claroscuros y retos interpretativos evidentes.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Donizetti vino a cambiar el clima del concierto, refrescando y aligerando el ambiente con su Vals para piano en do mayor, luminoso y floral y también, “Me voglio fa na´casa (muy del mezzogiorno italiano, dialectal, socarrón y a la vez cadencioso) y el “Allegro io son” de Rita.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Más compositores franceses, Fauré, Massenet, Gounod y su Fausto ( ¡qué recuerdos de la suntuosa y rica producción de finales de invierno en la ópera de Montecarlo!) señalando el camino de un cantante entregado, a pesar de todas las circunstancias disruptivas del comienzo y el estado de su voz, que siempre resiste y desafía las inclemencias “del tiempo y los caminos”·</span></span></p>
<p style="text-align:justify"> </p>
<p style="text-align:justify"><iframe frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/tvbAyLLSU10" width="560"></iframe></p>
<p style="text-align: center;"><span style="font-size:11px">Cantando Mozart en Munich</span></p>
<p style="text-align:justify"> </p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Entre todos los compositores homenajeados por Juan Diego Flórez, su Verdi rinde y enamora. Su predilecto Rigoletto, en la vibrante “Questa o quella”, descarada y picante, el “Parmi veder le lagrime”, que tendrán, como era previsible un correlato posterior, en “La donna è mobile” interpretada como “encore” a la peculiar manera de Flórez. En trocitos musicales entrecortados, alegrados por el temple del pianista, inconmovible y las propias digresiones improvisadas de aquel, dirigiéndose al público.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Entre ellas, el agradecimiento a los organizadores y patrocinadores, varios, y sobre todo, presente en la sala, a la legendaria mezzosoprano Teresa Berganza, que se acercó al escenario para saludarlo de cerca, dando lugar a un chapliniano y gesticulante agradecimiento de Flórez, adepto como ella de Rossini y de las páginas más recordadas del bel canto. Fantástica también en su versión de fan Berganza, siempre elegante, conmovedoramente sabia.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">No estuvieron que se supiera representantes diplomáticos ni premios Nobel ad hoc, pero sí la referencia implícita de Juan Diego a su labor como animador de la Sinfonía del Perú, un proyecto que contribuye a que casi ocho mil niños de 21 localidades peruanas, puedan tener otra autoconfianza y una vida mejor, tal y como ha declarado tantas veces el cantante.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="color:rgb(0, 0, 0); font-size:14px">Como expresa con claridad el tenor: “un instrumento musical reemplaza a una futura arma, el trabajo en equipo al futuro pandillaje y el orgullo de las familias por lo que hoy sus niños están logrando, reemplaza a la violencia y al trabajo infantil”.</span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">En declaraciones en una entrevista el día anterior de la velada en el Auditorio, el interés del artista peruano por recuperar el repertorio tradicional y promover nuevas creaciones en el folklore, también de Latinoamérica, al que se ha brindado de nuevo en una grabación que saldrá – declaró entusiasmado- este mismo año.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">No haría falta recordar que fue galardonado con numerosos premios como el Premio Abbiati, el Rossini d’Oro, el Bellini d’Oro, Aureliano Pertile, L’Opera Award, además de recibir el prestigioso título "Kammersängerin", un galardón que en el pasado concedía la corte de los Habsburgo y que en la actualidad el Gobierno de Austria sigue entregando sólo a las mejores voces. En su país de origen fue distinguido con la Orden El Sol del Perú, por su destacada participación en el mundo de la lírica.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Pero por supuesto, quedan en la memoria siempre, su cercanía en los recitales, la ocurrencia de salir en los Proms de Londres disfrazado inesperadamente de emperador inca (un imperio entre los imperios americanos, que ya descollaba mucho antes de la llegada de los conquistadores españoles).</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Las localidades eran caras, pero el teatro estaba al completo. Como sugerencia del propio cantante, 60 sillas (las de los miembros habituales de las orquestas que tocan en el Auditorio), se colocaron delante de los bancos del coro, en el mismo escenario, acompañando por detrás muy de cerca al tenor y a su acompañante, el pianista italoamericano nacido en Nueva Jersey, que ha actuado junto a célebres cantantes como Carlo Bergonzi, Montserrat Caballé, José Carreras, Katia Ricciarelli o Renata Scotto, entre muchos otros.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Así que, si hay algo mejor que poder comprar unas entradas de platea de casi 200 euros, está, como en el caso de esta cronista, el poder sentarse en una de esas sillas imprevistas acomodadas en el escenario, por gentileza de Juventudes Musicales junto a profesores y alumnos de las escuelas de canto de Madrid. Un lujo y una distinción, de verdad.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Las propinas de Flórez son memorables, escénicas, teatralizadas, animadas por un cantante cuya capacidad de darse a la gente en general y al público en este caso, parece infinita, inacabable. Lucia di Lammermoor, Una furtiva lágrima, y cómo no, también, ahora tocando su guitarra, la música hispanoamericana con Cucurrucucú, paloma, la frecuentada Granada o la inenarrable literatura valseada de su canción-himno, La flor de la canela, de Chabuca Granda.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Alguien le entregó unas flores al Maestro, una conciudadana,” con los colores de la bandera de Perú”, rosas con las que jugó durante el final, apoteósico, del concierto. El público, aplaudiendo de pie y los 60 de las sillas, enfervorizados, por el permiso explícito del tenor, para bajar del escenario y acomodarse mejor para las propinas, en esta ocasión, de frente al espectáculo.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">La experiencia de esta noche, como las otras de estos conciertos en la capital española de Juan Diego Flórez, no se puede narrar, ni contarse adecuadamente. Porque la música se introduce en el torrente sanguíneo. Es algo muy físico, no hay cómo. Es adentrarse en el tráfago de las emociones desbordadas y la taquicardia natural, esperada, in crescendo, que produce una música tan bella y tan generosamente interpretada y para eso no existen convenciones, erudición libresca, ni palabras.(Menos mal…)</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><strong><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Alicia Perris</span></span></strong></p>
<p> </p>
<hr />
<p><span style="font-size:14px"><span style="color:rgb(0, 0, 0)">Juan Diego Flórez, tenor y Vicente Scalera, piano. 23 de mayo de 2018.</span></span></p>
<p> </p>
<p><strong><span style="font-size:14px"><span style="color:rgb(0, 0, 0)">PROGRAMA</span></span></strong></p>
<p><strong><span style="font-size:14px"><span style="color:rgb(0, 0, 0)">Wolfang Amadeus Mozart (1756-1791)</span></span></strong></p>
<p><span style="font-size:14px"><span style="color:rgb(0, 0, 0)">"Dies Bildnis ist bezaubernd schön", de La flauta mágica</span></span></p>
<p><span style="font-size:14px"><span style="color:rgb(0, 0, 0)">"Si spande al sole in faccia", de Il re pastore</span></span></p>
<p> </p>
<p><strong><span style="font-size:14px"><span style="color:rgb(0, 0, 0)">C.W. Gluck (1714-1787)</span></span></strong></p>
<p><span style="font-size:14px"><span style="color:rgb(0, 0, 0)">"J'ai perdu mon Eurydice", de Orfeo y Eurydice</span></span></p>
<p><span style="font-size:14px"><span style="color:rgb(0, 0, 0)">"L'espoir renaît dans mon âme", de Orfeo y Eurydice</span></span></p>
<p> </p>
<p><strong><span style="font-size:14px"><span style="color:rgb(0, 0, 0)">Gaetano Donizetti (1797-1848)</span></span></strong></p>
<p><span style="font-size:14px"><span style="color:rgb(0, 0, 0)">"Vals para piano en Do Mayor"</span></span></p>
<p><span style="font-size:14px"><span style="color:rgb(0, 0, 0)">“L’amor funesto”</span></span></p>
<p><span style="font-size:14px"><span style="color:rgb(0, 0, 0)">“Me voglio fa na’ casa”</span></span></p>
<p><span style="font-size:14px"><span style="color:rgb(0, 0, 0)">Allegro io son", de Rita</span></span></p>
<p> </p>
<p><strong><span style="font-size:14px"><span style="color:rgb(0, 0, 0)">Gabriel Fauré (1845-1924)</span></span></strong></p>
<p><span style="font-size:14px"><span style="color:rgb(0, 0, 0)">"Après un rêve</span></span></p>
<p> </p>
<p><strong><span style="font-size:14px"><span style="color:rgb(0, 0, 0)">Jules Massenet (1842-1912)</span></span></strong></p>
<p><span style="font-size:14px"><span style="color:rgb(0, 0, 0)">"Ouvre tes yeux bleus”</span></span></p>
<p> </p>
<p><strong><span style="font-size:14px"><span style="color:rgb(0, 0, 0)">Charles Gounod (1818-1893)</span></span></strong></p>
<p><span style="font-size:14px"><span style="color:rgb(0, 0, 0)">"Salut! demeure chaste et pure”, de Fausto</span></span></p>
<p> </p>
<p><strong><span style="font-size:14px"><span style="color:rgb(0, 0, 0)">Jules Massenet</span></span></strong></p>
<p><span style="font-size:14px"><span style="color:rgb(0, 0, 0)">"Ah, fuyez douce image", de Manon</span></span></p>
<p> </p>
<p><strong><span style="font-size:14px"><span style="color:rgb(0, 0, 0)">Giuseppe Verdi(1813-1901)</span></span></strong></p>
<p><span style="font-size:14px"><span style="color:rgb(0, 0, 0)">"Questa o quella", de Rigoletto</span></span></p>
<p><span style="font-size:14px"><span style="color:rgb(0, 0, 0)">"Parmi veder le lagrime", de Rigoletto</span></span></p>
<p><span style="font-size:14px"><span style="color:rgb(0, 0, 0)">"Mercè diletti amici… Come rugiada al cespite", de Ernani</span></span></p>
<p> </p>
short_descEste año la Academia Bach de Buenos Aires cumple nada menos que 36 años, siempre bajo de la dirección de Mario Videla. En su nueva etapa en estos últimos años, es ahora una asociación civil. Y naturalmente, su ámbito de preferencia es la Iglesia Metodista Central, con su magnífica acústica. En cuanto a La Barroca del Suquía, Kraemer es un verdadero especialista de nivel internacional y tiene una gran carrera europea pero ha sabido sembrar y recoger cosecha en su ciudad y traerla a la CABA, que no tiene nada de esa calidad historicista.
description<p style="text-align:center"><img alt="" src="/src/media/images/Agenda/academia%20Bach(1).jpg" style="height:400px; width:800px" /></p>
<p style="text-align:center"><span style="font-size:11px">PH: Marcelo Lombardi</span></p>
<p style="text-align:center"> </p>
<p style="text-align:justify"><strong><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">ACADEMIA BACH</span></span></strong></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> Este año la Academia Bach de Buenos Aires cumple nada menos que 36 años, siempre bajo de la dirección de Mario Videla. En su nueva etapa en estos últimos años, es ahora una asociación civil. Y naturalmente, su ámbito de preferencia es la Iglesia Metodista Central, con su magnífica acústica. El tema de este año (porque Videla siempre busca relacionar a Bach con compositores o corrientes estilísticas de su tiempo) es “Bach y el Estilo Francés”, muy atrayente por cierto, y está conectado con el 250º aniversario del nacimiento de François Couperin, admirado por Bach.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> En Alemania ese estilo atraía no sólo a Bach, sino que junto al italiano eran dos escuelas que influían a los germanos. El particular interés en este concierto inicial fue que tres obras se dieron en primera audición (excepto las de Hasse). Así, escuchamos al principio la Suite Nº4 en re menor, “Le Journal du Printemps” (“El Diario de la Primavera”), su Op.1, escrito en Augsburg en 1695 por Johann Caspar Ferdinand Fischer (1665-1746); título completo, traducido: “El Diario de la Primavera, consistente en aires y piezas de baile a 5 partes con trompetas ad libitum” (no se incluyeron esta vez). La Obertura a la francesa es habitualmente la alternancia entre un comienzo lento (A) y un fragmento rápido (ABA) pero en este caso fue ABABA. Una breve “Entrée” (“Entrada) fue seguida de un Rondeau con pizzicati, una Gavotte, un Menuet y una extensa Passacaille; kaa obra entera duró 14 minutos. Esta música muy grata resultó tocada con toda solvencia por los Solistas de la Academia Bach: tres históricos del grupo, los violinistas Pablo Saraví y Gabriel Pinette y la violista Marcela Magin, y dos nuevos, la violoncelista Gloria Pankaeva y el contrabajista Julián Medina, apoyados en el continuo por Videla en órgano de cámara. Conviene señalar que el Op.4 de Fischer, “Ariadne musica neo-organoedum” (1702), veinte preludios y fugas para órgano, todos en distintas tonalidades, si bien menos desarrollados que los de “El clave bien temperado” bachiano, ciertamente fueron conocidos por Bach, y ciertos temas son muy similares.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> El gran Jean-Philippe Rameau (1683-1764) es conocido sobre todo por sus óperas, conciertos y piezas para clave, pero en este caso escuchamos el Salmo 84, “Beati qui habitant in domo tua” (Dichosos los que moran en tu casa”), escrito en Lyon entre 1713 y 1715. Tiene tres partes: un recitativo de “taille” (tenor) con coro; un recitativo de “basse-taille” (barítono) y un coro final. Obra noble y enérgica, revela un lado poco conocido de Rameau. Me impresionó muy bien el tenor Hugo Ponce, no sólo una voz pareja y timbrada sino un artista que sabe frasear con estilo barroco. El barítono Alejandro Meerapfel es un cantante muy profesional y musical, aunque esta vez se vio algo exigido en ciertos fragmentos bastante agudos. Y naturalmente tuvimos al GCC-Grupo de Canto Coral dirigido por Néstor Andrenacci, espléndido organismo que ha colaborado con la Academia desde hace…¡32 años! Los Solistas apoyaron las voces con mucho tino.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> Lo que vino luego nos retrotrajo al inicio mismo del Barroco alemán y al mundo luterano. Hans Leo Hassler nació en 1564 y murió en 1612, o sea que vivió el Renacimiento tardío y el Barroco incipiente. “Mein Gmuth ist mir verwirret” (“Mi alma está turbada”), pese a que su melodía parece sacra y similar a un coral luterano, sin embargo es profana y amorosa, ya que la turbación procede de “una dulce doncella”, y proviene de un ramillete de obras vocales llamado “Lustgarten neuer teutscher Gesang” (“Jardín gozoso de nueva canción alemana”), creado en 1601 en Nuremberg. Pero Videla lo contrastó con otra obra de Hassler del mismo año, “O Haupt voll Blut und Wunden” (“Oh, rostro ensangrentado, imagen del dolor”) y allí, mediante sutiles cambios rítmicos, la misma melodía se convierte en Coral de la Pasión. Fiel a su espíritu didáctico, Videla hizo que el público cantara ambos, ayudado por el GCC. Y por supuesto, como siempre hace, explicó todas las obras, esta vez con el mismo caudal de información pero con un estilo más contenido que en otras ocasiones.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> Y como sucede habitualmente, la velada concluyó con otro estreno de una cantata sacra de Bach, esta vez la Nº135, “Ach Herr, mich armen Sünder” (“Ah Señor, a mí, pobre pecador”), texto de Cyriakus Schneegass basado en el Salmo 6, ¡y hete aquí que Bach utiliza la melodía sacra de Hassler! Una Epístola de Pedro y unos versículos del Evangelio de San Lucas proporcionan los textos para una cantata de sostenido interés, que se inicia con un superlativo Coro de 134 compases, donde la habilidad mágica del compositor para contrastar varios elementos en una misma textura llega a uno de sus puntos más altos. Por cierto que ayudó la adición de dos oboes a las cuerdas y al bajo continuo, con una labor bellísima no sólo de Andrés Spiller, que a los 70 años mantiene la calidad que siempre demostró desde el nacimiento de la Academia, sino también de Cecilia Maragno; el sonido conjunto fue de una expresividad fluyente ideal. Enseguida Ponce demostró que es un tenor bachiano de alcurnia tanto en un recitativo que requiere canto florido como en un aria muy inspìrada en la que también incidieron los dos oboes. A su vez el barítono tiene un recitativo que prepara un aria rápida, difícil y ornamentada, que Meerapfel resolvió muy bien, con la seriedad artística que se le reconoce. Un positivo coral cerró esta obra notable. El GCC volvió a brillar con sus voces frescas, jóvenes y exactas, coordinadas por la mano maestra de Andrenacci, resolviendo las complejidades del coro inicial y cantando el Coral con la calma energía requerida. Videla a su vez volvió a evidenciar su profundo amor por esta música a la que conoce como nadie en nuestro medio y su concienzuda preparación. Un concierto para gustar y aprender.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> El segundo concierto nos llevó a un mundo distinto: “Una velada en la Capilla Real de Versailles”. Y para ella nos trasladamos a la Iglesia San Juan Bautista, en la esquina de Alsina y Piedras. Videla la eligió porque tiene un órgano Mutin-Cavaillé-Coll francés de alrededor de 1920, de transmisión mecánico-neumática, e intervenido por dos especialistas: curado por Rafael Ferreyra, tiene como técnico organero a Enrique Rimoldi, ambos relevantes organistas. Por ende se halla en muy buen estado. Pero los datos develan un problema insoluble en Buenos Aires: no tenemos un órgano barroco, y por bien que se mantenga y se toque, lo que escuchamos fue demasiado poderoso, más afín a Franck y su escuela que al Barroco francés. Y resulta que es mejor escuchar esa música con tal problema que no conocerla. Naturalmente hay grabaciones francesas con el auténtico sonido y es por cierto recomendable adquirirlas. Admitida aquella dificultad y con los ajustes que el oyente debe imaginativamente hacer, el concierto fue admirable, con un Videla casi siempre en plena forma y cantantes de muy positivo nivel en el Quinteto Sigla. Y aplicando una técnica ya usada en años anteriores en conciertos de órgano: vemos al organista y a los cantantes a través de un video muy bien manejado proyectado en una amplia pantalla, y así el público, pese a que está de frente al altar y los ejecutantes están arriba y en el fondo de la iglesia, ve y oye. Y esto transforma a los viejos conciertos de órgano, donde sólo el sonido imperaba y ello lo hacía mucho más arduo para el público, que necesitaba un poder de concentración en lo puramente musical que no todos tienen. También obligó a que Videla no hiciera sus acostumbrados comentarios, pero ello fue suplido por un excelente programa de mano con toda la información y muy buenas fotos que nos mostraron tanto a la capilla como al órgano versallescos.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> Este órgano (el que escuchamos) tiene dos manuales y la pedalera; en la amplia variedad de registros los hay peligrosos para el Barroco, como Tremolo, y otros que imitan a instrumentos como Viola da gamba, trompette, flûte, cor de Nuit (corno nocturno), violoncelle, basson (fagote), hautbois (oboe), en los manuales, y contrebasse, flûte y cello en la pedalera. De paso, cualquier buen disco de órgano (y hay centenares documentando todos los órganos europeos, hasta los más antiguos), nos dan siempre la disposición de los manuales y la pedalera.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> En el programa se nos informa que al ser católica la liturgia en Versailles, “la congregación no participa activamente…El único momento de la misa en la que el organista disponía de cierto tiempo era el ofertorio. Como éste daba lugar a una larga procesión, el órgano debía sonar jubiloso…mediante el ´grand jeu´, la combinación de toda la lengüetería…La sorpresa, la variedad y el contraste eran criterios estéticos esenciales además del empleo frecuente de ornamentos.”</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> Nicolas de Grigny tuvo corta vida (1672-1703); “la única obra que se conserva es su ´Livre d´orgue´ (París, 1699) que contiene una Misa y cinco Himnos…En 1713 fue copiada por Bach”. Tres piezas se presentaron iniciando el concierto. En el “Point d´orgue sur les grands jeux” el “point d´orgue” no significa calderón sino una nota grave sostenida en el pedal sobre la cual se escuchan cambiantes armonías, lo cual produce disonancias; también se lo llama “Bourdon” y este órgano tiene dos en la pedalera, de 8´ y de 16´. Por supuesto fue un recurso muy usado por Buxtehude y Bach. Creo que Videla no logró aquí el equilibrio necesario, porque la nota sostenida fue tan poderosa que tapó las figuraciones de los manuales. En las otras dos piezas las voces se escucharon mucho mejor y se pudo apreciar la imaginación del compositor. En la pantalla se anunciaban las obras, y la segunda resultó ser “Dialogue”, no la que estaba en el programa, “Basse de cromorne” (título que me intrigó, siendo el cromorno un instrumento renacentista); la música resultó mucho más serena en su textura. Pero la tercera, “Dialogue sur les grands jeux” (1ª audición) tuvo la brillantez sugerida por los “grands jeux “ y al no haber un “point d´orgue” las melodías y armonías se apreciaron plenamente y Videla tocó con gran dominio; siempre me asombra que sean frecuentes los organistas de edad avanzada que mantengan su técnica, ya que es un instrumento de gran complejidad que exige claridad de ideas y rapidez de reflejos.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> Siguió un homenaje a François Couperin con una obra cantada bien conocida y luego dos para órgano. La “Troisième lesson de ténèbres” es una magistral partitura sacra de un creador que es famoso en otro campo, el de la música para clave, y tan bella es que se ha escuchado aquí en diversas oportunidades. Las tres “lessons” fueron escritas entre 1714 y 1715. Están basadas en las Lamentaciones de Jeremías; en las “lessons” se canta una letra del alfabeto hebreo seguida de un versículo. Trece velas se encendían al comienzo de la liturgia y se iban apagando hasta que quedaba una sola, simbolizando a Cristo rodeado de tinieblas. En esta tercera lección son cinco las secciones, desde YOD “El enemigo ha echado mano a todos sus tesoros” (los sagrados de los hebreos) hasta NUN “El yugo por mis rebeliones ha sido atado por Su mano”, que termina “Jerusalén, retorna al Señor tu Dios”. En la interpretación que escuchamos la “Lesson” fue precedida y seguida por dos responsorios gregorianos cantada por los tres integrantes masculinos del Quinteto SIGLA, flanqueando a la “lesson” cantada por dos sopranos acompañadas por el órgano. El Quinteto inició sus actividades en Septiembre 2015 con Monteverdi y su Libro 3º de Madrigales; es fundamental que exista un grupo estable de madrigalistas, dedicados a un género muy rico y de gran nivel estético; han faltado durante demasiado tiempo (todavía añoro los Madrigalistas Castellazzi de los años Cincuenta) pese a que Andrenacci lo intentó con éxito hace ya bastantes años aunque más bien dedicado a esas magníficas comedias madrigalescas. Las sopranos Laura Delogu y Soledad de la Rosa cantaron con admirable seguridad y sano timbre la “Lesson”, y los caballeros cantaron al unísono (como corresponde) los cantos gregorianos con sonido homogéneo, excelente afinación y adecuado estilo.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> Como dice el programa, “los distintos movimientos (denominados ´versets´ o ´couplets´) debían adaptarse al carácter del versículo (gregoriano) correspondiente”, ya que lo cantaban antes o después de la pieza para órgano. Me llamó la atención el título “6e. Couplet (copla) du Gloria”; supongo que hay un Gloria gregoriano. Y me extrañó el uso de un registro que sonó vibrado; ¿sería el tremolo?; no lo sentí correcto. En cambio me resultó apropiadamente grandioso el “Offertoire sur les grands jeux”, de la “Messe d´orgue à l´usage ordinaire des paroisses” (“Misa para órgano a ejecutar habitualmente en las parroquias”), una de las dos que escribió Couperin (la otra, “Misa apropiada para los conventos de religiosos y religiosas”). Ambas son de 1690, cuando tenía sólo 22 años. Estuvo muy bien interpretada por Videla.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> La obra siguiente se escuchó en primera audición: Motete “Exultate deo” (Salmo 81), para dos sopranos y órgano, de Louis Clérambault (1676-1749); escribió cinco volúmenes de cantatas en francés con influencia italiana, pero también obras como este motete exuberante, que fue cantado con mucho carácter y notable musicalidad por Delogu y De la Rosa y muy bien acompañado por Videla. Escribió Clérambault nada menos que cuatro libros de motetes.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> Siguió algo que para mí fue una genuina sorpresa, ya que creía conocer la casi totalidad de la música para órgano de Bach: su “Pièce d´orgue” (“Pieza para órgano”), así en francés; en Sol mayor, BWV 572; como no fue presentada en primera audición, presumo que el propio Videla la habrá estrenado aquí. También se la llama Fantasía en Sol mayor. Y me pareció fascinante. Un “Vivement” a manera de preludio vertiginoso seguido de un “Gravement” “a cinco voces en el estilo del plein jeu de Grigny…(cuatro voces en el manual y una en la pedalera). De extensa duración (157 compases), su densa estructura se conecta con la antigua textura de ´stylo antico´. Escrita aparentemente en Weimar entre 1712 y 1720”. En esta obra Videla estuvo en su mejor nivel y dio una versión para recordar.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> El programa finalizó con otra primera audición, el Magnificat para 5 voces y órgano de Henri Du Mont (1610-84). Su nombre original flamenco: Henri de Thier (aunque nació en Liège, zona valona en la actual Bélgica). “Su colección de ´Cantica sacra´ de 1652 está considerada la primera música religiosa francesa que incluyó el acompañamiento del bajo continuo”. Escribió más de 70 grandes motetes de los cuales 20 fueron publicados por orden de Luis XIV. En el sintético Magnificat hay “secciones contrastantes en un marco de desarrollo continuo, logrando una notable variedad de texturas vocales”. Aquí pudo apreciarse que no sólo las damas sino los caballeros del quinteto son de muy buen nivel: Ivan Koropka, alto; Andrés Gamarra, tenor; y Guillermo Gutkin, bajo. Aquí “alto” se usa en el sentido de la segunda voz de un coro a cuatro voces (o un cuarteto vocal). Es la tesitura de un contratenor pero con un color distinto, poco habitual aquí, más redondo e integrable a un coro; por eso me interesó especialmente Koropka, muy bueno, pero el grupo entero es válido. Como el organista tiene bastante que hacer, De la Rosa coordinó al quinteto con gestos mientras ella cantaba. </span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> En suma, un concierto imperdible que cumplió plenamente su propósito. Lo único mejor sería escuchar el mismo programa en la Capilla de Versailles con su órgano Cliquot de 1711.</span></span></p>
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<p style="text-align:center"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><img alt="" src="/src/media/images/Agenda/maxresdefault%20(3).jpg" style="height:450px; width:800px" /></span></span></p>
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<p style="text-align:justify"><strong><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">4º FESTIVAL KONEX DE MÚSICA CLÁSICA. BACH-VIVALDI Y EL BARROCO.</span></span></strong></p>
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<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> El primer festival fue dedicado a grandes compositores; el segundo a Mozart; y el tercero a Beethoven. Siempre en Abril. Todos en la Ciudad Cultural Konex y auspiciados por la Fundación Konex presidida por el Dr .Luis Ovsejevich, con la dirección artística de Andrea Merenzon. La ex fábrica transformada en Konex es un lugar desangelado y trasmano generalmente dedicado al rock y a actividades infantiles, sólo dedicado a la música clásica para adultos en estos festivales; el de este año fue del 17 al 22 de abril. En años anteriores fui a algunos conciertos elegidos según mi agenda y gusto. Este año me decidí por el del mejor conjunto historicista del país, la Barroca del Suquía dirigida por Manfredo Kraemer. Por supuesto, también tenían atractivo el programa Vivaldi de la Camerata Bariloche, “Bach y sus contemporáneos” de la Academia Bach que incluyó obras poco tocadas de Heinichen y Zipoli, y un programa Bach de Horacio Lavandera. Mucho menos lo tuvo un programa de hits del barroco y pseudo-Barroco de la Orquesta La Filarmónica y el Coro Lagun Onak, dirigido por Mario Perusso. Y lo mismo que Mozart por Escalandrum, rechacé el Barroco por ellos, es poco serio y un mal criterio hacer este tipo de mezcolanza. Rescato en cambio las clases magistrales de Kraemer y Freddy Varela Montero.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> A través de los años he seguido la trayectoria de La Barroca del Suquía y nunca me llevé un chasco. Kraemer es un verdadero especialista de nivel internacional y tiene una gran carrera europea pero ha sabido sembrar y recoger cosecha en su ciudad y traerla a la CABA, que no tiene nada de esa calidad historicista. Esta vez vinieron con el mínimo posible de integrantes, sólo 8,y ello resintió el volumen sonoro en los ripieni (o sea los pasajes de grupo orquestal), pero no el entusiasmo, ajuste, afinación y fraseo adecuado que los distingue. Y también con algún cambio, siendo el más notable el de la violoncelista; ya que la presencia serena y segura de Nina Diehl fue reemplazada por una artista bien distinta, Sofía del Moral, cuyo estilo apasionado e intenso rivalizó con Kraemer (en el mejor sentido), que a su vez siguió siendo el líder infalible de cada inflexión de la música. Es de los violinistas que tocan con todo el cuerpo y creen en la turbulencia y garra del Barroco, sin por eso lastimar la coherencia de las partituras. Con él no hay momentos aburridos, todo tiene presencia, y a su vez contagia al grupo, cada uno de los cuales toca con profunda concentración y disciplina pero también flexibilidad.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> Todos merecen ser mencionados: Guadalupe del Moral (presumiblemente hermana de la violoncelista, se parecen mucho), Graciela Chamale y Hernán Rodríguez en violines; el gran violista Alberto Lepage; Mauricio Diez en contrabajo; y Federico Ciancio, toda una garantía de conocimiento y exactitud en clave.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> El programa resultó atrayente aunque sin novedades, ya que todas las obras fueron buena música y algunas, obras maestras, como los dos conciertos de Vivaldi de “L´estro armonico”: Op.3 Nº11 para dos violines, violoncelo y cuerdas (donde se notó la firmeza y seguridad de Guadalupe del Moral) y Op.3 Nº10, donde los cuatro violines fueron solistas, complementados por violoncelo y cuerdas. Sirvieron de marco a piezas de Purcell y Pachelbel. Del primero, que compuso tantas músicas incidentales, la Suite “Abdelazer”, Z 570, integrada por Obertura, Rondeau y Hornpipe. Y bien, resultó que el Rondeau es el tema que Britten hizo famoso en sus geniales Variaciones y fuga sobre un tema de Purcell. Z significa Catálogo analítico F.F. Zimmermann, 1963, tan necesario en un compositor prolífico. Conviene aclarar que hay un total de diez piezas para el “Abdelazer” de Behn, pero lo que me extraña es que figuran cuatro airs, dos menuets y una jig, pero ningún hornpipe (danza rápida de la cual hay varias en la Música acuática de Händel). También de Purcell, dos magníficos fragmentos de “The Fairy Queen”, la semiópera que tuvimos la fortuna de escuchar entera en nuestra ciudad: el Preludio y la “Dance of the Haymakers” (“Danza de los colectores de heno”). Kraemer supo encontrar el estilo refinado inglés y nos dio versiones auténticas. Pese a que Johann Pachelbel (1653-1703) es famoso sólo por un Canon que se ha grabado tanto en su versión original para tres violines y continuo como en los más variados arreglos docenas de veces, fue un valioso creador de música para órgano y hay grabaciones de una gran cantidad, ¡incluso una monumental serie de 95 fugas sobre el Magnificat! En el Diccionario Grove se lo considera uno de los ancestros espirituales de Bach, como lo expresa Spitta en su biografía bachiana. En realidad el Canon está unido a una Giga, y así lo escuchamos en esta ocasión. Pese a su popularidad, este canon es valioso, no un infundio tal como el “Adagio de Albinoni” que es en realidad de Giazotto, romanticón y sensiblero.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> Si bien los 12 Concerti grossi Op.6 de Arcangelo Corelli son fundamentales en la historia del género, el Nº 8 es el más tocado, ya que fue “Fatto per la notte di Natale” (“Hecho para la noche de Navidad”); creo discutible que se lo haya tocado fragmentado, sólo el segundo y el cuarto movimientos, aunque haya sido un placer escucharlos.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> Johann Sebastian Bach apareció dos veces: con el Concierto para dos violines, cuerdas y continuo, y con un curioso Pasticcio de las Suites Nos. 3 y 4 para orquesta; ambas elecciones de Kraemer estuvieron a cada lado del Concerto grosso Op.6 Nº2 de Händel, perteneciente a otra serie de doce en la que el compositor se atuvo al esquema corelliano aunque con su propia poderosa personalidad. Discrepo con Kraemer en cuanto al Pasticcio porque salvo la célebre Aria para cuerdas de la Tercera Suite, tanto en la Tercera como en la Cuarta hay oboes, trompetas y timbales, y un grupo historicista debe respetar esa orquestación, y en efecto, me sonaron bien tocadas, sí, pero pobres en su espectro sonoro. Se escucharon en este orden: las Gavotas de la Tercera, los Minués de la Cuarta, el Aria de la Tercera y la Giga de la Tercera.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"> Como suele hacer, la “yapa” de Kraemer fue uno de los humorísticos fragmentos de una Suite de Telemann: de “Las Naciones” (“Völker Overture”), “Los rengos y los corredores”, que alterna una música lenta con una rápida, ambas muy divertidas. Fue un simpático fin de fiesta.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><strong><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Pablo Bardin</span></span></strong></p>
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<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><strong>PD. </strong>Agradezco al maestro Scarabino por dejarme un mensaje teléfonico advirtiéndome de una errata cuando escribí sobre la Orquesta de la Suisse Romande y al mencionar al poeta de “La Siesta de un Fauno” puse Mérimée en vez de Mallarmé. Un tonto error provocado por el cansancio porque suenan parecido. Tengo bien en claro la enorme diferencia de estilo entre ambos y no confundo a Carmen con el Fauno…Decididamente, la Arcadia es de Mallarmé.</span></span></p>
titleEl "Festival 2018" Cientos de sueños se apoderaron un día del CCK
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categoryReseñas
short_descBajo la batuta de maestros de importante trayectoria, casi 700 chicas y chicos de todo el país participaron de un emotivo y esperanzadorl cierre de “El Festival 2018” en el CCK. Venían de compartir una semana plagada de actividades y seminarios en la ciudad Chascomus, Capital Nacional de las Orquestas Infantiles y Juveniles.
description<p style="text-align:center"><img alt="" src="/src/media/images/blog%203/28577911_1898681116830218_6718538225833817971_n.jpg" style="height:533px; width:800px" /></p>
<p style="text-align:center">Ph: <span style="color:rgb(34, 34, 34); font-family:tahoma,sans-serif; font-size:12.8px">Federico Kaplun</span></p>
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<p style="text-align:center"><span style="font-size:16px"><span style="color:#000000"><strong><span style="background-color:transparent; font-family:arial">Bajo la batuta de maestros de importante trayectoria, casi 700 chicas y chicos de todo el país participaron de un emotivo y esperanzadorl cierre de “El Festival 2018” en el CCK. Venían de compartir una semana plagada de actividades y seminarios en la ciudad Chascomus, Capital Nacional de las Orquestas Infantiles y Juveniles.</span></strong></span></span></p>
</blockquote>
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<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Saliendo de los camarines, luego de saludar y felicitar a los maestros por el concierto increíble que habían tenido, me detiene Andrés González, Coordinador Académico de “El Festival 2018” y me dice: "mira como van los muchachitos llorando por ahí... te acuerdas?", y efectivamente, recorrer los pasillos detrás del escenario del CCK, era hacerse paso entre cientos de chicos emocionados, era pedir permiso para pasar entre abrazos y lágrimas de nuevos amigos, esos que nacieron entre intercambios profundos y valiosos, compañeros que sólo se tienen cuando hacés orquesta, cuando la música forma parte de tu vida, cuando comenzás a cosechar compañeros de fila. Lo recuerdo, y lo recuerdo tanto, que es ese el motor que 15 años después de dejarlo, me sigue moviendo en cada proyecto cultural que tengo el placer de acompañar. El Sistema te marca, te cambia y te hace creer y saber que todo es posible.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Para los que no se imaginan la experiencia, El Festival 2018, era la sexta edición de una actividad organizada por La Fundación Sistemas de Orquestas Infantiles y Juveniles de Argentina, en la que casi 700 músicos se juntan en la Ciudad de Chascomús (nombrada Capital Nacional de las Orquestas Infantiles y Juveniles por el Senado y la Cámara de Diputados de la Nación Argentina. Ley 27422) durante una semana. Todos estos chicos provenientes de distintas provincias del país (unos haciendo muchísimo esfuerzo para estar presentes) reciben capacitaciones, talleres, clases magistrales, seminarios y participan de encuentros, ensayos y conciertos, acompañados de los más respetados y reconocidos maestros del país.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">La Fundación SOIJAr es una ONG sin fines de lucro, fundada por la Maestra María Valeria Atela y avalada por el Maestro José Antonio Abreu, que nuclea el acompañamiento de <strong><em>orquestas-escuela</em></strong> a nivel nacional que trabajan bajo esta metodología, brindando herramientas y oportunidades de desarrollo y crecimiento técnico-instrumental a niños, niñas y jóvenes de todo el país de manera completamente gratuita. Pero, como todas las cosas que están bien hechas, planteadas estratégicamente y pensadas para ser brindadas con altos estándares de calidad, cada acción está vinculada a los maestros más importantes a nivel nacional e internacional, así como, a las instituciones más relevantes en el ámbito clásico del país, <strong>ratificando que una misión completamente social que promueve la inclusión y la integración a través del arte, puede generar programas y resultados de excelente calidad académica y técnica, permitiendo proyectar el futuro profesional de lo que se convierte en una siembra inagotable de músicos de calidad, que crecen con importantes nociones de solidaridad, respeto, disciplina, trabajo en equipo, en una escuela de ciudadanía, movidos por la pasión que la música genera en quien la descubre y la deja entrar en su vida.</strong></span></span></p>
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<p style="text-align:justify"><iframe frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/je3LBqHetyQ" width="560"></iframe></p>
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<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Si dimensionamos que todo este contenido trasciende y salva, y que miles de chicos y jóvenes en distintas situaciones y contextos sociales bastante vulnerables, encuentran un espacio en el que se les incentiva, se les demuestra que hay otros caminos, que pueden ser ellos los que nutren el alma de muchos, un espacio en el que se revaloriza el poder de escuchar al otro, el de la comunicación, el respeto, un espacio en el que todos los conceptos humanos y ciudadanos se practican en orquesta, en el que el lenguaje es musical a través de claves, figuras y notas, y el trabajo, sí o sí, es en conjunto. Ahí se entiende la increíble misión de esta organización.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Es luego de este planteo, cuando se puede entender esa maravillosa experiencia de vivir la música, crecer y compartir con personas que sienten el mismo amor por su instrumento que vos, qué tienen las mismas ganas de perderse en el sonido, que de vez en cuando reniegan de la disciplina necesaria y que en ese momento de intercambio, al ser parte de una orquesta, se convierten en uno. Muchos poniendo todo de su parte para ser uno. Una orquesta que conmueve, que transmite, que inspira. Eso fue un poco lo que la Sala Sinfónica del CCK, con las butacas repletas y ahogadas de emoción y aplausos, tuvo el placer de disfrutar.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Bajo la batuta de maestros de importante trayectoria en el ámbito clásico del país, con carreras y proyección internacional, estos ejemplos de humildad y determinación, son un foco que iluminan a las casi 700 personas que participan de “El Festival 2018”, y que más allá de compartir sus conocimientos durante la semana de actividades y seminarios, despliegan su maestría al dirigir las tres orquestas de la VI Edición: la Infantil, la Juvenil y la Mega Orquesta.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Sorpresivamente, estos cientos de chicos subían al escenario de la Sala Sinfónica del CCK, para todos la primera vez en este importante espacio artístico/cultural porteño (a pocos días de recibir en ese mismo escenario a la legendaria Patti Smith), para otros la primera vez en un concierto de esta magnitud, todos orgullosos de haber trabajado junto a su orquesta, a sus referentes, maestros, familiares y la comunidad en cada una de sus provincias.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Brillantes, apasionados, con sus espíritus inmensos y la disciplina intacta, los niños, niñas y jóvenes, se apoderaron de sus instrumentos, del repertorio y del momento, para arropar a sus Maestros, quienes dirigían con total entendimiento y empatía de lo que implica tener bajo su batuta entre 300 y 500 músicos en cada caso.</span></span></p>
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<p style="text-align:justify"><iframe frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/RPrF6mPSa4g" width="560"></iframe></p>
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<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><strong>Repertorio de la Orquesta Infantil de "El Festival 2018"</strong></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Piotr Illich Tchaikovsky: Obertura 1812, op. 49 (arreglo: A. Carter). Dirigido por el Maestro Hadrian Avila Arzuza</span></span></p>
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<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Astor Piazzolla: Adiós Nonino. Solista invitado: Horacio Romo (bandoneón)</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Arturo Márquez: Danzón n° 2 Dirigido por la Mtra. María Valeria Atela</span></span></p>
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<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><strong>Orquesta Juvenil de “El Festival 2018”</strong></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Richard Wagner: Obertura de Los maestros cantores de Nüremberg</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Igor Stravinsky: Final de El pájaro de fuego</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Jacques Offenbach: Obertura de Orfeo en los Infiernos</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Director invitado: Luis Gorelik</span></span></p>
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<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><strong>Mega Orquesta de “El Festival 2018”</strong></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Sonia Possetti: Bullanguera (versión de la compositora especialmente dedicada a la Orquesta-Escuela de Chascomús en su 20º Aniversario) Dirigido por Luis Gorelik</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Himno de la Alegría, Arreglo del 4° Movimiento de la 9° Sinfonía de Ludwig van Beethoven. Dirigido por la Mtra. María Valeria Atela.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"> </p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Es ese sentido humano el que acerca más público a la música académica, es esa entrega (que no tiene espacio para la demagogia) la que acerca a más jóvenes a la música académica. El futuro de nuestra "movida clásica" argentina, un presente mucho más visceral de las filas de cuerdas, vientos y percusión de los futuros profesionales a lo largo y ancho del país.</span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Sin dudas, la Fundación SOIJAr es una muestra de que los fines sociales y artísticos, bien aplicados, son cosechas invaluables. SOIJAr sabe y cree en lo que hace.</span></span></p>
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<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><strong>Por Nahomi Martínez </strong></span></span></p>
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description<p>Gestión de módulos en el Panel de Control</p>
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