El "Festival 2018" Cientos de sueños se apoderaron un día del CCK

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      • titleUn Mágico sueño de marionetas y música medieval para el público infantil (y no tanto) en Madrid.
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      • categoryReseñas
      • short_descEl Teatro de la Zarzuela de Madrid repone "Perdida en el Bosco". Se trata de una oportunidad para que los pequeños (el día de autos tenían entre 6 y 7 años aproximadamente), tras el extraordinario éxito de la pasada temporada, en la que más de 1.200 niños y mayores “tomaron” el Ambigú del histórico recinto del Teatro de la Zarzuela, vean la reposición de ‘Perdida en el Bosco’.
      • description<p style="text-align:center"><img alt="" src="/src/media/images/Agenda/5c379a79bedf2_thumbnail.png" style="height:320px; width:640px" /></p> <blockquote> <p style="text-align:center"><span style="font-size:16px"><strong><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Se trata de una oportunidad para que los pequeños (el día de autos tenían entre 6 y 7 años aproximadamente), tras el extraordinario éxito de la pasada temporada, en la que más de 1.200 niños y mayores “tomaron” el Ambigú del histórico recinto del Teatro de la Zarzuela, vean la reposición de ‘Perdida en el Bosco’.</span></span></strong></span></p> </blockquote> <p style="text-align:justify"> </p> <p style="text-align:justify"><strong><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Por Alicia Perris.</span></span></span></strong></p> <p style="text-align:justify"> </p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Es una deliciosa y etérea historia infantil, con títeres, con animales, con instrumentos de época y explicaciones sobre el tratamiento de ellos y de la música tradicional poco frecuentada. Los niños tienen al final, la oportunidad de establecer un  diálogo con los actores- músicos, en un clima cercano, distendido, sentados sobre una alfombra muy mullida roja y almohadones a juego,todos ellos laureados con una gran zeta blanca: la reconocible marca de la casa.</span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">El famoso Ambigú de La Zarzuela es un espacio de usos múltiples, donde a ratos, y según la ocasión, se toma una copa entre los actos de las funciones vespertinas, se realiza una presentación a la prensa o un espectáculo con formato ad hoc y a diferentes horas de una jornada, llena de cosas, como es habitual en esta institución pública de la capital madrileña.</span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">“Perdida en el Bosco” serán 12 funciones -diez escolares y dos abiertas- del 14 al 20 de enero, las escolares (del 14 al 18 de enero) y dos abiertas al público familiar: sábado 19 y domingo 20 de enero, ambas a las 13h00. Todas ellas en el Ambigú del coliseo, para espectadores a partir de 6 años. Es una coproducción entre el Teatro y la compañía hispano-canadiense Claroscuro, y está firmado por Julie Vachon y Francisco de Paula Sánchez.</span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">La historia, cuyos personajes cobran vida gracias a unos asombrosos títeres, se desarrolla a lomos de una música también muy peculiar: Cantigas de Alfonso X el Sabio, Codex Calixtinus o Llibre Vermell de Montserrat, y otras composiciones medievales, interpretadas en directo por Sara Marina y Emilio Villalba, que también participan como “ángeles”, todos con trajes de época, sencillos y funcionales, en esta fantasía.</span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Como aseguran todos los que acompañan los proyectos colectivos del teatro (técnicos, auxiliares de sala, músicos, gestores, prensa, entre otros, )”desde que Daniel Bianco asumiera la dirección del Teatro de la Zarzuela, tanto niños como jóvenes son objetivo prioritario en el proyecto artístico y educativo de La Zarzuela. El propósito es que este público aún sin prejuicios, poco a poco adquiera el hábito de recrearse en el alma misma de nuestro patrimonio musical y teatral, sin apenas esfuerzo, utilizando la diversión inteligente como vía de aprendizaje”.</span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">La temática de la obra y la naturaleza de sus personajes hablan a los más pequeños, entre otros muchos valores y de forma directa, del respeto a la diversidad en su sentido más amplio. Y lo hace a través de unas asombrosas y originales marionetas que van desarrollando la historia entretejida con música medieval: Cantigas de Alfonso X el Sabio, Codex Calixtinus o Llibre Vermell de Montserrat, que interpretan en vivo Sara Marina y Emilio Villalba, quienes también participan como “ángeles” en esta fantasía.</span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Dejar de ser adulto en ocasiones, ofrece unas oportunidades enormes: volver a sentir sin cortapisas, al natural, disfrutar por la piel y los meros sentidos, libre, sin que, necesariamente, todo pase por un proceso de elaboración cognitiva más o menos erudita o apriorística, la de la escucha domesticada, razonada, entrenada por horas y horas de estudio en conservatorio o de audiciones, muy regladas y canónicas en las salas de conciertos. El mundo musical de los mayores cultos, en fin…</span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Los maestros acompañantes pudieron disfrutar también de una relación diferente con sus alumnos, habitualmente recluidos en clases con un aprendizaje por materias, bastante más codificado, interminable. El personal presente de La Zarzuela, distendido como nunca, sonreía viendo cómo los pequeños se asombraban, comentaban la obra, aplaudían o se asustaban por las peripecias del cuento. Puro Bruno Bettelheim (“Psicoanálisis de los cuentos de hadas”, Grijalbo, Crítica.), ya se sabe.</span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Personalmente disfruté como una más, sentada en un sillón maravilloso de terciopelo rojo dispuesto para la ocasión, privilegiada autora de esta reseña y relatora y testigo encantada del encuentro, como una reinona maga rezagada, de vuelta a la infancia.</span></span></span></p> <p style="text-align:justify"> </p> <p><iframe frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/NBjLVAMk5sM" width="560"></iframe></p> <p> </p> <hr /> <p> </p> <p>Teatro de La Zarzuela.  Madrid, 14 de enero de 2019., 11.30 horas</p>
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      • titleMerecido festejo de Por Siempre Coloneros
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      • categoryReseñas
      • short_descPor Siempre Coloneros, que ha logrado bajo la dirección de Ricardo Mandel cumplir 5 años en Facebook con un muy amplio seguimiento de su abundantísima información ilustrada con fotos y que por cierto va mucho más allá del Colón, decidió conmemorar esa fecha con un concierto muy variado en el CCK.
      • description<p style="text-align: center;"><img alt="" src="/src/media/images/Agenda/49165566_1936595456461959_5398192404039729152_n.jpg" style="height:400px; width:800px" /></p> <p style="text-align: center;"> </p> <p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Paradoja: por un lado la gente joven generalmente conoce una plétora de innovaciones que muchos octogenarios (me incluyo) ignoran: Smart phone, Instagram, What´sApp, celulares avanzados y un amplio etcétera. Por otro esa gente suele desconocer el cine mudo, los discos de pasta, los vinilos clásicos (hay una manía reciente por vinilos rockeros carísimos), las cintas de carrete doble, los cassettes, y desgraciadamente dejan los CDs y DVDs para sumergirse en  You Tube o en Streaming. Pero debo reconocer que a mí el Internet me salvó cuando murió el Buenos Aires Herald; ahora me leen en castellano y en Internet ad honorem en vez de en inglés y con honorario, pero a mí lo que me vale es continuar activo tras 53 años de crítica y mi trayectoria es reconocida por las instituciones que me dan entradas de periodista. Además puedo escribir largo cuando me parece justo hacerlo, no tengo las graves limitaciones del periodista de diario en cuanto a espacio. Y además de mi blog, que ya existía (tribunamusical.com.ar), me publican el Foro de Ayache, MusicaClasicaBA y…Por Siempre Coloneros, que ha logrado bajo la dirección de Ricardo Mandel cumplir 5 años en Facebook con un muy amplio seguimiento de su abundantísima información ilustrada con fotos y que por cierto va mucho más allá del Colón.</span></span></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">            Y bien, Mandel decidió conmemorar esa fecha con un concierto muy variado en la Ballena; pero sucedió que la fecha original debió ser cancelada debido a disturbios callejeros cercanos al CCK. Menos mal que pudieron darle otra fecha, pero claro está que hubo que reprogramar ya que varios artistas ya no estaban disponibles. Tuvo lugar el 23 de Noviembre pero en la Sala Argentina con un público entusiasta que obviamente aprecia la tarea de Por Siempre Coloneros, que entre otras virtudes tiene la de no censurar.  La Primera Parte fue dedicada a música instrumental y su programación fue variada, buscando música no trillada y texturas no habituales. Por cierto que es totalmente inusual escuchar un cuarteto de clarinetes, y por ende el Cuarteto de Pierre Max Dubois, en varios breves movimientos,  grato y muy profesional, logró que un crítico de más de cinco décadas de trabajo escuchara algo nuevo. Dubois, que también escribió un cuarteto para saxofones, nació en 1930 y su música es tonal, liviana y muy francesa. La tocó el Cuarteto de Clarinetes Filarmónico, naturalmente liderado por ese gran virtuoso que es Mariano Rey e integrado por los otros clarinetes (incluso bajo y requinto) de la Filarmónica: Eloy Fernández Rojas, Alberto Calvo y Sebastián Tozzola; todos tocaron muy bien. Las otras dos piezas fueron arreglos bien hechos de piezas de Debussy para piano: el célebre “Claro de luna” de la “Suite Bergamasque”, que sonó muy bien de esta manera, y una pieza favorita mía, “El negrito”, cuyos ritmos se parecen mucho al “Golliwogg´s Cakewalk” de “El rincón de los niños”, y cuyo carácter semi-jazzístico fue hábilmente captado por los ejecutantes.</span></span></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">            La breve Sonata en un solo movimiento para violín y piano de Enrique Granados se escucha raramente; si bien se lo conoce por su música pianística, escribió otras obras de cámara (un Trío, un Quinteto para piano y cuerdas) cuidadosas de la forma y de carácter menos español que sus famosas “Goyescas”. Esta Sonata insiste en un elemento melódico de fuerte ritmo y está bastante desarrollada. Alejandro Schaikis, primer atril de segundos violines de la Sinfónica Nacional, estuvo acompañado por Mónica Zubczuk; encontré al violinista algo tenso en pasajes agudos aunque generalmente correcto y a la pianista muy segura resolviendo una rica escritura pianística.</span></span></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">            Conozco la adaptación para flauta y piano de la Sonata para violín y piano de César Franck y me parece bastante lograda, aunque prefiero el original (también hay un arreglo para violoncelo y piano); pero el programa hubiera debido aclarar que sólo se tocaron los últimos dos movimientos. Estuvieron en muy buenas manos: Amalia Pérez es una importante flautista (hija del notable pianista Fernando Pérez) y ya conocemos la calidad de Marcelo Balat; ambos son baluartes de la Sinfónica Nacional. </span></span></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">            El trompetista Fernando Ciancio, primer atril de la Filarmónica de Buenos Aires, ofreció con gran seguridad dos partituras escritas con real comprensión de las posibilidades de un instrumento atrayente y peligroso: el Andante y Allegro del muy eficaz Guy Ropartz (yo como tantos otros estudiantes luché tratando de vencer sus ejercicios muy bien concebidos de educación auditiva…y no siempre lo logré) y el arduo Estudio de concierto Op.49 de Alexander Goedicke, basado en la rápida repetición de figuras rítmicas; fue bien acompañado por Diana Lopszyc (originalmente para  trompeta y orquesta, el autor, ruso, también escribió un Concierto para trompeta).</span></span></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">            La Segunda Parte fue dedicada a arias y conjuntos del repertorio lírico pero a diferencia de la Primera Parte no se salió del repertorio habitual. La soprano Mariana Carnovali afrontó con entereza la difícil  “Sempre libera” de “La Traviata” verdiana; la voz es fresca y la coloratura estuvo bien resuelta. Siguió un fragmento del dúo “Mira, o Norma” (por supuesto de la “Norma” belliniana), con Carnovali y una mezzo nueva para mí, Mairin Rodríguez; las dos voces combinaron bien y cantaron con  adecuado estilo. Luego, María Luisa Merino Ronda, mezzosoprano chilena radicada aquí, cantó la verista “Acerba voluttà” de “Adriana Lecouvreur” de Cilea aceptablemente pero sin el “slancio” (empuje) que esta música pasional requiere. Retorno a Verdi con “Rigoletto”; esa estupenda aria, “Cortigiani, vil razza dannata”, fue cantada con furor inicialmente y luego con súplica por el notable joven barítono Juan Font, cuyo fuerte temperamento  y el color de su voz funcionan muy bien en personajes intensamente dramáticos, más allá de algún exceso. Y luego, el cuarteto “Bella figlia dell´amore”, tan dominado por el tenor, en este caso Gustavo López Manzitti, cuya poderosa voz se mantiene segura promediando la cincuentena, siempre afinado,  aunque  faltan matices. Los tres restantes completaron bien: Carnovali, Font y Rodríguez. Un rol donde López Manzitti se lució hace unos años fue Werther en la ópera de Massenet; prefiero un “Pourquoi me réveiller” con más notas piano pero la firmeza del canto es indudable; se añadió del último acto  la escena final, cuando Werther, moribundo, se despide de Charlotte en “Ciel! Ai-je compris?”; allí el tenor estuvo muy expresivo y Merino Ronda más cómoda que en Cilea.</span></span></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">            De allí en más el carácter de las piezas elegidas cambió drásticamente. Otra mezzo, Maisa Videla, con inflexiones jazzísticas, cantó el célebre “Summertime” de “Porgy and Bess” de Gershwin adecuadamente aunque la pieza da para más en expresión y calidad de timbre. Luego un doble homenaje a Bernstein: “I feel pretty” (“Me siento linda”), de “West Side Story”, fue cantada por la mezzo Ana Sampedro con satisfactorio aire de puertorriqueña; y Constanza Díaz Falú acometió la ardua “Glitter and be gay” de “Candide”; la artista cantó Cunegonde en “Candide” completa recientemente, en el segundo reparto. Como la soprano alterna entre una alegría artificial y una melancolía marcada, el desafío interpretativo es grande; Díaz Falú es muy histriónica y dio hábilmente los dos temperamentos, pero fue incisiva en extremo en ciertos sobreagudos. Por último, varios fragmentos entrelazados del Segundo Acto de “El Murciélago” (“Die Fledermaus”) de Johann Strauss, música irresistible si se hace bien pero cuyo carácter tan vienés es complicado para nuestros artistas, que lo consiguieron a medias: Carnovali, Díaz Falú, López Manzitti, Font y Felipe Carelli.</span></span></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">            Eduviges Picone es buena conocedora del repertorio operístico y acompañó al piano con solvencia las óperas italianas y la francesa; en cambio se la sintió insegura no en Gershwin pero sí en Bernstein y Strauss. También ejerció la dirección musical.</span></span></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">            Presentó Martín Wullich con oficio y  décadas de práctica.</span></span></span></p> <p style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">            En suma, una celebración justa de un hecho valioso: los cinco años de Por siempre Coloneros; que en cinco más puedan festejar la década, siempre con Mandel.</span></span></span></p> <p><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="font-size:14px"><strong>Por Pablo Bardin.</strong></span></span></span></p>
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      • titleUna Turandot majestuosa cierra el año en el Teatro Real de Madrid
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      • categoryReseñas
      • short_descVuelve Turandot al Teatro Real luego de 20 años de ausencia, con una nueva producción firmada por uno de los directores importantes de los siglos XX y XXI: Robert Wilson, creador de producciones como TheLife and Death of Marina Abramovic y Pelléas et Mélisande. Irene Theorin, como Turandot (reemplazando a Nina Stemme, que se dio de baja por enfermedad justificada) y Yolanda Auyanet, como Liù y el director musical asociado del Teatro Real, Nicola Luisotti, que dirige uno de los grandes títulos del repertorio italiano.
      • description<p style="text-align:center"><img alt="" src="/src/media/images/Agenda/turandot.jpg" style="height:449px; width:800px" /></p> <blockquote> <p style="text-align:center"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong><span style="color:#000000"><span style="font-size:16px">Vuelve Turandot al Teatro Real luego de 20 años de ausencia, con una nueva producción firmada por uno de los directores importantes de los siglos XX y XXI: Robert Wilson, </span></span></strong></span></p> <p style="text-align:center"><strong><span style="color:#000000"><span style="font-size:16px">creador de producciones como TheLife and Death of Marina Abramovic y Pelléas et Mélisande. </span></span></strong></p> <p style="text-align:center"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong><span style="color:#000000"><span style="font-size:16px">Irene Theorin, como Turandot (reemplazando a Nina Stemme, que se dio de baja por enfermedad justificada) y Yolanda Auyanet, como Liù y el director musical asociado del Teatro Real, Nicola Luisotti, que dirige uno de los grandes títulos del repertorio italiano.</span></span></strong></span></p> </blockquote> <p style="text-align:justify"> </p> <p style="text-align:justify"><strong><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Por Alicia Perris.</span></span></span></strong></p> <p style="text-align:justify"> </p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Así firmó Puccini, el maestro de Lucca, la que sería su última ópera, que dejó inconclusa. Basada en un poema épico persa del siglo XII, Turandot permitía al compositor adentrarse en un universo sonoro y temático muy rico y renovado. Como había ya conseguido con Madama Butterfly, regresa a los territorios del Oriente imaginado por el inconsciente colectivo, que tan bien se le había dado en su anterior obra sobre el Japón y el colonialismo político y de género.</span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Pero esta vez el personaje femenino de Turandot, parece contraponerse a la figura evanescente y doblegada por el hombre de Butterfly, que tiene sin embargo su correlato en esta última producción pucciniana en Liù, admirable de abnegación, consecuente con su destino aciago y trágico hasta el final. Turandot, efectivamente, construye su forma de estar en el mundo desde una zona de confort imperial y femenina, donde lo que impera, para decirlo brevemente y en términos lacanianos, es el miedo al falo y el deseo de controlar las pulsiones y el comportamiento masculino.</span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">“El nombre Turandot proviene del persa que significa 'La hija del Turán'. Turán es una región de Asia Central que pertenecía al Imperio persa. El origen de la historia de Turandot se remonta al poema titulado Las siete bellezas o Las siete princesas, obra de Nezamí Ganyaví, uno de los grandes poetas épicos de la literatura persa. Este poema relata la historia de un príncipe persa de la época Sasánida, que tenía 7 princesas, cada una de ellas proveniente de un lugar distinto del imperio: Egipto, China, Rusia, Grecia, Turquía, India, Asia central. Una de estas princesas, de origen ruso, no encontraba ningún hombre que fuera digno de ella, y por eso se encerró en una fortaleza y declaró que se entregaría al hombre que la encontrara y pudiera resolver una serie de enigmas. Pero una vez resueltos los enigmas, debía pasar por su “puerta secreta guardada por misteriosas espadas que amenazan con decapitar al intrépido”.</span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">François de la Croix, un orientalista francés contemporáneo de AntoineGalland, traductor de Las mil y una noches, en una colección de cuentos llamada Los mil y un días, se hizo cargo de este relato. En esta obra se hace una transposición cultural de la princesa rusa original a una fría y cruel princesa china llamada “Turandokht”, para acentuar el carácter exótico de la historia. Desde ahí Carlo Gozzi, parece ser que creó una tragicomedia al estilo de la Comedia del arte, que luego fue recreada por el poeta alemán Friedrich Schiller. El texto de la ópera está basado en una traducción italiana de esta obra”.</span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Turandot es una partitura con una exigencia máxima para el rendimiento de los cantantes. El segundo acto, por ejemplo, se inicia con la frase” In questareggia”, cuando Turandot explica la razón de su comportamiento. Musicalmente, esta parte exige sobreagudos a cargo de la soprano que, la hacen particularmente difícil. El tercer acto nos brinda una de las arias más conocidas para tenor, “Nessundorma”, inmortalizada por el llorado Pavarotti, que representa la victoria del amor sobre el odio, donde Calaf clama que nadie se duerma para descifrar el nombre del joven héroe.</span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">En la República Popular China estuvo mucho tiempo vetada la representación de Turandot, porque se consideró que menospreciaba a China y al pueblo chino. Como los tiempos cambian,  en septiembre de 1998, finalmente se estrenó y estuvo durante ocho noches en la Ciudad Prohibida con opulentos escenarios y soldados del ejército como extras. Se trató de una producción internacional, cuya puesta en escena estuvo a cargo de Zhang Yimou, con el legendario ZubinMehta, como director musical. El protagonismo dramático-vocal recayó en Giovanna Casolla, como la Princesa Turandot; Sergei Larin, como Calaf; y BarbaraHendricks y BarbaraFrittoli, alternando en el papel de Liú. Nada menos.</span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">La apuesta escénica del Teatro Real en esta ocasión es majestuosa, sobria y suntuosa, logrando que el escenario de una sensación de amplitud verdaderamente regia. Los cantantes trabajan en una relativa comodidad espacial, salvo por los casos en que aparecen sobrevolando el escenario para crear dos espacios escénicos que tienen relación directa con la autoridad y el poder en el caso del viejo emperador y la princesa Turandot. Robert Wilson organiza muy bien la escena, la iluminación y la escenografía, sencilla pero no pobre, como suele ocurrir en algunas salas líricas en estos tiempos.</span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">El figurinista Jacques Reynaud hace unas creaciones vibrantes que rozanel cuento de hadas, o mejor, aquí, de terror, con un equipo de apoyo en un todo que funciona muy bien.El coro tiene una especial actuación en esta ópera, a diferencia de otras de Puccini, más recoletas, más íntimas. Andrés Máspero, el director argentino a cargo desde hace años de esta formación, consigue como siempre, una fluidez y una actuación destacables.</span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Nicola Luisotti y colaboradores, conciertan con elegancia y entrega, aunque por momentos, la orquesta se desborda en volúmenes sonoros, debido a una partitura seguramente amplificada sobre todo en los metales y la percusión, un reto complicado de asumir por la acústica y el diseño de algunos teatros de ópera, aunque las voces sostienen con elegancia el desafío de los instrumentos a menudo en forte y a tuttaorchestra.</span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">De hecho, Turandot está concebida para una formación generosa:en principio, maderas: 3 flautas, 2 oboes, un corno inglés, 2 clarinetes en si bemol, un clarinete bajo, 2 fagotes, a contrafagot, y 2 saxofones altos en escena en mi bemol. Metales: 4 trompas en Fa, 3 trompetas en Fa, 3 trombones, un trombón contrabajo, 6 trompetas en el escenario en si bemol, 3 trombones y un trombón bajo en escena. La percusión es de verdad lujosa yde un caudal sorprendente, hipnótico, ya que hay timbales, címbalos, gong, un triángulo, una caja, un bombo, un gong, un glockenspiel, un xilofón, un xilófono bajo, campanas tubulares, entonadas con gongs chinos,? un bloque en escena y un gran gong además. En lo que respecta a los teclados, completan el todo una celesta, y un órgano y destacan en las cuerdas: 2 arpas,  violines, violas, violonchelos, y contrabajos.</span></span></span></p> <p style="text-align:justify"> </p> <p style="text-align:center"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><img alt="" src="/src/media/images/Agenda/Turandot%200826.jpg" style="height:532px; width:800px" /></span></span></span></p> <p style="text-align:center"> </p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">La Turandot de Irene Theorin tiene una actuación dramática conseguida, aunque la voz, por momentos, sobre todo al principio, busca un lugar donde instalarse de forma clara, con graves excesivamente en piano y un registro agudo que se puede volver poco agradable, pero salva la parte de todas formas con holgura. Como anécdota, se podría agregar que esta soprano sueca experimentada, cantó Isolde en Buenos Aires, bajo la dirección de Daniel Barenboim.</span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">La excelente Liù de Yolanda Auyanet, la soprano canaria, llena de una luminosidad que trasciende lo vocal y comunica muy bien emociones y transparencia psicológica. Su </span></span></span><span style="color:rgb(0, 0, 0); font-family:verdana,geneva,sans-serif; font-size:14px">performance es bonita y dulce, enternecedora, sutil, como exige el personaje.</span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Andrea Mastroni, bajo italiano que empezó como clarinetista, es un Timur experimentado, con excelentes posibilidades vocales que aquilata con sabiduría, como Raúl Giménez, un tenor lírico argentino que tiene una dilatada carrera internacional  y es un especialista consumado además, en el repertorio belcantista y mozartiano. Compone un emperador Altoum donde transmite la fragilidad de la vejez y el dolor por compartir la familia con una hija tan poco afable y conciliadora.</span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Finalmente siempre en los papeles protagonistas, el tenor nacido en Seúl Jae-Hyoung Kim, elabora un Calaf compacto, con un chorro de voz, que en ocasiones carece de toda la calidez necesaria, aunque, dadas las circunstancias dramáticas y argumentales, es difícil encontrarle el punto a un osado caballero que sabe que puede ser el siguiente en la lista de pretendientes reales  en perder la cabeza. Tiene un instrumento fresco y sano y es muy seguro y firme en su despliegue vocal y teatral.</span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">No se puede escribir  sino lo mejor de los tres personajes que comentan y completan el relato operístico, Joan Martín Royo (Ping), Vicenç Esteve (Pang) y Juan Antonio Sanabria bordan un trío de lujo cuyas voces y muy especialmente la actuación corporal, los eleva a una calidad muy especial dentro de este elenco bien dotado y eficiente.</span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">En roles que a veces se descartan, Gerardo Bullón es un ajustado mandarín, así como hay que recordar a los bailarines David Vento (el príncipe de Persia), El verdugo (de Antonio Carbonero y Álex Pastor) y las tres mujeres que despliegan Estíbaliz Barroso, Alicia Espinar y Eva Hageman.</span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Y last but not least, los Pequeños Cantores de la Jorcam, al mando siempre de Ana González, que, a pesar de ser niños, consigue lo mejor de ellos con disciplina y trabajo, como el que pudiera realizar un plantel de cantantes adultos consumados.</span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Todos los artistas y profesionales que produjeron y contribuyeron al éxito de esta obra, muy aplaudida por el público, que llenaba completamente la sala el día de esta reseña y otras funciones, dedicaron las representaciones a la memoria de la soprano catalana Montserrat Caballé, recientemente desaparecida. Y como relatora y cuentacuentos habitual, solo me queda desearles a todos los melómanos y los lectores de esta publicación, un esperanzado año 2019, lleno de empatía, paz y solidaridad. Que así sea.</span></span></span></p> <p> </p> <hr /> <p style="text-align:justify"> </p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Drama lírico en tres actos Con música de Giacomo Puccini (1858-1924), finalizada por Franco Alfano (1875-1954). Libreto de Giuseppe Adami y Renato Simoni, basado en la fábula homónima de Carlo Gozzi. Teatro Real de Madrid, 27 de diciembre de 2018.</span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Estrenada en el Teatro allaScala de Milán, el 25 de abril de 1926 y en el Teatro Real el 14 de febrero de 1998. Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con la Canadian Opera Company de Toronto y el Teatro Nacional de Lituania y la Houston Grand Opera.</span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real</span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">(Coro Intermezzo / Orquesta Sinfónica de Madrid)</span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Pequeños Cantores de la JORCAM</span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>Ficha Artística</strong></span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Dirección musical: Nicola Luisotti            </span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Dirección de escena, escenografía e iluminación: Robert Wilson             </span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Codirección de escena: Nicola Panzer  </span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Escenógrafa asociada: Stephanie Engeln            </span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Figurines: Jacques Reynaud      </span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Iluminador asociado: John Torres           </span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Caracterizaciones: Manu Halligan           </span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Vídeo: TomekJeziorski</span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Dramaturgia: José Enrique Macián         </span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Dirección del coro: Andrés Máspero     </span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Dirección del coro de niños: Ana González         </span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Asistente del Director de Escena: Giovanni Firpo            </span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Asistente del figurinista: DavideBoni    </span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">La princesa Turandot: Irene Theorin, soprano dramática            </span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">El emperador Altoum: Raúl Giménez, tenor      </span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Timur: Andrea Mastroni, bajo                  </span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Calaf: Jae-Hyoeung Kim, tenor lírico-spinto</span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Liù: Yolanda Auyanet, soprano lírica      </span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Ping: Joan Martín-Royo                (barítono)</span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Pang: VicençEsteve ,tenor ligero            </span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Pong: Juan Antonio Sanabria, tenor ligero         </span></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Un mandarín: Gerardo Bullón  </span></span></span></p>
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    • titleEl "Festival 2018" Cientos de sueños se apoderaron un día del CCK
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    • categoryReseñas
    • short_descBajo la batuta de maestros de importante trayectoria, casi 700 chicas y chicos de todo el país participaron de un emotivo y esperanzadorl cierre de “El Festival 2018” en el CCK. Venían de compartir una semana plagada de actividades y seminarios en la ciudad Chascomus, Capital Nacional de las Orquestas Infantiles y Juveniles.
    • description<p style="text-align:center"><img alt="" src="/src/media/images/blog%203/28577911_1898681116830218_6718538225833817971_n.jpg" style="height:533px; width:800px" /></p> <p style="text-align:center">Ph: <span style="color:rgb(34, 34, 34); font-family:tahoma,sans-serif; font-size:12.8px">Federico Kaplun</span></p> <blockquote> <p style="text-align:center"><span style="font-size:16px"><span style="color:#000000"><strong><span style="background-color:transparent; font-family:arial">Bajo la batuta de maestros de importante trayectoria, casi 700 chicas y chicos de todo el país participaron de un emotivo y esperanzadorl cierre de “El Festival 2018” en el CCK. Venían de compartir una semana plagada de actividades y seminarios en la ciudad Chascomus, Capital Nacional de las Orquestas Infantiles y Juveniles.</span></strong></span></span></p> </blockquote> <p style="text-align:justify"> </p> <p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Saliendo de los camarines, luego de saludar y felicitar a los maestros por el concierto increíble que habían tenido, me detiene Andrés González, Coordinador Académico de “El Festival 2018” y me dice: "mira como van los muchachitos llorando por ahí... te acuerdas?", y efectivamente, recorrer los pasillos detrás del escenario del CCK, era hacerse paso entre cientos de chicos emocionados, era pedir permiso para pasar entre abrazos y lágrimas de nuevos amigos, esos que nacieron entre intercambios profundos y valiosos, compañeros que sólo se tienen cuando hacés orquesta, cuando la música forma parte de tu vida, cuando comenzás a cosechar compañeros de fila. Lo recuerdo, y lo recuerdo tanto, que es ese el motor que 15 años después de dejarlo, me sigue moviendo en cada proyecto cultural que tengo el placer de acompañar. El Sistema te marca, te cambia y te hace creer y saber que todo es posible.</span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Para los que no se imaginan la experiencia, El Festival 2018, era la sexta edición de una actividad organizada por La Fundación Sistemas de Orquestas Infantiles y Juveniles de Argentina, en la que casi 700 músicos se juntan en la Ciudad de Chascomús (nombrada Capital Nacional de las Orquestas Infantiles y Juveniles por el Senado y la Cámara de Diputados de la Nación Argentina. Ley 27422) durante una semana. Todos estos chicos provenientes de distintas provincias del país (unos haciendo muchísimo esfuerzo para estar presentes) reciben capacitaciones, talleres, clases magistrales, seminarios y participan de encuentros, ensayos y conciertos, acompañados de los más respetados y reconocidos maestros del país.</span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">La Fundación SOIJAr es una ONG sin fines de lucro, fundada por la Maestra María Valeria Atela y avalada por el Maestro José Antonio Abreu, que nuclea el acompañamiento de <strong><em>orquestas-escuela</em></strong> a nivel nacional que trabajan bajo esta metodología, brindando herramientas y oportunidades de desarrollo y crecimiento técnico-instrumental a niños, niñas y jóvenes de todo el país de manera completamente gratuita. Pero, como todas las cosas que están bien hechas, planteadas estratégicamente y pensadas para ser brindadas con altos estándares de calidad, cada acción está vinculada a los maestros más importantes a nivel nacional e internacional, así como, a las instituciones más relevantes en el ámbito clásico del país, <strong>ratificando que una misión completamente social que promueve la inclusión y la integración a través del arte, puede generar programas y resultados de excelente calidad académica y técnica, permitiendo proyectar el futuro profesional de lo que se convierte en una siembra inagotable de músicos de calidad, que crecen con importantes nociones de solidaridad, respeto, disciplina, trabajo en equipo, en una escuela de ciudadanía, movidos por la pasión que la música genera en quien la descubre y la deja entrar en su vida.</strong></span></span></p> <p style="text-align:justify"> </p> <p style="text-align:justify"><iframe frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/je3LBqHetyQ" width="560"></iframe></p> <p style="text-align:justify"> </p> <p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Si dimensionamos que todo este contenido trasciende y salva, y que miles de chicos y jóvenes en distintas situaciones y contextos sociales bastante vulnerables, encuentran un espacio en el que se les incentiva, se les demuestra que hay otros caminos, que pueden ser ellos los que nutren el alma de muchos, un espacio en el que se revaloriza el poder de escuchar al otro, el de la comunicación, el respeto, un espacio en el que todos los conceptos humanos y ciudadanos se practican en orquesta, en el que el lenguaje es musical a través de claves, figuras y notas, y el trabajo, sí o sí, es en conjunto. Ahí se entiende la increíble misión de esta organización.</span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Es luego de este planteo, cuando se puede entender esa maravillosa experiencia de vivir la música, crecer y compartir con personas que sienten el mismo amor por su instrumento que vos, qué tienen las mismas ganas de perderse en el sonido, que de vez en cuando reniegan de la disciplina necesaria y que en ese momento de intercambio, al ser parte de una orquesta, se convierten en uno. Muchos poniendo todo de su parte para ser uno. Una orquesta que conmueve, que transmite, que inspira. Eso fue un poco lo que la Sala Sinfónica del CCK, con las butacas repletas y ahogadas de emoción y aplausos, tuvo el placer de disfrutar.</span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Bajo la batuta de maestros de importante trayectoria en el ámbito clásico del país, con carreras y proyección internacional, estos ejemplos de humildad y determinación, son un foco que iluminan a las casi 700 personas que participan de “El Festival 2018”, y que más allá de compartir sus conocimientos durante la semana de actividades y seminarios, despliegan su maestría al dirigir las tres orquestas de la VI Edición: la Infantil, la Juvenil y la Mega Orquesta.</span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Sorpresivamente, estos cientos de chicos subían al escenario de la Sala Sinfónica del CCK, para todos la primera vez en este importante espacio artístico/cultural porteño (a pocos días de recibir en ese mismo escenario a la legendaria Patti Smith), para otros la primera vez en un concierto de esta magnitud, todos orgullosos de haber trabajado junto a su orquesta, a sus referentes, maestros, familiares y la comunidad en cada una de sus provincias.</span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Brillantes, apasionados, con sus espíritus inmensos y la disciplina intacta, los niños, niñas y jóvenes, se apoderaron de sus instrumentos, del repertorio y del momento, para arropar a sus Maestros, quienes dirigían con total entendimiento y empatía de lo que implica tener bajo su batuta entre 300 y 500 músicos en cada caso.</span></span></p> <p style="text-align:justify"> </p> <p style="text-align:justify"><iframe frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/RPrF6mPSa4g" width="560"></iframe></p> <p style="text-align:justify"> </p> <p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><strong>Repertorio de la Orquesta Infantil de "El Festival 2018"</strong></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Piotr Illich Tchaikovsky: Obertura 1812, op. 49 (arreglo: A. Carter). Dirigido por el Maestro Hadrian Avila Arzuza</span></span></p> <p style="text-align:justify"> </p> <p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Astor Piazzolla: Adiós Nonino. Solista invitado: Horacio Romo (bandoneón)</span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Arturo Márquez: Danzón n° 2 Dirigido por la Mtra. María Valeria Atela</span></span></p> <p style="text-align:justify"> </p> <p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><strong>Orquesta Juvenil de “El Festival 2018”</strong></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Richard Wagner: Obertura de Los maestros cantores de Nüremberg</span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Igor Stravinsky: Final de El pájaro de fuego</span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Jacques Offenbach: Obertura de Orfeo en los Infiernos</span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Director invitado: Luis Gorelik</span></span></p> <p style="text-align:justify"> </p> <p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><strong>Mega Orquesta de “El Festival 2018”</strong></span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Sonia Possetti: Bullanguera (versión de la compositora especialmente dedicada a la Orquesta-Escuela de Chascomús en su 20º Aniversario) Dirigido por Luis Gorelik</span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Himno de la Alegría, Arreglo del 4° Movimiento de la 9° Sinfonía de Ludwig van Beethoven. Dirigido por la Mtra. María Valeria Atela.</span></span></p> <p style="text-align:justify"> </p> <p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Es ese sentido humano el que acerca más público a la música académica, es esa entrega (que no tiene espacio para la demagogia) la que acerca a más jóvenes a la música académica. El futuro de nuestra "movida clásica" argentina, un presente mucho más visceral de las filas de cuerdas, vientos y percusión de los futuros profesionales a lo largo y ancho del país.</span></span></p> <p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Sin dudas, la Fundación SOIJAr es una muestra de que los fines sociales y artísticos, bien aplicados, son cosechas invaluables. SOIJAr sabe y cree en lo que hace.</span></span></p> <p style="text-align:justify"> </p> <p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><strong>Por Nahomi Martínez </strong></span></span></p> <p> </p>
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App Constants

CakePHP Constants

PHP Environment

Included Files

Include Paths

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Included Files

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