Mancha Arena. El sonido de los durmientes

El Sonido de los Durmientes recientemente editó su tercer disco.

Te dejamos un poco de la historia del ensamble y un video del nuevo trabajo discográfico.

Si pensamos en definir como sería una Música Urbana Actual (MUA), debemos escuchar como resuena en esta gran olla con olor a Tango, el sabor del folklore local, junto a las músicas clásicas del viejo continente, la presencia invisible pero evidente de lo Afro y todo esto mezclado o tapado por el tuco de una gran confusión: la globalización cultural.

Mancha Arena es todo esto y seguramente algo que aún desconocemos, pero que se oye…

SOBRE LA ORQUESTA:

El Sonido de los Durmientes está conformada por 10 músicos. Cuenta con dos discos publicados, El Sonido de los Durmientes (2009) y Danza entre Todos (2014). Durante la segunda parte de este año estará presentando su 3er. trabajo discográfico, Mancha Arena en distintos espacios de la Ciudad de Buenos Aires.

Nace en el año 2008 como un proyecto estético que se materializa en la creación de composiciones originales y recorrió las salas más prestigiosas de la Argentina con su repertorio. La propuesta está centrada en profundizar un lenguaje local y contemporáneo. Sus decisiones estéticas obedecen a la necesidad de desarrollar un lenguaje musical que exprese la transformación del paisaje de la ciudad de Buenos Aires, donde las huellas cosmopolitas y la globalización cultural signaron ya las características fundamentales de la época.

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Hiatus Kaiyote en la Ciudad Cultural Konex: cuando las etiquetas no alcanzan

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 titleHiatus Kaiyote en la Ciudad Cultural Konex: cuando las etiquetas no alcanzan
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 short_descEn el marco de su primera gira latinoamericana, la banda liderada por Nai Palm confirmó su inefable propuesta estética a fuerza de virtuosismo y carisma escénico.
 description<img alt="" src="/src/media/images/Agenda/hi.jpg" style="height:533px; width:800px" /> <blockquote> En el marco de su primera gira latinoamericana, la banda liderada por Nai Palm confirmó su inefable propuesta estética a fuerza de virtuosismo y carisma escénico. </blockquote> Por Iván Gordin. “¿Por qué cantan eso? ¿Qué significa?”, la vocalista oriunda de Melbourne parece confusa mientras se carga al hombro su Jackson Flying V. Claro, el público argentino no para de corear su ya clásico “Olé, olé, olé”, pero la métrica es complicada para un nombre como Hiatus Kaiyote, ¿Iá-tus? ¿Aiatus? ¿Coyote? ¿Kaiyoti? Luego le explican, ella agradece, todavía no sabe bien qué es pero sabe que es algo bueno. No se entiende del todo, pero el entusiasmo hizo posible que cientos de jóvenes sub 30 incluyeran estas dos palabras impronunciables (incluso para nativos anglosajones) en un cántico digno de cualquier cancha del Nacional B. Tal vez este milagro sea la síntesis perfecta de la proyección sonora que presenta esta agrupación proveniente del otro lado del mundo: “No sabemos por qué, pero funciona”. Hiatus Kaiyote saltó a la “fama” en 2015 como parte de un movimiento que muchos se apresuraron a definir como “Neo-Soul”, un rótulo que podría funcionar como la continuación no oficial del siempre polémico “Fusión”. Dos cucharadas de jazz, una pizca de lo-fi, un poquito de psicodelia, una capa de rock y pop, y así se va construyendo un género que a todos les gusta escuchar de fondo pero a nadie le interesa prestarle demasiada atención. El emparentamiento con el soul está, sin dudas, asentado en la columna vertebral de Hiatus: la batería de acentos corridos de Perrin Moss, el bajo de 5 cuerdas de Paul Blender, y los melismas jazzeros de la ya mencionada Nai Palm. Ninguno de les tres opta por una ejecución ortodoxa de su instrumento y agrega dificultad al intento de categorización musical. No obstante, son los sintetizadores de Simon Marvin, omnipresentes en una textura ya de por sí compleja, los que inspiran a una buena parte de la crítica a agregar el prefijo “neo” a algunas expresiones abrumadoras. Cierto es, también, que por momentos el desafío cognitivo no pasó solo por la variedad estilística, sino por varios problemas técnicos de ecualización. El recital, originalmente planificado para el patio del Konex, por riesgo de lluvia debió ser mudado al escenario techado de Futurock; un recinto plagado de columnas y sin curación acústica que se aprecie. Un espacio que atentó contra ciertos detalles tímbricos y sobre todo, contra la precisión sonora de la voz y el bajo. Estos últimos, ejecutados por dos músicos excepcionales, pero que se vieron perjudicados por la “bola” que parecía homogeneizar toda nota en una gran masa de graves. Problema que no pareció perturbar al público el cual disfrutaba, arengaba y bailaba buena parte de los pasajes de la banda. Quizás, ese sea el problema, tratar de dar una perspectiva racional a una transmisión sensorial. Hiatus Kaiyote es el nombre de un animal inventado, un animal que se mueve sutilmente en un trance y que explota en el momento menos esperado. Ya al final del recital, y con un pañuelo verde en su cuello, Nai destaca: “Los sacaron del gobierno, ¡buen trabajo!”. Y sí, el pueblo nunca se equivoca, y menos en un concierto. <div> </div> 
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 titleObelisco de Cemento y Marabú
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 short_descHernán “Cucuza” Castiello presenta su disco “Tangolencia Rockera”. La cita es este viernes 13 de diciembre en La Trastienda; lugar de Tango y Rock, tal cual la esencia de este álbum mezcla perfecta de tachas y arrabal.
 description<img alt="" src="/src/media/images/blog%204/cucuza-menesunda-tangolencia-rockera-D_NQ_NP_902299-MLA32230903645_092019-F.jpg" style="height:700px; width:700px" /> <blockquote> Hernán “Cucuza” Castiello presenta su disco “Tangolencia Rockera”. La cita es este viernes 13 de diciembre en La Trastienda; lugar de Tango y Rock, tal cual la esencia de este álbum mezcla perfecta de tachas y arrabal. </blockquote> Por Natalia Cardillo. “Las tardecitas de Buenos Aires tienen ese… qué sé yo, ¿viste?”. Salís caminando por Corrientes. Lo de siempre, en la calle y en vos; cuando de repente, bordeando una salida del subte B te cruzás con Cucuza; “Cucuzita”, como le decían en sus primeros años de vida, aquellos en los que ya cantaba canciones en dos por cuatro. “Cucu, ¿cómo va? No me digas que ya andás por acá y todavía tengo esa reunión que te comenté, antes de que hagamos la nota…”. “Sí, se me hizo temprano; pero tranquila, que ahora aprovecho a caminar un poco por acá. Te digo algo: a mí me encanta andar como turista por el centro. No te hagas problema que yo voy a la hora que quedamos”. Y al rato, puntual, impregnado en humildad y lunfardo, siete y cuarto de la tarde entra al bar donde lo estábamos esperando. “Primero lo primero”, dice. Sencillo y cordial, como siempre, mete la mano en su bolso y me da el disco que, de sólo verlo, uno ya advierte que es mucho más que canciones. Tremenda foto de tapa. ¿De quién es? La foto es de Nicolás Foong y Gabriela Manzo, “Manzo Foong”. El diseño del disco es de Romina Mazzone, mi mujer, y el fileteado porteño en mi cabeza y rostro también. Romina tiene esta cosa artística ya de familia. El abuelo de ella era un dibujante e historietista muy famoso, Adolfo Mazzone. Es de estas personas que se sientan en un piano y salen tocando. Hizo un curso de filete porteño un mes y le pintó a mi hijo Mateo una guitarra que terminó en una exposición de fileteadores. El fileteado tiene esa belleza tan particular, tan de Buenos Aires… Me pareció justamente muy oportuno en este trabajo, que… Bueno, yo no llamo a lo que hago fusión, me parece que es muy ambicioso eso. Es más algo interno, de haber crecido con el Tango y el haberle encontrado este costado al Rock, más tanguero. Soy muy fanático del Rock. El desafío fue cantarlo como un cantor de Tango; que alguien que canta Tango haga, por ejemplo, un tema de Babasónicos o del Indio Solari. Se nota ese trabajo y se nota también que no es forzado. Esa – como a vos no te gusta llamarla – fusión está muy bien lograda. Pasa que fusión para mí es algo de quien se sienta a elaborar mucho, y no es que esto no lo esté, pero lo siento algo más intuitivo. La letra para mí es importante. Para llevar letras del Rock al Tango, las letras no deben hacerme ruido. Que la poesía, la lírica, puedan tener que ver con un tango. Por lo menos para lo que yo entiendo por Tango. Y después ya se me hizo un ejercicio natural. Como me gusta mucho el Rock, a partir de La Menesunda, todo empezó en forma inconsciente y ahora tengo el oído entrenado en “modo Menesunda” (risas). Cada vez que escucho un tema de Rock, veo si le puedo encontrar el Tango. Es un vicio. ¿El criterio entonces básicamente es ese? ¿En lo primero que pensás es en las letras? Sí. Porque si veo que lo puedo llevar melódicamente al Tango pero la letra no me cierra, no puedo. ¿Hay algún artista en particular que te lleve naturalmente a estas cosas? García (Charly) no está muy lejos, Fito (Páez) no está lejos. Ellos son Tango. En el disco hacemos “Irresponsables” de Babasónicos que es un re hit y la verdad que lo escuché ochenta mil veces y, antes de tener la oreja en “modo Menesunda”, nunca me di cuenta que es un tangazo. Me pasó con un tema de Peligrosos Gorriones también: “Por tres monedas”. Si bien hay cosas que están en la superficie, te metés un poquito y encontrás. El 13 de diciembre, al concierto en La Trastienda, viene Mateo Sujatovich, el hijo de Leo. Yo conozco “Conociendo Rusia” su banda. La conozco por mi hijo, y hace poco escuché un temazo que se mandó que se llama “Cabildo y Juramento”, tremendo. Y lo vamos a hacer ahí. Me dijiste en la calle hace un rato que te gusta ser turista en Buenos Aires. ¿Qué te gusta buscar y encontrar? Me pasa que me siento muy arraigado no sólo a Buenos Aires, si no a mi barrio. Me invitan a cantar a Rosario y para mí es irme de gira al exterior (risas). Es muy fuerte la pertenencia que tengo con mi barrio. Nací en Villa Ortúzar, y toda mi vida me moví en veinte cuadras a la redonda. Me mudé a Villa Urquiza, ahora a Villa Pueyrredón, y así; pero nunca a más de veinte cuadras de donde nací. Y la verdad que cada vez que me muevo se me hace hasta problemático, ¿viste? Entonces vengo al centro y como tengo la suerte de no venir seguido, cada vez que vengo lo veo como un turista, lo disfruto. Es como otro lugar. Los diferentes barrios aledaños al centro, como San Telmo por ejemplo, son dignos de mirar con ojos de turista. A mí más de una vez me ha pasado el proponerme mirar con esos ojos. Totalmente. A mí me pasa algo quizá de veterano o tanguero estereotipado, pero yo veo el Obelisco y me conmuevo. Y pienso realmente en las épocas doradas del Tango, y que en estas mismas calles por ejemplo pasaba todo el nervio tanguero de esos tiempos; Troilo, Manzi, Cadícamo, toda esa gente que vivió ese momento. Y hay una melancolía, como dijo una vez Charly García: “la melancolía de lo no vivido”. Me pasa eso yendo por avenida Corrientes. Y miro como alguien que vive en Villa Pueyrredón, que es un barrio donde casi no hay edificios y te encontrás con todo esto; y me vuelvo a emocionar, conmover, siempre. Y eso, ¿te inspira al momento de cantar? ¿A qué recurrís en ese instante? No particularmente. Yo tengo un problema que a la vez es una suerte; todo lo relacionado entre el Tango y yo, lo asocio mucho a mi crianza. Yo era un pichón que a los cinco años ya cantaba Tango. Tengo cincuenta. Toda mi vida fue cantar Tango. Entonces no lo llevo como algo separado de mí. No lo racionalizo. Está naturalizado. Al momento de interpretar uno se pone en función de eso; pero siempre tiene que ver con algo más visceral, y como te decía, con la crianza. De chico cantaba letras que tal vez no entendía, pero a los ocho años… Mi viejo me llevaba a lugares “dudosos” a cantar (risas). ¿Cómo cuáles? Algunos cabarets, por ejemplo. Yo cantaba en clubes, pero algunas veces aparecía en algún lugar medio turbio. Me acuerdo que a los ocho años confirmé que me gustaba el Tango. Tengo viva la sensación; recuerdo que estaba en un lugar con mucho humo, mucha luz roja, estaba escuchando el tango “Silbando”, en una versión instrumental; lo tocaba la gente que me acompañaba a mí, y se me puso al piel de gallina. Ese día me di cuenta de que el Tango me gustaba de verdad. Y lo canté toda la vida. Recuerdo ese momento muy especialmente. En algún momento apareció el fútbol. ¿Alguna vez pensaste en no cantar? Sí. Siempre fueron de la mano el fútbol y el tango. A los seis años comencé a cantar y casi a la misma edad comencé con el fútbol. En un momento me corrí del Tango y el fútbol me empezó a tomar. Ya jugaba en reserva. Hubo un contrato en Argentino Jrs. Y ahí saltó lo incompatible de la noche y la música con el deporte de día. Entre los dieciocho y los veinticinco años que jugué, no canté profesionalmente. Luego, al tiempo de eso, no inmediatamente, volví a la música. Fue una decisión. Nunca dejé de cantar socialmente. En algún momento me iba a pasar igualmente, porque la vida del deporte es mucho más corta que la de la música. El Tango está más instalado en vos desde siempre, pareciera. Pesó más. Esta mezcla adentro tuyo es justamente muy argentina. Todos acá somos un poco fútbol y un poco tango. Sí. Tuve la suerte de siempre saber lo que iba a hacer. Desde que nací fui cantor. Y futbolista. Estoy recontra hecho. De chico ganaste un concurso. Sí, por interesado (risas). Fue en un programa de televisión. Un programa ómnibus, largo. Se llamaba “El Tango del millón” y lo conducía Juan Carlos Mareco. Lo veíamos siempre. Y un día escucho que hacían este concurso y que el que lo ganaba se llevaba una pileta “Pelopincho”. Le pedí a mi vieja que me llevara. Y fui. Una vez no gané. Fui una segunda vez y me llevé la pileta. Después seguí cantando en lugares de Tango – con la Pelopincho (risas) - . Estaba buenísimo, venían todos los pibes de la cuadra… Y el piso, la terraza, no sabés lo que era... Un desastre. Y ahí tu vieja dijo “¿para qué le habré dicho que sí?”. Sí. Duró poco la pileta. Mi viejo harto de pasar brea por las filtraciones (risas). Has compuesto canciones también. A los dieciocho años tuve una banda de Rock y ahí componía. Tangos no. Un día apareció uno, sin ambición de mostrarlo siquiera. Salió. Un día me presenté a un certamen de cantores, el “Hugo del Carril”, con este tema que se llama “Tibieza”. Intenté anotarme como cantor, no había más cupo. Entonces busco el tema para que participe aunque sea la canción. Busco la letra de este tango, hice el demo. Lo presenté y ganó. No fui a buscar el premio porque ni me enteré. Fue fenómeno eso. La orquesta de la Ciudad la interpretó. Después escribí cuatro o cinco canciones más. Pero no las muestro mucho. ¿Nació naturalmente esto? Hay gente que no se le anima al Tango. Hay mucho prejuicio con respecto a una composición actual del Tango. Tibieza salió. Así, de una. No lo pensé. ¿Tenés referentes de composición? Me gusta mucho Acho Estol, el Tape Rubín. Y de antes, me gusta mucho Cadícamo, Discépolo. Espero no parecer pedante, pero si Tibieza tiene algo de alguien, es más discepoleano. Es un tango duro. Habla de la mediocridad de uno mismo. Es más tortuoso, de preguntas más que de respuestas. Más oscuro. Claro. No es un tango que termina bien. El tipo todo el tiempo se está preguntando cómo hacer para salir de ese lugar de la vida en donde está; salir de la “mitad”. Y hablando de aquellos monstruos, de aquella época, vos te codeaste con algunos… Goyeneche por ejemplo. Con el Polaco, que es mi referente más querido. Él, también con Rubén Juárez. Tuve esa suerte, en las épocas de peñas de Tango, yo era el pibito raro que cantaba tangos. Todas las noches las cerraba Goyeneche… o Floreal Ruíz. Más de una vez pude compartir esos escenarios. Un lujo, tan chiquito además. Del que sí tengo un recuerdo más firme es del tano Marino (Alberto), que había hecho amistad con mi viejo y si sabía que yo cantaba y podía, venía a escucharme. De grande conocí más a Juárez, otro gran ídolo y con él pude compartir música, charlas. Pero cuando era chico, los tipos que yo conocía de los discos estaban ahí y eso era increíble. Y ellos te hablaban, te daban cabida. Mirá, a través de las fotos que tengo advierto algunas cosas. Tengo una con Floreal que me está mirando así como con una especie de mirada de abuelo. Creo que les inspiraba cierta ternura, ¿sabés? Me pasa hoy a mí con chicos que hacen Tango. Recuerdo a Héctor Varela. Me escuchó cantar luego de él y su “grupete”. Ahí nomás felicita a mis padres y les dice que cuando yo cumpla quince años me lleven para que él me escuche de nuevo. Pero al final esa misma noche termino cantando con Varela. Porque viene en un momento bromeando y me dice “Che, ¿te animás a cantar conmigo?”. En esa época estaban de moda “Azúcar, pimienta y sal”, el dúo Falcón y Soler. Y yo que “no me comía ninguna”, que miraba “Grandes valores del Tango” y conocía muchos tangos, le dije que sí, y terminé cantando con la orquesta de Varela con menos de diez años de edad. Evidentemente estabas signado por este recorrido. Sí, pero por suerte en forma algo inconsciente. Porque si hoy me pasa algo así, estoy una semana sin dormir (risas). En ese momento se dio de esa manera. Nombraste a tu papá un par de veces. Él tuvo mucho que ver en todo esto de Buenos Aires, el Tango… Sí, totalmente. Mi papá era un tanguero con todas las letras. Escuchar, bailar Tango, todo eso venía de él. ¿Qué escuchaban? Ricardo Tanturi con Enrique Campos. Roberto Goyeneche. Gardel, por supuesto. Julio Sosa. Un abanico muy grande. De doscientos tangos que sé, cien son de cuando los escuchaba con mi viejo. Gran parte de mi repertorio hoy salió del que escuchaba cuando era pibe. Mirá, con el tiempo me enteré que mi mamá era profesora de piano. Yo no tenía ese conocimiento de chico. Había ya algo musical en mí. Al tiempo me enteré que mi abuelo cantaba muy bien. Es más, me llega luego una grabación de mi abuelo, cantando con guitarras que me dejó mudo. Hasta todo esto, nada de eso era consciente en mí. Me había llegado el comentario que mi abuelo cantaba, pero no lo había escuchado. Me llega esta grabación, que la consiguió mi tío. Fue muy fuerte para mí. Cantaba muy bien, era muy gardeleano. Yo decía siempre que no tenía antecedentes musicales en mi familia hasta que escuché esta grabación. ¿Y eso cuándo fue? Hace tres años. Toda una revelación. Le encontraste más el sentido a todo lo que venía sucediendo desde hace décadas. Total. Muy fuerte. Lo de mi mamá, sí, lo supe tiempito antes. Pero no mucho antes tampoco. Ahora, no creo que ella lo haya negado, pero ¿qué sucedió para que no te enteraras de eso hasta ahora? Nosotros éramos una familia clase media de antes, venida a menos, de laburantes. Entonces de inmediato no había un piano en casa. En algún momento mi vieja vendió el piano para comprar, no sé, un mueble. Todo eso hizo que de chico no me llegara esa información. Mi vieja hoy tiene ochenta años; en su época era estudiar corte y confección o maestra de piano, y se recibió, aunque no ejerció. Pero bueno, nunca dio clase y eso quedó ahí. Hubo otras prioridades. La vida. ¿Ustedes son varios? Tengo un hermano. La familia de mi viejo sí, es muy numerosa. Mi hermano mayor tuvo mucho que ver en esto de La Menesunda, con el Rock. Yo con cinco años escuchaba Tango, y mi hermano, que tiene siete años más que yo, mientras yo escuchaba Floreal Ruiz o Goyeneche, mi hermano venía con Deep Purple, Almendra. Y yo digo que ahí me salvó un poco la oreja, la cabeza, porque jamás fue para mí problemático escuchar Tango y Rock. Otra cosa que se dio naturalmente. Es lo que te iba a decir, nada forzado. Se escuchaba todo. ¿Hoy qué escuchás? Tango, siempre. Clásicos y nuevos. Gracias a Mateo, mi hijo, que es músico, escucho también bandas nuevas. Estoy bastante aggiornado a la música actual. Escucho lo que él escucha, como por ejemplo “Conociendo Rusia” que hablábamos recién. Escucho “El Kuelgue”. De todo un poco. En estas generaciones nuevas, ¿encontrás también temas o letras que se puedan llevar al Tango? Sí. Me está pasando. Justamente con “Conociendo Rusia” surgió esto de tocar en vivo este tema “Cabildo y Juramento”. Seguramente hay. Hay un regreso a las canciones más Pop, al Indie… a la balada… más allá del Trap que es lo que escuchan ahora los pibes. ¿Y cómo ves el Tango, hoy? Al Tango lo veo bien. Personalmente, en un momento tuve miedo que ese renacer del género fuera una moda. Ahí por el año 2000. Tanguero de toda la vida, temí eso. Pero lo veo instalado. Mucha gente joven que lo está continuando. Y figuras que lo están defendiendo, como vos, como Ariel Ardit. Sí, totalmente. Viste que antes había mucho prejuicio cruzado, del tanguero al rockero y al revés. Hoy por hoy veo saneado eso. Cuando yo le propongo a un rockero hacer algo con La Menesunda me responden “Pará QQ, hay que tocar Tango…”; dicho desde un lugar muy respetuoso. También debe tener que ver que los rockeros llegaron a la edad en que el Tango llega. Sí, también. Me parece a mí, que la crianza es muy fuerte. Te marca. No descubro nada diciendo esto, pero en mi caso fue muy así. Con el Rock pasa también lo que en un momento pasó con el Tango; hay lugares, como el Marabú, que ya no existen más. Hoy ya no existen Cemento, o el Parakultural. Ambos géneros viven hoy ese anhelo de lo que ya no está; lugares que no están, artistas que no están. Se había ido Pugliese. Ahora lamentablemente no está más Spinetta. No está más Cerati. El Rock está haciendo ese recorrido del mismo modo. Sí, en ese punto también se encuentran. Las historias se repiten. Aparecen subgéneros. QQ, hablanos de los arreglos de este disco hermoso. ¿Cómo los trabajaste? Mirá. El disco básicamente está grabado en trío. A veces se suman contrabajo y violín. Y hay temas en formato banda de Rock. Los arreglos tangueros salieron bastante de tanto tocar. Luego se fueron escribiendo, pero también fue algo orgánico primero. Siempre dejo lugar a la improvisación durante las grabaciones, igualmente. Es un caos guionado (risas). Yo soy insoportable igual. Soy el tipo que no sabe música y pretende explicarle al músico lo que quiere. Así que mucho se debe a la intuición. Y luego encuentro en Noelia Sinkunas, la pianista y en mi hijo Mateo, una base de mejoramiento de ideas, u otras nuevas que ellos traen. Es una creación en conjunto. ¿Adónde te gustaría llegar con todo esto? Con La Menesunda me gustaría llegar a un lugar muy referente para mí, como un Obras Sanitarias, por ejemplo, que tiene mucho que ver con mis épocas de ir a escuchar Rock. Para mí, haber llegado a La Trastienda, que ya sucedió una vez… Lo hice también en Niceto… Eso me encantó. No necesito mucho más. Lo hice además en lugares típicamente tangueros, como El Faro. Siempre jugando al Tango y al Rock. Que La Menesunda se banque ambos públicos. Ya haber llegado a La Trastienda para mí es re grosso. Siempre iba a escuchar músicos allí y ahora ese escenario lo piso. No quiero mucho más. Un Obras o un Luna Park, que sería… lujo. Y más allá del lugar físico al cual llegar, la verdadera ambición, mi misión es que sea un puente, ¿viste? Un puente entre ambos géneros. Por ejemplo, poder contar con Palo Pandolfo, que para mí fue una inspiración o con Acho Estol. Cada uno en lo suyo fueron para mí “musos” en todo esto. El segundo disco de Los Visitantes, “Espiritango” tiene tres o cuatro temas que la rompen; en un momento donde no estaba bien visto hacer Tango por rockeros. Ambos tienen mucho barrio, mucho barro. Sí, tanto Palo como Acho. Muy viscerales. Mucha personalidad. Hablando de Acho Estol, La Chicana tuvo muchísimo que ver con esta especie de fusión, vuelvo a esta palabra ambiciosa pero honesta. Sí. Hay algo. Babasónicos suena en este disco a Tango. El Ciruja, un tema que cantó Edmundo Rivero suena a Ska. Acquaforte acá es un Funk. También está el gusto, obvio. A mí me cierra, por eso lo hago (risas). Con el Chino Laborde hacemos “La abandoné y no sabía”. Es lúdico también, ¿viste? Creo que es un puente y un disfrute. ¿Qué hay dando vueltas en tu cabeza a futuro? Mirá, yo no soy muy afecto a grabar discos, lo sufro bastante. Me gusta más el vivo. Disfruto eso. Pero bueno, para el año próximo tengo la idea de grabar un disco con guitarras. La idea es grabar con diferentes formaciones de guitarra. Un disco con distintos grupos o exponentes. El repertorio elegido me representa mucho cantando con ese instrumento. Temas contemporáneos más bien. ¿Y con el Folklore qué te sucede? ¿No te atrae como área de investigación dentro de nuestra música popular? No tanto. Me falta conocer mucho. Hay un puñado de canciones folklóricas que me encanta pero creo que esto tiene que ver una vez más con mi formación. Mucho Buenos Aires. Siento que para hacer eso tengo que ser de ahí, de esos lugares donde se gestó. Claro, pasa por ese sentido de pertenencia del que hemos hablado durante toda la charla. Claro, no me lo creo yo, si no. Me pasa eso. Escucho eso y me encanta, pero no me veo. He tenido la fortuna de cantar junto a Vitillo Ávalos, por ejemplo, pero…no. ¿Con quién más compartiste música, escenarios? Vitillo es un gran recuerdo. Franco Luciani, increíble músico y amigo. Y después, me he dado muchos gustos: Estelares me invito a cantar con ellos… ¡Qué lindo el tema Autobuses en versión Vals! Sí, sólo guitarras. Después hubo algo que mis amigos me preguntan si lo puedo creer y yo digo que ni en sueños: canté con Charly García “Confesiones de invierno”. Yo estaba en una reunión y diez minutos después estaba cantando con Charly (risas). No se te puede acomodar la cabeza rápidamente. Luego de eso canté un par de veces más con él, gracias al Zorrito Von Quintiero, un amigo. Esas cosas que suceden… ¿Y quién te quedó pendiente? Tu vecino y admirado, Gustavo Cerati. ¡Sí!… Por suerte lo conocí. Yo tenía una amiga que terminó siendo asistente de él. Ella me avisaba de “data” que no tenía nadie y donde estaba Cerati yo me aparecía (risas). En una de esas apariciones fui a hablar con él, tranquilos, normal… para él… Yo estaba conteniéndome, diciéndome a mí mismo “tranquilo, esto te pasa todos los días”. Si Gustavo hubiese estado vivo, el anhelo me dice que quizá hubiese podido llevarlo conmigo a una Menesunda. En alguna grabación futura, quien te dice… Hoy la tecnología permite ciertas cosas… Ay… Como si yo no fuera inquieto, ¿vos me ponés más ideas en la cabeza? Y una vez más, entre risas, con el cantor de Villa Ortúzar fuimos cerrando el día, que ya había caído, entre las mesas marrones del bar La Academia. <blockquote> CUCUZA MENESUNDA TANGOLENCIA ROCKERA Viernes 13 de Diciembre – 23.30 hrs. La Trastienda. Balcarce 460 – San Telmo – Buenos AiresVITADOS DEL TANGO Y DEL ROCKBRE </blockquote> <div> </div>
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 short_descEl príncipe y el sapo. Alejandro Casavalle nos propone, desde el Tango contemporáneo de Ástor Piazzolla y Horacio Ferrer, una visión retrospectiva sobre el amor y el género.
 description<blockquote> Dramaturgo. Director teatral. Docente de la Universidad Argentina de la Empresa, Universidad de Belgrano y en el Centro Cultural Rojas. Fue director del Adán Buenos Ayres y el teatro 25 de Mayo. Desde la función pública trabaja como Director de Enseñanza Artística en la Ciudad de Buenos Aires. Alejandro Casavalle nos propone, desde el Tango contemporáneo de Ástor Piazzolla y Horacio Ferrer, una visión retrospectiva sobre el amor y el género. </blockquote> <img alt="" src="/src/media/images/blog%204/2676211.jpg" style="height:599px; opacity:0.9; width:900px" /> Por Natalia Cardillo. PH: Gentileza: Casavalle ¿Cómo fueron tus comienzos con el Arte? Mis comienzos empiezan en la panza de mi madre. Mi madre era profesora de baile y bailarina, así que desde que fui gestado ella daba clases de danza y eso es algo que empiezo a reconocer ahora. Gracias al proceso del teatro, realicé otros aprendizajes, que cuando uno es más grande dice “por qué esto o aquello”. Y esto lo digo porque mi relación con la música por ejemplo fue nata en mí; la tengo incorporada desde mi nacimiento. Sobre todo el ritmo. Comencé a dirigir desde muy chico y siempre me decían que tenía ritmo en lo que hacía; que la obra no se caía. Mi mamá tenía el estudio de danza en casa, entonces estando yo en la cuna escuchaba música. Miraba todo desde un lugar muy amoroso. Luego toqué la guitarra, el bombo, me compré un bajo. Escuchaba mucho Queen. Siempre me relacioné con la música en todos los sentidos. Pero me impactaba la imagen y la actuación. Entonces desde muy chico comencé a estudiar con Agustín Alezzo, Julio Chávez, Augusto Fernandez. Ellos son mis maestros. Me relacioné mucho con todo ese núcleo. Luego volvió el tema del ritmo y la sonoridad. Empecé a buscar por otros lados. Daniel Veronese también tuvo mucho que ver en eso. Comencé a indagar en múltiples lenguajes. ¿Cómo cuáles? Estudié en la facultad de Comunicación Social. Hice audiovisuales desde chico. Filmaba cine. Grababa cassettes. Trabajé como productor en radio. Siempre vinculado a lo sonoro. Usaba música en los espectáculos, me lo cuestionaron en un momento y dejé de poner música. Me volqué más a la palabra. Pero aparecieron películas que me marcaron como “All that jazz”, “The wall”. Esa película de Pink Floyd creo que la vi unas ciento cincuenta veces. Fui víctima de bullying por eso; pensaban que era un drogadicto por ver eso tantas veces (risas). En esa época fue fuerte. Estudié mucho el sonido y la musicalidad de la palabra. Me gustaba escuchar y estudiar diferentes españoles. Y así vinculaba el ritmo con la afectividad. Me conectaba mucho con lo emocional. Al contrario de lo matemático que tiene la música. Es difícil a veces despegar la matemática de la música. Yo una vez escuché a un chico de dieciséis años que tocaba el piano, empezó a tocarlo a los tres, y decía que él buscaba imágenes al buscar las notas. Algo muy peculiar. Ese muchacho es hoy Horacio Lavandera. Un genio. Y me pasa eso de, desde las imágenes, encontrar los sonidos. Me aparece más lo sonoro perceptivamente que lo visual. No puedo imaginar imágenes. Sí los sonidos. Veo también lo que me pasa con el sentido de verdad. Depende de cómo algo suena, veo si hay algo falso o no en eso. Las vocales expresan emoción, las consonantes estructuran. Y la música es tan poderosa, que te puede llevar de la nariz. Cuando vos estás contando algo la música condiciona. Ahí está el desafío con la palabra. Cuando la sonoridad comienza a relacionarse con el texto empieza el juego. Yo elijo tomar la música, noble, que te permite un viaje reflexivo, y te lleva al umbral; que no te pierda tampoco. De todas formas, seguramente, ahí comienza tu trabajo de director haciendo volver al que se pudo haber perdido. Uno puede dirigir, pero no dictarle a la gente que hacer. Pero ahí hay algo que tiene que ver con la constelación que se arma entre la obra y el público en cada función. Esto lo tomé del libro Free Play. Uno puede armar una estructura. Luego sobre esa estructura uno puede viajar y dejarse llevar a diferentes lugares. El teatro es el arte de repetir, pero es también el arte de representar. Cada vez, se vuelve a hacer presente. Por eso presenciar un concierto es muy diferente a tenerlo grabado en un disco. La situación del “vivo” es única. Claro, y en el teatro tenemos esa posibilidad cada vez. Y ahí está el arte, de los actores, los cantantes, los músicos, de traer a la gente de nuevo. Si el conjunto no funciona, no hay posibilidad de obra. Y la música es muy facilitadora de eso. En la obra que arrancamos a ensayar este año y ya se viene que es “Pospríncipe blue”, hay algo en los textos de Horacio Ferrer y la música de Ástor Piazzolla que hace terminar de entender lo que estamos diciendo con el texto. El texto quizá es más barroco y la música es la que termina de aclarar, de iluminar. La música tiene una narrativa también. Ferrer era un poeta. El Tango tiene una literatura. Hay palabras que uno a veces desconoce y el Tango las tiene incorporadas. En este trabajo que habla en este momento de construcción del “macho”, que entra en un umbral en el que este príncipe de alguna manera trata de abdicar de sus colonias lo hace a través de la filosofía del Tango. ¿Por qué el Tango para esto y no otro género? No es sólo Tango. Hay algo de bossa nova y una zamba de Spinetta. “Barro tal vez”. Sí. Que la escribió a sus dieciséis años. Su papá era cantante de Tango. Todo va cerrando siempre. Spinetta toca eso, mamándolo. Luego se aleja en cierta forma del folklore y sin embargo esa es una de sus canciones más escuchadas. En la obra aparece Piazzolla primero y luego nos vamos más a los años cuarenta, treinta. Va como yendo hacia atrás en un sentido. Necesitamos eso para deconstruir el mensaje. Ir a eso del Tango “machista”. Pero indagando en qué le sucede a ese hombre que cuenta lo que cuenta. Para nosotros fue un pretexto. No se trataba de parodiar. Una vez un hombre me dijo “Piazzolla no es Tango, es demasiado bueno” – en el sentido amoroso de la palabra - , y ahí me encantó porque yo me crié con Piazzolla, como con Luis Alberto Spinetta. Son artistas que si uno se detiene a escuchar realmente, provocan vuelos. Te puede gustar o no lo que hacen, pero indiferentes no son. Impresionante. Ambos. Piazzolla rompe, es Tango y también Jazz. De ahí fuimos a Goyeneche y al espíritu de la bossa nova, el saudade, el esplín. Y de ahí al percal y al barro. Con esos elementos supimos que teníamos el viaje de la justicia poética de este príncipe que abdica del lugar que tiene, plagado de territorios de conquistas, para entrar en otro. Este otro tiene otra comprensión amorosa y afectiva. Es otra manera de hacer visible el cambio de paradigma que estamos viviendo. A mí lo que me pasa desde lo artístico es que es mi tema. Desde “Pasiones olvidadas” que fue la primera obra que hice, con un Pierrot andrógino. Después pasé por “Pornodramas”, en el año 2003 y lo veían como algo provocador cuando lo mío buscaba llevar a la reflexión, al reconocimiento del falocentrismo; y así ciertas cosas que ya las iba poniendo en el tapete. Así que “Pospríncipe Blue” es una decantación natural. Es fuerte. Hay, como digo siempre, como capas geológicas que superar aún con estos temas. Hay gente que aún vive en el Medioevo. Y el avance de esta era tecnológica conecta a la vez con esta globalización del no género. Hablamos mucho de los signos también en la obra, hablamos del Tarot. Incluyo de manera no explícita ciertos mensajes. La música es llevada adelante por “Yasmina Raies Trío”. Tres exquisitas músicas. Yasmina en piano y arreglos, Mariana Borghi en contrabajo y Natzuki Nishikara en bandoneón. Ellas están en escena junto a los cuatro actores. Una de ellos bailarina, contorsionista, Luana Casavalle. Una es actriz, Camila Canziani. Y los actores Facundo Ponce y Germán Moldován, que venían de un trabajo muy espiritual. Esto liberó y fue abriéndose. Ellos tienen una sensibilidad muy especial. En esta obra, se muestra la abyección del deseo macho y comienza a comprenderse su estado de renacuajo; este príncipe sapo va hacia atrás. Y comienza su verdadera metamorfosis. Hay una cuestión cultural está ya implícita, y aparecen temas como la madre. Y la madre está en el Tango. Pero ¿qué pasa con ese dolor, con esa nostalgia, y el niño, el adolescente y el macho? Antes no se planteaban abiertamente estas cosas. Pero en el Tango aparecen. La mirada del varón que mira a otro varón. Esa mirada del juicio que nos interpela. El miedo a no pertenecer. Claro, a dejar de ser de la manada; ese miedo. En la adolescencia se pierde el tema del espejo y comienzan las crisis. Ya Lorca hablaba de eso durante el franquismo. Es un momento interesante del camino. Este trabajo es una especie de cierre de proceso de varios temas, que decís te han signado. ¿Qué asociaciones hacés? Por ejemplo entender que el musical no es un género menor. Lo importante que es la Ópera. La importancia del sonido. Las cuestiones de género. En el baño del MALBA enfrente al público en los “Pornodramas”. “Pasiones olvidadas” es un gran nexo; Migré estaba en el jurado cuando ganó la obra y le encantó. Alberto Migré, genio del Melodrama me marcó también. Hoy esa música es “Pospríncipe blue” y “Volver”, la obra musical que también protagonizan Facundo y Germán. Y hoy estoy en un momento en que obedezco mi deseo. Me desplazo por lo que me moviliza. Desde la función pública trabajar en la igualdad de posibilidades. Me regocijo en que jóvenes descubran el Tango. Nuestro Tango contemporáneo. Piazzolla, y volvemos al principio. Donde todas las piezas encajan. Donde todo conecta. <div> </div>
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 titleMancha Arena. El sonido de los durmientes
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 short_descEl Sonido de los Durmientes editó su tercer disco.
 description<blockquote> El Sonido de los Durmientes recientemente editó su tercer disco. Te dejamos un poco de la historia del ensamble y un video del nuevo trabajo discográfico. </blockquote> <img alt="" src="/src/media/images/Shop/El%20Sonido%20de%20los%20Durmientes%20-%20Mancha%20Arena.jpg" style="font-family:verdana,geneva,sans-serif; font-size:14px; height:539px; line-height:1.6em; width:600px" /> <hr /> Si pensamos en definir como sería una Música Urbana Actual (MUA), debemos escuchar como resuena en esta gran olla con olor a Tango, el sabor del folklore local, junto a las músicas clásicas del viejo continente, la presencia invisible pero evidente de lo Afro y todo esto mezclado o tapado por el tuco de una gran confusión: la globalización cultural. Mancha Arena es todo esto y seguramente algo que aún desconocemos, pero que se oye… SOBRE LA ORQUESTA: El Sonido de los Durmientes está conformada por 10 músicos. Cuenta con dos discos publicados, El Sonido de los Durmientes (2009) y Danza entre Todos (2014). Durante la segunda parte de este año estará presentando su 3er. trabajo discográfico, Mancha Arena en distintos espacios de la Ciudad de Buenos Aires. Nace en el año 2008 como un proyecto estético que se materializa en la creación de composiciones originales y recorrió las salas más prestigiosas de la Argentina con su repertorio. La propuesta está centrada en profundizar un lenguaje local y contemporáneo. Sus decisiones estéticas obedecen a la necesidad de desarrollar un lenguaje musical que exprese la transformación del paisaje de la ciudad de Buenos Aires, donde las huellas cosmopolitas y la globalización cultural signaron ya las características fundamentales de la época. Integrantes: Guadalupe Planes | Flauta María Eugenia Marsili | Oboe Gonzalo Braz | Clarinete Mercedes Morello | Fagot Claudia Spalletta | Violín Leo Pérez | Violín Olga Kneeteman | Viola Laura Basombrío | Cello Martín Pantuso | Contrabajo Gabriel Lombardo | Guitarra Gabriel Lombardo | Dirección y Composición <hr /> <iframe frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/_u3_lRFLWLo" width="560"></iframe>
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  4DebugKit/Lib/Panel/RequestPanel.php
  5DebugKit/Lib/Panel/SqlLogPanel.php
  6DebugKit/Lib/Panel/TimerPanel.php
  7DebugKit/Lib/Panel/LogPanel.php
  8DebugKit/Lib/Log/Engine/DebugKitLog.php
  9DebugKit/Lib/Panel/VariablesPanel.php
  10DebugKit/Lib/Panel/EnvironmentPanel.php
  11DebugKit/Lib/Panel/IncludePanel.php
  12DebugKit/Lib/DebugTimer.php
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