El "Festival 2018" Cientos de sueños se apoderaron un día del CCK

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      • titleLa reivindicación de "Alzira", la ópera peruana de Verdi.
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      • categoryReseñas
      • short_descLos Elencos Nacionales del Perú ingresan por todo lo alto en el circuito internacional operístico, con una potente producción de esta ópera poco conocida de Giusseppe Verdi.
      • description<p style="text-align:center"> </p> <p style="text-align:center"><img alt="" src="/src/media/images/Agenda/46474706_617647111985435_1445219605629894656_n.jpg" style="height:533px; width:800px" /></p> <blockquote> <p style="text-align:center"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>Los Elencos Nacionales del Perú ingresan por todo lo alto en el circuito internacional operístico, con una potente producción de esta ópera poco conocida de Giusseppe Verdi. </strong></span></span></span></p> </blockquote> <p style="text-align:center"> </p> <p><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><strong>Por Ariel Campero*</strong></span></span></span></p> <p> </p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="font-size:14px">“Alzira” ópera de Giusseppe Verdi, con libreto de Salvatore Cammarano. Producción del Ministerio de Cultura del Perú en co-producción la Opera Real de Wallonie y el Teatro ABAO-OLBE de Bilbao. Dirección escénica de Jean Pierre Gamarra. Vestuario y escenografía, Lorenzo Albani. JaquelinaLivieri ( Alzira), Juan Antonio de Dompablo (Zamoro), Jorge Tello (Guzmano), Xavier Fernández ( Alvaro), Carlos Martínez ( Ataliva), Rosa Parodi (Zuma), Juan Pablo Marcos ( Otumbo), Manuel Rodríguez ( Ovando). Coro y Orquesta Nacional del Perú bajo la dirección de Oliver Díaz. Dirección General, Javier Súnico. </span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">La elección de “Alzira” de Giusseppe Verdi, como la ópera que inauguró las celebraciones del Bicentenario de la Independencia peruana en el Gran Teatro Nacional, a primera vista podría resultar lógica.  Su argumento transcurreen Lima, los personajes son incas y conquistadores, la intriga ronda a la figura de Alzira, la hija de un cacique, convertida en una pieza de disputa entre el hijo del gobernador español y su amado Zamoro, un indígena que lucha contra el dominio español.</span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Sin embargo, el estreno de esta pieza verdiana en el siglo XXI,  a las puertas de la conmemoración de los 200 años de la independencia peruana, con una producción netamente nacional implicó una re-lectura de esta opera poco frecuentada en los escenarios.  Los resultados han justificado plenamente su inclusión como una obra artística emblemática para discutir y analizar la identidad de los peruanos como Nación, como también, traer a la mesa de debate, otros temas sociales candentes que atraviesan a toda la sociedad peruana actual. Y esta afirmación no es gratuita, cuando un profundo análisis del nacimiento de esta ópera, nos remonta a la creación de Voltaire con su “<em>Alzireou les americains</em>”, una obra teatral estrenada en 1736, presentada como una exposición de las virtudes del cristianismo y las bondades de la tolerancia religiosa. No obstante, la inspiración de Voltaire provenía de, quizás, el primer humanista del recién descubierto continente americano: Gómez Suárez de Figueroa, más conocido como El Inca Garcilazo de la Vega, nacido en el Cusco en 1539, la primera personalidad mestiza quien sistematizaría en sus obras, la descripción más acabada de la civilización incaica, sobre su esplendor y su derrota. Sus <em>Comentarios Reales de los Incas, </em>publicados en 1609, fue una obra histórico-descriptiva de consulta obligada para los filósofos de la Ilustración europea del siglo XVIII, porque su contenido remitía a un modelo de sociedad distinta a la sociedad occidental del Antiguo Régimen. Junto a las obras del Inca Garcilazo, las crónicas históricas sobre la Conquista del Perú, de autores tales como Alfonzo de Zárate, Cristobal de Mena o Pedro Cierza de León, o de los historiadores incas como Titu Cusi Yupanqui, también expondrían los abusos de los conquistadores, retroalimentando los argumentos de la “Leyenda Negra” española.Voltaire, como lector de Garcilazo pudo haber tomado los elementos de un suceso histórico concreto, como fue el rapto y violación por Gonzalo de Pizarro, de la princesa Cura Ocllo, hermana y esposa de Manco Inca, el soberano títere designado por Francisco Pizarro como sucesor de Atahualpa. En consecuencia la “Alzire” de Voltaire no resultaba una obra utópica,porque estaba anclada en el trauma original del mestizaje que formó a la sociedad colonial americana. Sus rasgos principales permanecerían en la adaptación como libreto de Salvatore Cammarano para la ópera de Verdi, en el año 1845.</span></span></span></p> <p style="text-align:justify"> </p> <p style="text-align:justify"><iframe frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/kTqSH7CbRgc" width="560"></iframe></p> <p style="text-align:justify"> </p> <p style="text-align:justify"><span style="color:rgb(0, 0, 0); font-family:verdana,geneva,sans-serif; font-size:14px">El estreno de “Alzira” como una ópera en el Teatro de San Carlo de Nápoles en septiembre de 1845 fue recibido con indiferencia, determinando que Verdi dejase de lado a esta pieza, sin someterla a la revisión posterior que realizó en varias de sus óperas “de los años de galeras”. La ópera desapareció del repertorio, registrándose pocos intentos para revivirla, excepto como una curiosidad musical dentro del canon verdiano.</span></p> <p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Por lo tanto este retorno de “Alzira”,  a cargo de la producción Ministerio de Cultura del Perú, ha sido un hecho destacable, más aún, cuando la representación sucedió en la Lima descripta por Voltaire, Cammarano y Verdi. La puesta en escena a cargo del director de escena peruano, Jean Pierre Gamarra, - un egresado del ISA del Teatro Colón-,  fue un verdadero friso de la realidad peruana.  Utilizando como espacio para el desarrollo del drama, un rectángulo separado por cortinas de cadenas, como un símbolo de la opresión, la iluminación permitió crear ambientes que magnificaron el clima de opresión y angustia en el cual se desenvuelven los personajes. Toda la puesta estuvo surcada por alusiones a la historia del Perú contemporáneo: la vestimenta del coro y sus personajes evocaron en la primera parte, la estética de la República Aristocrática andina, retratada por el fotógrafo cusqueño, Chambi. En el segundo acto, el vestuario de la corte virreinal fue estilizado con gusto y con arte. Más poderosas fueron las evocaciones de la profanación de la Pachamama, representada por un rectángulo cubierto de vegetación, en donde se ubicó Alzira. Otro momento significativo fue cuando entre el prólogo y el primer acto, un audio  con fragmentos de los testimonios en quechua y en castellano, pertenecientes a la Comisión de la Verdad, señaló que la condición de opresión de los pueblos originarios continua vigente. Otro cuadro relevante transcurrió en el segundo acto, cuando las mujeres del coro portaron retratos de personajes desaparecidos, en una clara alusión a las marchas de las madres del dolor  que se sucedieron durante el conflicto armado interno que asoló al Perú en los ’80 y ’90 del pasado siglo. Otros guiños actorales no resultaron indiferentes, tales como la alusión a la violación de una mujer indígena por un sacerdote, las sombras de la manos de las mujeres en uno de los cuadros, en una obvia alusión al movimiento “Ni una menos”, además de la representación del bautismo forzado de Alzira.</span></span></span></p> <p style="text-align:justify"> </p> <p style="text-align:center"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><img alt="" src="/src/media/images/Agenda/46492534_562742627509781_3412779870940299264_n.jpg" style="height:533px; width:800px" /></span></span></span></p> <p style="text-align:center"> </p> <p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">El elenco integrado por cantantes locales, salvo la participación de Jaquelina Livieri en el papel principal, fue homogéneo y con un alto desempeño vocal. Nuestra compatriota Jaquelina Livieri demostró una vez más, las razones que justifican su consideración como una de las jóvenes cantantes más brillantes de estos tiempos: su registro lírico tuvo una proyección extraordinaria sin disminuir su tono heroico y a la vez sensual. Livieri hizo gala del manejo de las coloraturas con maestría, tal como lo demanda la exigente partitura verdiana, además de manejar los matices con un control impecable. Su presencia escénica dio cuerpo a una Alzira hierática, trágica e imponente a la vez. La otra gran figura del elenco fue el barítono peruano, Jorge Tello, cuyo registro oscuro y potente supo brindar la carnadura al contradictorio personaje de Guzmano. Mostró un metal sólido, sin fisuras, con una línea de canto expresiva, además de un trabajo actoral memorable. El papel de Zamoro fue cantado por el tenor Juan Antonio deDompablo, quien es poseedor de una voz de tenor lírico, pero cuyo manejo estuvo a la altura de las circunstancias. Su registro sonó brillante con la potencia exigida, con el agregado que supo intercalar expresiones dramáticas conforme a los requerimientos del texto, sin alterar la elegancia de la línea de canto. Muy buen desempeño del barítono, Xavier Fernández, como Álvaro y de Rosa Parodi como Zuma. Los personajes secundarios cumplieron sus papeles con la mayor solvencia.</span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">El Coro Nacional del Perú, preparado por Javier Súnico, acompañó toda la obra con un alto desempeño coral, emparejándose con la excelente interpretación de la Orquesta Nacional del Perú, dirigida por el director español, Oliver Díaz. Evidentemente, los Elencos Nacionales peruanos han alcanzado su mayoría de edad artística, esperando que pronto comiencen sus presentaciones en giras internacionales, lo que nos permitiría apreciar el crecimiento cultural del Perú en este ámbito.</span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">“Alzira” de Verdi ha retornado a los escenarios, en el lugar más indicado: la mismísima Lima, ciudad en dónde Voltaire, Cammarano y Verdi, colocaron el drama de Alzira y el drama de la conquista y la destrucción de una civilización. Gracias a la producción del Ministerio de Cultura del Perú y a los Elencos Nacional de ese país, “Alzira” ha sido una producción brillante para inaugurar el Bicentenario del Perú, permitiendo revisitar la historia peruana, gracias a esta recuperada obra verdiana.</span></span></span></p> <p style="text-align:justify"> </p> <p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>*El autor es Agregado Cultural de la Embajada Argentina en el Perú.</strong></span></span></span></p> <p style="text-align:justify"> </p> <hr /> <p> </p>
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      • titleBienvenida Abundancia de Conciertos Corales (1º parte)
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      • short_descEn estas últimas semanas hubo una bienvenida y poco común abundancia de conciertos corales, en su mayoría acompañados por orquesta sinfónica. Y además con mucha innovación. Haré el comentario cronológicamente. Por Pablo Bardin.
      • description<p style="text-align:center"> </p> <p style="text-align:center"><img alt="" src="/src/media/images/Agenda/sl.jpg" style="height:365px; width:730px" /></p> <blockquote> <p style="text-align:center"><span style="color:#000000"><span style="font-size:16px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>En estas últimas semanas hubo una bienvenida y poco común abundancia de conciertos corales, en su mayoría acompañados por orquesta sinfónica. Y además con mucha  innovación. Haré el comentario cronológicamente.</strong></span></span></span></p> <p style="text-align:center"><span style="color:#000000"><span style="font-size:16px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>(Nota del editor: por su extensión dividimos esta nota en dos partes, en esta primera entrega compartimos la reseña de los conciertos realizados en el CCK).</strong></span></span></span></p> </blockquote> <p> </p> <p style="text-align:justify"><strong><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Por Pabo Bardin.</span></span></span></strong></p> <p style="text-align:justify"> </p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Octubre 23, Ballena Azul, CCK. Ars Hungarica ha realizado una magnífica obra de divulgación a través de muchos años, con la conducción artística de Sylvia Leidemann. Este año ofreció conciertos variados en muchos ámbitos; el más importante fue el que comento. La artista también conoce profundamente el  repertorio barroco latinoamericano y lo ha interpretado desde hace varios lustros. Su conjunto vocal  de cinco solistas Elocuencia Barroca cantó “Angélicas milicias”, obra muy expresiva de Tomás Torrejón y Velasco (1644-1728), español que trabajó en Lima y Guatemala y que escribió “La púrpura de la rosa”, ópera de 1701 sobre texto de Calderón de la Barca (está grabada). Dirigió Javier Escobar. Las otras dos piezas elegidas incorporan la influencia de la música negra y son divertidas, rítmicas…y barrocas: “Los coflades de la estleya”, de Juan de Araujo (1648-1712, español que vivió en América; muchas piezas suyas fueron grabadas por el Conjunto Elyma de Garrido) dirigido por Leidemann,  y un guineo (canto negro, obviamente derivado de Guinea) del portugués Gaspar Fernández, que estuvo varios años en Oaxaca, México (hubo percusión negra en el acompañamiento); dirigió  Gustavo Felice. Versiones frescas y comunicativas.</span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">             Hace años que Leidemann realiza investigaciones en el archivo luterano de ciudad de Sopron, cercana a la frontera austríaca, y ha rescatado un valioso e inédito repertorio de música barroca. Una orquesta barroca con instrumentos de época (concertino Gastón Gerónimo, Uruguay) ofreció una muy grata Suite de danzas de Johann Pachelbel (1653-1706), de quien generalmente sólo se conoce un muy divulgado Canon y Giga original para tres violines y continuo pero orquestado en el siglo XX; sin embargo compuso una enorme cantidad de música para órgano (“96 fugas sobre el Magnificat”) y clave (36 suites) y mucha está grabada. Siguieron tres danzas anónimas muy bien escritas. Y luego, todo un descubrimiento: de Benedek Istvánffy (1733-78), “Beata Vergine Maria”, bello ofertorio con coro y apoyo instrumental, ya en el clasicismo. En mi catálogo de CDs figuran dos misas suyas en Hungaroton. Todas versiones de calidad y estilo dirigidas por Leidemann.</span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">            Si hasta ese momento habían intervenido dos coros de alumnos del Conservatorio J. J. Castro y el Coral femenino Hungaria, dirigidos por Leidemann, en la parte final, dedicada a Kodály, se añadieron dos coros dirigidos por Gustavo Felice: el de la Catedral de San Isidro y el Goethe; y la soprano Mercedes García Blesa.  Pero antes el notable organista Enrique Rimoldi pasó un mal rato tocando el “Ite missa est” de la Misa brevis de Kodály, porque alguien había cambiado los registros que el organista había dispuesto en el órgano Klais, y así fue y fuimos sobresaltado(s) por un fortissimo de cinco efes. Al terminar la pieza, visiblemente preocupado indicó a Leidemann que le diera unos minutos para poner las cosas en orden, ya que luego acompañaría (y muy bien) el poderoso “Pange lingua” (1931) de Kodály, una de sus numerosas obras maestras corales (pocos compositores del siglo XX se sintieron tan cómodos en la textura coral como él). Allí la unión de los coros  tuvo fuerte impacto y así el concierto tuvo un final intenso.</span></span></span></p> <p style="text-align:justify"> </p> <hr /> <p style="text-align:justify"> </p> <p style="text-align:center"><img alt="" src="/src/media/images/Agenda/lp.png" style="height:396px; width:800px" /></p> <p style="text-align:center"> </p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Octubre 25, Ballena Azul. Es opinión aceptada que el Estudio Coral de Buenos Aires dirigido por Carlos López Puccio es nuestro mejor coro de cámara, y concuerdo. Este recital, que con algunos cambios fue repetido seis días más tarde concluyendo la temporada de los Conciertos de Mediodía del Mozarteum, lo corroboró. Y sus características fueron las de siempre: a) repertorio renovado y difícil; b) óptima preparación, mezclando voces masculinas y femeninas; c) presentaciones humorísticas pero útiles del director; d) cantantes profesionales de primera línea; e) eclecticismo.</span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">            López Puccio ha llevado de frente dos vidas disímiles: ser miembro de Les Luthiers y ser un extraordinario director de coro. En esta “segunda vida” sus conciertos son una garantía hasta para los más veteranos melómanos: conocerán música valiosa en versiones relevantes, y con frecuencia escucharán obras de compositores a los que ni siquiera oyeron nombrar. Y volvió a ocurrir ahora, cuando mantiene toda su contagiosa energía habiendo pasado la barrera de los 70 años.</span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">            Los 32 cantantes incluyen a muchos coreutas que también son solistas; y en este programa tuvieron en algunas obras la impecable colaboración de Federico Ciancio en piano y órgano. No hubo intervalo.</span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">            Ya de entrada tuvimos a un compositor ignoto (al menos para mí): Ralph Manuel, nacido en 1951, con un bello “Alleluia” tonal de 1987. Fue un magnífico descubrimiento el “Ecce vicit leo” para doble coro de Peter Philips (¿1560?-1628) en perfecto estilo San Marcos de Venecia, siguiendo el ejemplo de los Gabrieli; estupendo el coro. La obra es una antífona de 1613  dentro de una serie de “Cantiones sacrae” publicadas por Phalèse en Valonia, y es notable que Philips estuviera tan al tanto de aquel estilo, ya que no fue a Venecia; aunque era inglés vivió la mayor parte de su trayectoria en Valonia. Hay al menos cuatro grabaciones de esta partitura.</span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">            Un total cambio de estilo pero también a 8 voces: “Der Tod, das ist die kühle Nacht” (“La muerte es la noche fría), op. 11 Nº1 (1871) de Peter Cornelius (1824-74), conocido en Alemania por su ópera “Der Barbier von Bagdad”, fina ópera bufa (magnífica grabación dirigida por Leinsdorf con artistas como Schwarzkopf y Czerwenka). La romántica pieza que escuchamos tiene texto de Heinrich Heine y es muy expresiva. Tuvo como solista al tenor José Carnavale, de timbre lírico y con dominio del pianissimo. Única obra bien conocida: el más conciso de los extraordinarios motetes de J.S.Bach: “Komm, Jesu, komm” (“Ven, Jesús, ven”), para doble coro con órgano: una muy buena versión aunque con tempi algo rápidos.</span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">            Siguió una curiosa pieza de Frederick Delius, tan mal conocido aquí: “The splendour falls on Castle Walls” (“El esplendor cae sobre los muros del castillo”), donde cuatro voces imitan las trompas a cierta distancia del coro. Data de 1923 y tiene texto de Tennyson.  Pese a que Delius, aunque inglés, vivió la mayor parte de su vida sucesivamente en Florida, Escandinavia, Alemania y Francia, le encuentro a su música raigambre inglesa, y así lo consideró su máximo promotor, Sir Thomas Beecham: un impresionismo  personalísimo. Su vasta producción es aquí desconocida en un probable 90% y es triste que así sea, ya que al menos una docena de sus obras son realmente valiosas. Se conocen el Concierto para violín (tan bien tocado aquí por Carminio Castagno) y dos piezas orquestales de gran belleza: “On hearing the first cuckoo in Spring” (“Escuchando al primer cucú en Primavera) y “The Walk to the Paradise Garden” (“La caminata hacia el Jardín del Paraíso”) de la ópera “A Village Romeo and Juliet” (“Un pueblo Romeo y Julieta”) que Beecham dirigió aquí en 1958 y en su propio arreglo. Se escuchó alguna que otra partitura de Delius pero nadie se animó con sus obras de mayor envergadura.</span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">            Una obra reciente (2013) de un compositor joven, Andrej Makor (nacido 1987), siguió: de carácter sacro y tonal, “O lux Beata Trinitas” se escuchó con placer. (Es posible que varias de las piezas en este recital hayan sido estrenos locales). Luego, un compositor muy conocido en Holanda, Henk Badings (1907-87): “Tres canciones bretonas”,  1946, para coro y piano. En realidad, Holanda ha producido gran cantidad de compositores de buen nivel y aquí ha llegado poquísimo; tengo tres de esas admirables ediciones Donemus dedicadas a obras holandesas con partituras incluidas, y lamento no poseer más ya que los conciertos nuestros no las programan. Estas canciones, de moderado modernismo, me resultaron gratas e imaginativas, con interesantes acompañamientos pianísticos (salvo la segunda, curiosamente sin piano); doy sus títulos en traducciones castellanas: “La noche en el mar”, “La queja de las almas” y “Atardecer de verano”. Los textos son de Theodore Botrel y la obra fue grabada por nada menos que el Coro Robert Shaw. Badings compuso sinfonías, conciertos y óperas.</span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">            Luego López Puccio dio una detallada explicación de la difícil estética de Yannis Xenakis y admitió que iba a ser la obra ardua del programa para el público: “Serment” (“Juramento”), 1981, con múltiples solistas (¡doce!) que entran y salen de un entramado siempre intenso; sólo un coro de gran nivel puede acometerlo y me atrevo a decir que el GCC logró vencerlo. El juramento en cuestión es el hipocrático, del médico griego Hipócrates, de la época clásica. </span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">            No pudo haber mayor contraste que una típica creación de Edward Elgar, en su estilo noble y británico: “Great is the Lord” (“Grande es el Señor”), Salmo 48, para coro y órgano, Op.67, de 1912, con un muy buen solo del bajo Pol González.</span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">            Tres piezas fuera de programa: aunque las anunció, entendí a medias. La primera, una canción muy melódica, creo que de autor estadounidense; luego, una rítmica obra del cubano Varela; y cerrando el concierto, el famoso Negro Spiritual “Deep River” (“Río Profundo”) en arreglo de Shaw, con un buen solo del barítono Martín Caltabiano.</span></span></span></p> <p style="text-align:justify"> </p> <hr /> <p style="text-align:justify"> </p> <p style="text-align:justify"><img alt="" src="/src/media/images/Agenda/benzecry2.png" style="height:532px; width:800px" /></p> <p style="text-align:justify"> </p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">4 de Noviembre, Ballena. Este concierto de la Sinfónica Juvenil Nacional José de San Martín, dirigida por Mario Benzecry, me atrajo porque incluyó dos obras sinfónico-corales de Johannes Brahms raramente escuchadas: “Gesang der Parzen” (“Canto de las Parcas”) y “Schicksalslied” (“Canto del destino”). Para ello se contó con la unión de tres coros: el Carlos López Buchardo  (de la Universidad Nacional de las Artes) y el Coro de Cámara Amadeo Jacques (del Colegio Nacional de Buenos Aires), ambos dirigidos por Camilo Santostefano, y el Coro del Instituto Municipal de Música de Avellaneda dirigido por Armando Garrido.</span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">            Dos obras de repertorio iniciaron y cerraron el concierto: la Obertura de “El sueño de una noche de verano” de Mendelssohn y el poema sinfónico “Los Preludios” de Liszt. Y en la Primera Parte, después de Mendelssohn, tres piezas vocales con los ganadores del Concurso de Canto de La Scala de San Telmo 2017 María Agustina Calderón (soprano) y Bruno Sciaini (bajo); como explicó Benzecry, se quiere así dar una oportunidad para que se los escuche en una sala importante y con orquesta.</span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">            Como lo expresé en otros artículos este año, la Juvenil pasa por una etapa positiva; este variado concierto fue buena prueba de ello. Y Benzecry, ya octogenario, mantiene una envidiable prestancia física y mental. Tanto Mendelssohn como Liszt se beneficiaron de sus interpretaciones claras e intensas, con una orquesta que responde adecuadamente, salvo un sector que debería ser renovado: el de las trompas.</span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">            María Eugenia Calderón impresionó bien en una bella aria del oratorio “Die Schöpfung” (“La Creación”) de Joseph Haydn: “Nun beut die Flur” (“Entonces los prados”), en la que el Arcángel Gabriel (curiosamente soprano) alaba la frescura de la Naturaleza en música del más puro clasicismo. La voz de Calderón es clara, límpida y liviana. Bruno Sciaini, alto y flaco, posee una voz de bajo cavernosa y de considerable volumen. No se lo escuchó cómodo en un recitativo y aria de “El Mesías” de Händel: el recitativo “For behold, Darkness shall cover the Earth” (“Mirad, la oscuridad cubrirá la Tierra”) y el aria “The people that walked in Darkness have seen a great Light” (“La gente que caminó en la oscuridad vio una gran luz”). Emisión despareja, estilo que debe pulirse y alguna nota fallada demostraron que si bien hay material en su voz, debe ser más trabajada su técnica barroca.  Ambos cantantes ofrecieron para terminar el famoso dúo “Là ci darem la mano” de “Don Giovanni” de Mozart, y allí Sciaini, con presencia de seductor, tuvo su voz y estilo en buen control, mientras se iba acercando a una Zerlina tímida, que termina aceptando con entusiasmo ir a “sposarsi” al “casinetto” (por supuesto, Donna Elvira la aguafiestas lo evitará). Ella, al principio con poca proyección, luego cantó con firmeza y gracia. Los dos saludaron contentos e histriónicos.</span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">            Y ahora vamos a lo más valioso del concierto matinal: las obras mencionadas de Brahms. “Gesang der Parzen”, op.89, escrita en 1882, fue su última obra con orquesta. El texto es de Goethe y el coro es a seis partes: soprano, contralto I y II, tenor y bajo I y II, o sea reforzando las voces graves. En siete estrofas, las primeras seis se refieren al miedo que los humanos deben tener de los dioses. Sin mencionarlos se trata de los del Olimpo y de su arbitrariedad e injusticia. La quinta estrofa menciona a los Titanes apresados en profundas gargantas (etapa anterior a la de los dioses olímpicos). Y la sexta denuncia que los dioses reinantes dejan de bendecir a generaciones enteras. La última dice: así cantaban las Parcas; en una caverna el viejo exilado recuerda a sus hijos y nietos. Una orquesta bien completa que incluye a trompas, tres trombones y tuba, y en las maderas contrafagot (pero en la percusión sólo timbales) es utilizada densamente en el inicio, Maestoso y pesante; tras 18 compases sinfónicos, y con dinámica apaciguada, entra el coro alternando dos semicoros, pero ya en la segunda estrofa aparece el coro entero y en ff. Todo es aún más intenso y complejo en la tercera estrofa. En la cuarta y quinta se mantiene la fuerte garra de los dioses. Antes de seguir a la sexta estrofa se retorna a la primera, subrayando el temor del hombre a los dioses. Ahora sí, la sexta estrofa, piano, suave y legato.  Y la última mantiene el pp hasta que los últimos compases son ppp.  Obra poderosa que sólo hacia el final suaviza su arduo clima, es de las más dramáticas que Brahms haya escrito y resulta de considerable dificultad para orquesta y coro. Tras unos primeros compases algo dislocados la orquesta se asentó y fue un firme soporte para el coro, y me admiró cómo los tres coros lograron integrarse y mantener la misma calidad de sonido bien afinado y fraseado, mérito múltiple de los coreutas, directores de coro y director de orquesta. Muy raramente tocada, esta obra me impactó; si bien la conocía a través de una excelente integral de las obras sinfónico-corales de Brahms dirigida por Giuseppe Sinopoli, es la primera vez que la escucho en vivo.</span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">            En cuanto al Canto del destino, op.54, pude apreciarlo en vivo ya en 1959  por el Coro Estable de Rosario y la Sinfónica Nacional dirigida por Juan José Castro, y en memorable ocasión en 1967 por la Filarmónica, el Coro de la Wagneriana dirigido por Russo y la dirección orquestal de Brückner-Rüggeberg, y acoplado con la Rapsodia para contralto, coro masculino y orquesta, con la gran Marga Höffgen como solista. En décadas más cercanas también lo escuché, de modo que no es una rareza pero tampoco una obra trillada. Fue escrito entre 1868 y 1871 y el texto proviene del “Canto del Destino de Hiperión”  de Friedrich Hölderlin. Son sólo tres estrofas; la orquestación es más liviana (sólo dos trompas; no hay tuba ni contrafagot). La primera estrofa no entra todavía en materia, sólo se refiere a genios bendecidos; la música, lenta y nostálgica, se inicia con una expresiva melodía orquestal, p, y tras una extensa introducción, el coro (normal, a 4 voces) canta serenamente. Segunda estrofa: “sin destino respiran los celestiales; su espíritu florece eternamente y sus benditos ojos miran con claridad eterna”. Y la música acompaña esa serenidad celestial. Pero todo cambia en la tercera estrofa: “Pero nosotros no tenemos descanso en ningún lado; los hombres sufren y se desgastan y caen año tras año en mayor incertidumbre”; amargo texto por cierto, reflejado en un Allegro violento en 3/4, con el coro cantando al unísono acompañado por tremolos de cuerdas y luego de llegar a un climax  el coro canta p lo referente a la incertidumbre. Pero Brahms hace a partir de allí algo muy raro: vuelve a las primeras palabras de la estrofa aunque esta vez de un modo completamente distinto; tras una transición orquestal suave, el coro canta p y expresivo durante un rato, luego vuelve a la turbulencia, y al final retorna al tema de la incertidumbre y lo repite suavemente muchas veces; la obra se cierra Adagio en un postludio orquestal. Obra de fuertes contrastes emocionales, este Canto del destino llega al corazón y tuvo una versión convincente, bien cantada y tocada y con un control exacto de los tempi por parte de Benzecry.</span></span></span></p> <p> </p>
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      • titleLa Orquesta de Cámara de Viena, Mozart y la excelencia.
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      • short_descLa Orquesta de Cámara de Viena, conducida por el director y pianista Stefan Vladar, cerraba la temporada anual del Mozarteum Argentino con su segundo concierto en el Teatro Colón el miércoles 14 de noviembre, integrando un programa que realizó un recorrido por diversos compositores, cuyas obras seleccionadas para esta ocasión abarcan muchas de las características compositivas de los modelos musicales clásicos del siglo XVIII o por influencias de este estilo incorporadas en la formación musical inicial de compositores posteriores.
      • description<p style="text-align: center;"><img alt="" src="/src/media/images/Agenda/viena3.jpg" style="height:600px; width:792px" /></p> <p style="text-align: center;"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="font-size:11px">Ph: Liliana Morsia</span></span></span></p> <blockquote> <p style="text-align: center;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:16px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>La Orquesta de Cámara de Viena en el segundo concierto de cierre de temporada del Mozarteum Argentino en el Teatro Colón.</strong></span></span></span></p> </blockquote> <p> </p> <p><strong><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Por Carlos Romero.</span></span></span></strong></p> <p> </p> <p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="font-size:14px">La mundialmente reconocida Orquesta de Cámara de Viena, conducida por el director y pianista Stefan Vladar, cerraba la temporada anual del Mozarteum Argentino con su segundo concierto en el Teatro Colón el miércoles 14 de noviembre, integrando un programa que realizó un recorrido por diversos compositores, cuyas obras seleccionadas para esta ocasión abarcan muchas de las características compositivas de los modelos musicales clásicos del siglo XVIII; ya sea en el caso de W. A. Mozart (1756 – 1791), como una de las figuras principales de esta época, o por influencias de este estilo incorporadas en la formación musical inicial de compositores posteriores, como Benjamin Britten y Antonín Dvo?ák.</span></span></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="font-size:14px">Con su equilibrado número de instrumentistas de cuerdas frotadas, la orquesta puso fin al silencio y la expectativa iniciando su concierto con la Sinfonía Simple Op. 4, obra del compositor inglés BenjaminBritten (1913 – 1976). Desde la enérgica introducción del primer movimiento se dio a conocer la notable integración sonora del conjunto orquestal europeo, que se reafirmó en la precisión y sutileza de los pizzicatos con los que se abordó el siguiente, <em>Playful Pizzicato</em>. La <em>Sentimental Sarabande </em>que le siguió conformó un nuevo clima musical en la sala con un carácter más apacible creando un puente hacia el cuarto y último movimiento, interpretado con un equilibrio y balance acústico admirables.</span></span></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="font-size:14px">En el Concierto para piano y orquesta no.12 en La mayor de Mozart, el director Stefan Vladar, ganador del Primer Premio en el Concurso Internacional de Piano Beethoven de Viena en 1985, asumió el rol de conductor y pianista solista, como era lo usual en el mismo Mozart cuando dirigía sus conciertos con el instrumento de frente a la orquesta. La precisión temporal en lo rítmico y en las frases musicales, combinado con un modo lúdico de ejecución, son características fundamentales en la música de este compositor y fueron expuestas excelentemente en los tres movimientos que conforman este concierto, con una muy notoria técnica instrumental en las cadencias, como la del segundo movimiento, <em>Andante</em>, donde es muy alto el nivel de complejidad que se manifiesta en la llegada a un pianissimo delicado que haga desaparecer el sonido con mucha sutileza en la última nota.</span></span></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="font-size:14px">Como <em>encore</em> de esta parte del concierto, el maestro Stefan Vladar deleitó con la <em>Consolación N° 3 </em>de Franz Liszt, demostrando un nivel de profesionalismo y delicadeza de ejecución pianística excepcionales a pesar de las constantes interrupciones a causa de un teléfono celular que sonó repetidas veces.</span></span></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="font-size:14px">Luego del intervaloy continuando con Mozart como figura central de la noche, el Divertimento en Fa mayor, KV. 138, con sus tres cortos movimientos, fue la reafirmación de la calidad sonora que maneja esta orquesta y del profundo estudio que los músicos han realizado sobre el repertorio de este compositor para brindarle la frescura y jovialidad a esta obra, característica de un Mozart adolescente.</span></span></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="font-size:14px">Con el final de este Divertimento y como último número del programa, la Serenata para cuerdas en Mi mayor, Op. 22 de AntonínDvo?ák (1841 – 1904), demostró la versatilidad de la orquesta en su totalidad y de Vladar en su dirección, interpretando un lenguaje musical que, si bien tiene influencias muy evidentes del estilo clásico de composición, posee además características regionales particulares en su organización del ritmo, que tiene muchos aspectos retomados de las danzas populares nacionales de la actual República Checa.</span></span></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="font-size:14px">De esta forma se cierra el año en el Mozarteum Argentino, con la generosidad de dos <em>encores </em>al final de la noche, entre los cuales y como número de despedida, la Orquesta de Cámara interpretó el <em>Presto</em> del Divertimento en Re mayor K. 136 de Mozart, con Vladar retomando al máximo el aspecto lúdico en su dirección, un poco a modo de una excelente “clase magistral” sobre cómo interpretar el repertorio orquestal de este compositor trascendental en la historia de la música.</span></span></span></p> <p style="text-align: justify;"> </p>
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    • titleEl "Festival 2018" Cientos de sueños se apoderaron un día del CCK
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    • categoryReseñas
    • short_descBajo la batuta de maestros de importante trayectoria, casi 700 chicas y chicos de todo el país participaron de un emotivo y esperanzadorl cierre de “El Festival 2018” en el CCK. Venían de compartir una semana plagada de actividades y seminarios en la ciudad Chascomus, Capital Nacional de las Orquestas Infantiles y Juveniles.
    • description<p style="text-align:center"><img alt="" src="/src/media/images/blog%203/28577911_1898681116830218_6718538225833817971_n.jpg" style="height:533px; width:800px" /></p> <p style="text-align:center">Ph: <span style="color:rgb(34, 34, 34); font-family:tahoma,sans-serif; font-size:12.8px">Federico Kaplun</span></p> <blockquote> <p style="text-align:center"><span style="font-size:16px"><span style="color:#000000"><strong><span style="background-color:transparent; font-family:arial">Bajo la batuta de maestros de importante trayectoria, casi 700 chicas y chicos de todo el país participaron de un emotivo y esperanzadorl cierre de “El Festival 2018” en el CCK. Venían de compartir una semana plagada de actividades y seminarios en la ciudad Chascomus, Capital Nacional de las Orquestas Infantiles y Juveniles.</span></strong></span></span></p> </blockquote> <p style="text-align:justify"> </p> <p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Saliendo de los camarines, luego de saludar y felicitar a los maestros por el concierto increíble que habían tenido, me detiene Andrés González, Coordinador Académico de “El Festival 2018” y me dice: "mira como van los muchachitos llorando por ahí... te acuerdas?", y efectivamente, recorrer los pasillos detrás del escenario del CCK, era hacerse paso entre cientos de chicos emocionados, era pedir permiso para pasar entre abrazos y lágrimas de nuevos amigos, esos que nacieron entre intercambios profundos y valiosos, compañeros que sólo se tienen cuando hacés orquesta, cuando la música forma parte de tu vida, cuando comenzás a cosechar compañeros de fila. Lo recuerdo, y lo recuerdo tanto, que es ese el motor que 15 años después de dejarlo, me sigue moviendo en cada proyecto cultural que tengo el placer de acompañar. El Sistema te marca, te cambia y te hace creer y saber que todo es posible.</span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Para los que no se imaginan la experiencia, El Festival 2018, era la sexta edición de una actividad organizada por La Fundación Sistemas de Orquestas Infantiles y Juveniles de Argentina, en la que casi 700 músicos se juntan en la Ciudad de Chascomús (nombrada Capital Nacional de las Orquestas Infantiles y Juveniles por el Senado y la Cámara de Diputados de la Nación Argentina. Ley 27422) durante una semana. Todos estos chicos provenientes de distintas provincias del país (unos haciendo muchísimo esfuerzo para estar presentes) reciben capacitaciones, talleres, clases magistrales, seminarios y participan de encuentros, ensayos y conciertos, acompañados de los más respetados y reconocidos maestros del país.</span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">La Fundación SOIJAr es una ONG sin fines de lucro, fundada por la Maestra María Valeria Atela y avalada por el Maestro José Antonio Abreu, que nuclea el acompañamiento de <strong><em>orquestas-escuela</em></strong> a nivel nacional que trabajan bajo esta metodología, brindando herramientas y oportunidades de desarrollo y crecimiento técnico-instrumental a niños, niñas y jóvenes de todo el país de manera completamente gratuita. Pero, como todas las cosas que están bien hechas, planteadas estratégicamente y pensadas para ser brindadas con altos estándares de calidad, cada acción está vinculada a los maestros más importantes a nivel nacional e internacional, así como, a las instituciones más relevantes en el ámbito clásico del país, <strong>ratificando que una misión completamente social que promueve la inclusión y la integración a través del arte, puede generar programas y resultados de excelente calidad académica y técnica, permitiendo proyectar el futuro profesional de lo que se convierte en una siembra inagotable de músicos de calidad, que crecen con importantes nociones de solidaridad, respeto, disciplina, trabajo en equipo, en una escuela de ciudadanía, movidos por la pasión que la música genera en quien la descubre y la deja entrar en su vida.</strong></span></span></p> <p style="text-align:justify"> </p> <p style="text-align:justify"><iframe frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/je3LBqHetyQ" width="560"></iframe></p> <p style="text-align:justify"> </p> <p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Si dimensionamos que todo este contenido trasciende y salva, y que miles de chicos y jóvenes en distintas situaciones y contextos sociales bastante vulnerables, encuentran un espacio en el que se les incentiva, se les demuestra que hay otros caminos, que pueden ser ellos los que nutren el alma de muchos, un espacio en el que se revaloriza el poder de escuchar al otro, el de la comunicación, el respeto, un espacio en el que todos los conceptos humanos y ciudadanos se practican en orquesta, en el que el lenguaje es musical a través de claves, figuras y notas, y el trabajo, sí o sí, es en conjunto. Ahí se entiende la increíble misión de esta organización.</span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Es luego de este planteo, cuando se puede entender esa maravillosa experiencia de vivir la música, crecer y compartir con personas que sienten el mismo amor por su instrumento que vos, qué tienen las mismas ganas de perderse en el sonido, que de vez en cuando reniegan de la disciplina necesaria y que en ese momento de intercambio, al ser parte de una orquesta, se convierten en uno. Muchos poniendo todo de su parte para ser uno. Una orquesta que conmueve, que transmite, que inspira. Eso fue un poco lo que la Sala Sinfónica del CCK, con las butacas repletas y ahogadas de emoción y aplausos, tuvo el placer de disfrutar.</span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Bajo la batuta de maestros de importante trayectoria en el ámbito clásico del país, con carreras y proyección internacional, estos ejemplos de humildad y determinación, son un foco que iluminan a las casi 700 personas que participan de “El Festival 2018”, y que más allá de compartir sus conocimientos durante la semana de actividades y seminarios, despliegan su maestría al dirigir las tres orquestas de la VI Edición: la Infantil, la Juvenil y la Mega Orquesta.</span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Sorpresivamente, estos cientos de chicos subían al escenario de la Sala Sinfónica del CCK, para todos la primera vez en este importante espacio artístico/cultural porteño (a pocos días de recibir en ese mismo escenario a la legendaria Patti Smith), para otros la primera vez en un concierto de esta magnitud, todos orgullosos de haber trabajado junto a su orquesta, a sus referentes, maestros, familiares y la comunidad en cada una de sus provincias.</span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Brillantes, apasionados, con sus espíritus inmensos y la disciplina intacta, los niños, niñas y jóvenes, se apoderaron de sus instrumentos, del repertorio y del momento, para arropar a sus Maestros, quienes dirigían con total entendimiento y empatía de lo que implica tener bajo su batuta entre 300 y 500 músicos en cada caso.</span></span></p> <p style="text-align:justify"> </p> <p style="text-align:justify"><iframe frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/RPrF6mPSa4g" width="560"></iframe></p> <p style="text-align:justify"> </p> <p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><strong>Repertorio de la Orquesta Infantil de "El Festival 2018"</strong></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Piotr Illich Tchaikovsky: Obertura 1812, op. 49 (arreglo: A. Carter). Dirigido por el Maestro Hadrian Avila Arzuza</span></span></p> <p style="text-align:justify"> </p> <p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Astor Piazzolla: Adiós Nonino. Solista invitado: Horacio Romo (bandoneón)</span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Arturo Márquez: Danzón n° 2 Dirigido por la Mtra. María Valeria Atela</span></span></p> <p style="text-align:justify"> </p> <p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><strong>Orquesta Juvenil de “El Festival 2018”</strong></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Richard Wagner: Obertura de Los maestros cantores de Nüremberg</span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Igor Stravinsky: Final de El pájaro de fuego</span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Jacques Offenbach: Obertura de Orfeo en los Infiernos</span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Director invitado: Luis Gorelik</span></span></p> <p style="text-align:justify"> </p> <p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><strong>Mega Orquesta de “El Festival 2018”</strong></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Sonia Possetti: Bullanguera (versión de la compositora especialmente dedicada a la Orquesta-Escuela de Chascomús en su 20º Aniversario) Dirigido por Luis Gorelik</span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Himno de la Alegría, Arreglo del 4° Movimiento de la 9° Sinfonía de Ludwig van Beethoven. Dirigido por la Mtra. María Valeria Atela.</span></span></p> <p style="text-align:justify"> </p> <p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Es ese sentido humano el que acerca más público a la música académica, es esa entrega (que no tiene espacio para la demagogia) la que acerca a más jóvenes a la música académica. El futuro de nuestra "movida clásica" argentina, un presente mucho más visceral de las filas de cuerdas, vientos y percusión de los futuros profesionales a lo largo y ancho del país.</span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Sin dudas, la Fundación SOIJAr es una muestra de que los fines sociales y artísticos, bien aplicados, son cosechas invaluables. SOIJAr sabe y cree en lo que hace.</span></span></p> <p style="text-align:justify"> </p> <p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><strong>Por Nahomi Martínez </strong></span></span></p> <p> </p>
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App Constants

CakePHP Constants

PHP Environment

Included Files

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Included Files

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