“La técnica debe servir a la expresividad de la música” Entrevista a Avi Avital
El jueves 22 se presenta en el Teatro Coliseo el virtuoso mandolinista Avi Avital junto a la Orquesta De Cámara L´arte Del Mondo con Werner Ehrhardt como Director. Desde MCBA conversamos con el talentoso músico israelí para conocer más sobre su vida, su música y su particular instrumento.
Por Maxi Luna.
¿Cuáles son tus primeros recuerdos con la música?
Hay dos recuerdos distintos que tengo con la música, uno es a muy temprana edad y además es la anécdota favorita de mi madre en las reuniones familiares como un mito, pero que también tiene algo de verdad, y es que ya desde que era un bebé mis juguetes favoritos eran instrumentos musicales, tambores de plástico, flautas y ese tipo de cosas que hacen ruidos y música.
En relación a la música clásica, recuerdo tener 4 o 5 años, en nuestra casa teníamos un reproductor de discos y había un vinilo que realmente me gustaba mucho escuchar: “Las 4 estaciones” de Vivaldi. Recuerdo que mi favorito absolutamente era “El invierno” y siempre pedía que lo pusieran. Más tarde cuando crecí escuché la obra en concierto y estaba bastante confundido porque lo que pensaba que era el Invierno descubrí que en realidad era el “Verano”. Si puedes recordar el “Verano” está lleno de tormentas, el tercer movimiento es todo acerca de una terrible tormenta, con truenos y viento. Es increible como Vivaldi puso esto en música de manera que uno realmente puede sentir la tormenta. Yo como un niño de 4 años, creciendo en Beerseba, en la parte sur de Israel, nunca vi una lluvia en verano, allí solo se produce en invierno y es por esto que, incluso sin saber que Vivaldi escribió intencionalmente sobre una tormenta, para mí era definitivamente el Invierno y lo seguí creyendo cada vez que la escuchaba, hasta que tuve 16 años por lo menos.
¿Cómo y cuándo empezaste a estudiar música? ¿Cómo llegaste a la mandolina?
Comencé a tocar la mandolina a los 8 años. Tenía un vecino que tocaba el instrumento y al que yo siempre escuchaba, y me enamoré de su dulce sonido. Por eso fue uno de los primeros instrumentos musicales que conocí y creo que fue algo que les pedí mis padres. Comenzó como una actividad después de la escuela en el conservatorio local. Dos años más tarde ingresé a la orquesta de mandolinas juvenil. Así fue como comenzó mi amor por la música y por la mandolina.
¿Qué aprendizajes te dieron tus profesores?
Siempre fui bendecido por maestros realmente asombrosos, esa es la clave en todo músico profesional. Estoy seguro de que todos recuerdan a un maestro o a varios maestros, que los hayan influenciado de manera crucial para convertirse en músicos. Hasta que cumplí los 23 años mis maestros ni siquiera eran intérpretes de mandolina, sabían un poco del instrumento, pero eran en realidad violinistas. No había profesores de mandolina en la institución en la que estudié en Jerusalem así que fue un profesor de violín el que me guió a través de la carrera. Tocaba repertorio de violín en la mandolina, así que lo más importante que aprendí no fueron para nada cuestiones técnicas sino los aspectos musicales, como el fraseo, los elementos poéticos, lo que representa el corazón de la música, lo que considero más importante que la técnica. Me enseñaron cómo expresar la música, como una poesía o una pintura y usar todas estas referencias de otras artes para comprender de manera realmente profunda el significado de la experiencia artística que le brindas al oyente.
Luego como tenía que expresar todas estas cosas tuve que desarrollar la técnica, como algo muy importante también, pero que para mí está en segundo lugar y que debe servir a la expresividad de la música.
¿Cómo describirías tu instrumento?
La Mandolina tiene una voz muy dulce. Si miramos a la familia de instrumentos de cuerda pulsada descubrimos que a cada lugar que vayamos, cada cultura, cada música, tan ancestral como pueda ser, tiene instrumentos de cuerda, parientes lejanos de la Mandolina, como el principal instrumento melódico, como el Citar en la música india, el Buzuki en la música griega, la Balalaika en rusia, el Pipa en china, el Tar en persia, en sudamérica ustedes tienen el Charango, el Tres. La razón de esto es que siempre en la evolución de los instrumentos musicales el concepto de los de cuerda pulsada es muy intuitivo, muy inmediato y para mí es muy encantador. Pulsas la cuerda y el sonido emerge, lo veo incluso con los niños como se maravillan con la posibilidad de hacer música de manera inmediata, a diferencia quizás de un instrumento de viento o de arco con los que realmente tenés que saber cómo producir un buen sonido.
La mandolina tiene también muchos secretos, por todas estas referencias ancestrales, que todavía están por ser descubiertos completamente. Disfruto el hecho de que no sea todavía un instrumento tan familiar en las salas de concierto como el piano o el violín, lo que me da la oportunidad de ofrecer a las audiencias un sonido realmente nuevo y fresco que quizás no escucharon anteriormente.
¿Qué nos podés decir sobre el tiempo que pasaste estudiando en Italia?
Fui a italia cuando tenía 23 años, luego de graduarme del conservatorio. Como comentaba antes mis maestros eran violinistas, así que decidí ir a italia a investigar el repertorio y las técnicas tradicionales. Encontré un maestro para adquirir esa pieza del rompecabezas que me faltaba para ser un profesional de la Mandolina.
Vivir en Italia fue una experiencia formativa en mi vida, es un lugar en el que la belleza y la estética tienen un alto valor y son algo natural en la vida de todos. Eso se ve en la arquitectura, los edificios, la naturaleza, todo es hermoso, la moda, la comida. En todo, la estética y la belleza aparecen muy presentes en la gente y en el día a día. Eso para un músico, para un artista en general, es muy importante, ya que uno de los aspectos de ser artista es la continua tarea de buscar la belleza y crearla. Así que este elemento fue muy importante en la formación. Todo en definitiva me sirvió para convertirme en un artista en esa época de mi vida.
¿Fue difícil abrirse camino en el mundo clásico con un instrumento que no está muy asociado con él?
Yo preferiría usar la palabra desafiante porque enfrente mío tambien estaban todas las ventajas de convertirme en un intérprete profesional de Mandolina. Cuando comencé ningún productor, director de teatro, manager de orquesta, pensaba “debemos tener a un mandolinista tocando con nosotros”. Nadie estaba esperando que yo fuera a tocar, por lo que tuve que iniciar muchos de los proyectos yo mismo. Ahora, gracias a Dios, es un poco diferente, pero todos estos desafíos fueron finalmente una bendición, los veo como ventajas y no como desventajas porque tuve la oportunidad de ofrecer algo que era nuevo en la sala de concierto, que era fresco en el contexto de una forma de arte bastante tradicional en la música clásica, y me forzó a mí a ser muy creativo y muy proactivo acerca de los proyectos que hago.
Sé que tengo una doble responsabilidad como intérprete de mandolina, más que cualquier pianista o violinista, de realmente crear una performance superlativa para la audiencia, si me dan su confianza, liberan su tarde, compran su ticket y contratan a una niñera para poder ir a un concierto de mandolina, realmente debe ser especial. Sentía, y aun siento, esa responsabilidad en un cien por ciento cada vez que doy un concierto. Tiene que ver desde luego con el hecho de que la Mandolina es un instrumento inusual y tengo la responsabilidad en mis hombros de probar al mundo y darles una experiencia de alta calidad musical con este instrumento.
No hay mucho repertorio original dedicado al instrumento en la música clásica, además de Vivaldi, pero haces muchos arreglos y también encargaste piezas originales. ¿Qué nos podés contar sobre esto?
Eso es verdad, no hay mucho repertorio original para Mandolina en música clásica. El compositor más famoso en escribir para el instrumento fue Vivaldi quien compuso dos conciertos, Beethoven compuso 4 pequeñas sonatas, Mozart escribió un aria en “Don Giovanni”, y eso es casi todo en relación a los grandes compositores. En la historia de la música clásica la Mandolina fue considerado un instrumento más amateur o de salón y no de concierto, es por eso que los grandes nombres de los compositores que conocemos no escribieron para el instrumento. Hay música escrita pero por compositores menores que no figuran en los libros de historia. Eso significa que la mayor parte de mi vida he interpretado arreglos de piezas escritas para otros instrumentos. Interpreto compositores como Bach, al cual lo tocó en casi cada concierto desde que empecé en la música. Por supuesto su música es divina y su absolutidad le permite ser ejecutada en distintos instrumentos y tener el mismo impacto. Así que arreglar es algo que hago bastante a menudo.
Además de eso y el poco repertorio escrito para la mandolina, también toco mucha música contemporánea, he encargado más de 100 obras nuevas para el instrumento, como solista, conciertos o música de cámara. Espero poder corregir estos vacíos históricos en los que los compositores no consideraban a la Mandolina como un instrumento de concierto. Ahora a partir de este momento, los compositores vivos, también de gran importancia, están escribiendo para él instrumentos y la están considerando como un instrumento de concierto. Espero que esto contribuya a una masa crítica de repertorio de alta calidad artística para las generaciones venideras.
Sos muy activo en la grabación de música, ¿que podés contar sobre este aspecto tuyo? ¿Qué buscas cuando decidís hacer un nuevo álbum? ¿Cuáles son tus próximos proyectos?
Por supuesto es una parte muy importante de mi trabajo documentar y hacer accesible musica hermosa a mucha gente para que la escuche alrededor del mundo. Igualmente existe una gran diferencia en la experiencia de escuchar música en vivo en un concierto y hacerlo a través de una grabación, en tu hogar, manejando o yendo al gimnasio. Mi actividad principal sigue siendo la realización de conciertos. Creo que es una experiencia artística que tiene un valor mucho mayor al de escuchar una grabación. La diferencia entre la música grabada y en vivo es algo así como la diferencia entre el teatro y el cine. En un concierto, en una situación en vivo, el material, la energía con la que él intérprete trabaja es la audiencia; los oyentes son una parte activa, aunque sólo se sienten en silencio y no se sientan necesariamente como parte, lo son. Esto hace que cada velada sea única y especial.
La grabación es algo más artificial, grabás pequeñas piezas y luego las editás para mejorarlas, y por supuesto los detalles en la grabación son mucho más importantes. Por ejemplo si tomamos de nuevo la diferencia entre cine y teatro, en teatro el pestañeo de un ojo de un actor es algo que no ves de acuerdo a donde estés sentado pero en el cine, si hay un close up, cada pequeño movimiento de la cara tiene una expresión y un significado que puede ser usado por actor, el director o el editor. En las grabaciones, siguiendo este ejemplo, cuando hago música barroca pretendo que todos los pequeños elementos estén más ornamentados y en general hay mucho más énfasis en los detalles. También tenés la oportunidad de producir cosas que en la sala de concierto pueden pasar de largo a diferencia de si tenés auriculares cerca de tus oídos.
Documentar mi trabajo y hacerlo accesible es algo extremadamente importante. Yo mismo disfruto escuchando música grabada tanto como ir a conciertos.
Hace unos años te vi tocar en Buenos Aires en un evento poco convencional, con djs, música electrónica, bebidas, algo muy raro para la música clásica, pero me pareció muy interesante. ¿Te gusta experimentar, fusionar estilos y mundos?
El evento es algo llamado “Yellow lounge” y fue arreglado por Universal Music y la Universidad para las Artes, que honestamente ahora no recuerdo el nombre (Se refiere a la Universidad Nacional de San Martín). Se trataba de ofrecer música clásica de una manera diferente en un ambiente distinto y alternativo. Era un lugar más parecido a una discoteca, porque era un ambiente estimulante y no solo para los oídos sino también visualmente, con video arte y diseño de luces. Era muy especial. La atmósfera era más alternativa, la gente podía socializar y escuchar música clásica, no en el formato que quizás alguna gente joven podría encontrar un poco aburrido, rígido o fuera de tiempo.
Estas son cosas que por supuesto me gusta mucho hacer y también asistir. Creo que la música por sí misma es poderosa así que cuando llega a los oídos de los oyentes tiene un impacto y es hermosa. El contexto de la ceremonia de escuchar un concierto de la manera tradicional en que lo conocemos es en la sala de conciertos, con los códigos, la ceremonia de la gente que sube al escenario, no aplaudir entre movimientos, los músicos saludan empiezan a tocar, cuando terminan se aplaude, etc. También hay códigos acerca de la ropa, de la audiencia y definitivamente de los músicos, especialmente si se trata de una orquesta, y así en general. Esta es la forma tradicional, pero toda otra forma por supuesto es interesante. Ver que cuando rompes estas reglas y lo ofreces de manera diferente o en un contexto diferente, con códigos distintos, puede atraer a audiencias distintas y realmente cambiar la experiencia, y si está bien hecho entonces cambia para bien. Así que me encantó hacerlo y tengo grandes recuerdos de esa experiencia.
¿Qué van a descubrir las personas que no están tan familiarizadas con vos en tus próximos conciertos en Buenos Aires?
Bueno espero que disfruten el concierto (risas). Creo que para la mayoría de la gente, sino me equivoco, será la primera vez que vean a una Mandolina junto a una orquesta en vivo tocando música clásica y espero que disfruten este descubrimiento. La Mandolina es un instrumento hermoso, muy poco familiar, además probablemente escuchen piezas que quizás conozcan muy bien, como el Concierto para violín en La menor de J.S.Bach o el Concierto para laúd en Re mayor de Vivaldi. Son obras famosas que algunos reconocerán muy rápidamente pero por supuesto en la Mandolina. Espero ofrecerle a la audiencia un punto de vista diferente, de escuchar estas obras con este sonido tan particular en vez del violín o el laúd. En definitiva ofrecer una escucha fresca de obras muy familiares.
ORQUESTA DE CÁMARA L´ARTE DEL MONDO. Con Werner Ehrhardt como Director, y Avi Avital en mandolina.
JUEVES 22 DE AGOSTO A LAS 20.30 HS. EN EL TEATRO COLISEO.
PROGRAMA
Sinfonía en La mayor, de Sammartini.
Concierto RV 93 en Re mayor para mandolina y orquesta, de Vivaldi.
Concerto grosso Nr.5 en Re mayor op. 6, de Dall´Abaco.
Concierto para violín, cuerdas y bajo contínuo en la menor, BWV 1041 de Bach.
Sinfonía Nº10 para cuerdas en si menor, de Mendelssohn-Bartholdy.
Ciaconna para Partita para violín en re menor BWV 1004 (solo de Mandolina), de Bach.
Danzas Rumanas (6) BB 68, Sz.56 de Bartók (arreglo para Mandolina y Orquesta, de Avi Avital).
Danzas Españolas para mandolina y orquesta (arreglo de Avi Avital), de Falla.
El compositor y pianista Mauricio Charbonnier nos cuenta acerca de sus proyectos: “Ensamble Nuevo Romanticismo” y “New Music of the Americas”, ambos de un gran contenido y espíritu Romántico, tanto en las obras del pasado como en las nuevas creaciones, donde la tradición musical y la figura de los compositores de nuestra argentina también están presentes, generando una identidad cultural como pueblo y país.
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La principal función de MusicaClasicaBA es fomentar la interacción entre músicos, agentes del sector público y privado y el público en general, permitiendo afianzar los lazos culturales y artísticos de nuestra región.
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title“El caos y la trasgresión no son figuras necesarias dentro de un concierto”. Mauricio Charbonnier
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<p style="text-align:center"><strong><span style="color:#000000"><span style="font-size:16px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><em>El compositor y pianista Mauricio Charbonnier nos cuenta acerca de sus proyectos: “Ensamble Nuevo Romanticismo” y “New Music of the Americas”, ambos de un gran contenido y espíritu Romántico, tanto en las obras del pasado como en las nuevas creaciones, donde la tradición musical y la figura de los compositores de nuestra argentina también están presentes, generando una identidad cultural como pueblo y país. </em></span></span></span></strong></p>
</blockquote>
<p style="text-align:justify"> </p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><strong><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Por Maxi Luna.</span></span></strong></span></p>
<p style="text-align:justify"> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>Contanos un poco acerca de tu formación musical y cómo llegas a la composición ..</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Mi formación académica, en su etapa inicial, estuvo orientada al estudio técnico de un instrumento (piano) y a la interpretación musical. Me recibí en el conservatorio Superior de Música de la Ciudad de Buenos Aires, pero también no fue menor mi formación por fuera de las instituciones, con maestros particulares que han acompañado mi camino (Ramiro Campodonico en composición y Paula Peluso en piano) y donde aprendí en profundidad las distintas disciplinas, que integran la técnica y el desarrollo creativo de un compositor. </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">La composición es y será siempre la pasión que motoriza mis días, aunque, a decir verdad, llegó en una etapa posterior de formación, puesto que en primera instancia consideré conocer y transitar las grandes obras desde la interpretación. Algo muy valioso también fue realizar un recorrido estilístico por los grandes maestros y representantes de cada periodo histórico para luego tener un camino sólido donde apoyarse, porque componer es el mayor de los desafíos.</span></span></span></span></p>
<p> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>Contanos acerca del Ensamble Nuevo Romanticismo y sobre la intención de vincular “la gran tradición musical del pasado” con la música actual…</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">El ensamble fue fundado en 2011 y en sus inicios costó mucho demostrar a quienes tomaban las decisiones dentro de los teatros y ciclos que nuestros programas, compuestos de nuevas creaciones y obras de autores de la tradición musical, podrían gravitar en plena conjunción. </span><strong>Todo lo que se proponía como nueva música estaba relacionado a obras bajo los sistemas compositivos de construcción impuestos por la vanguardia musical</strong><span style="background-color:transparent">, por lo cual o eras parte de esa elite y te vinculabas en sus propios círculos, con programaciones propias y festivales afines, o te quedabas sin la posibilidad de mostrar tus trabajos. </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Gracias a la generosidad y apoyo de muchos maestros y programadores que recomendaban nuestro trabajo, poco a poco las puertas empezaron abrirse y el ensamble logró instalarse. Cabe destacar también que se percibe en la actualidad un cambio de paradigma en todas las disciplinas artísticas, fruto del agotamiento y divorcio del público con los sistemas hegemónicos de creación actual. </span><strong>Hay un retorno hacia propuestas creativas (híper-realismo en la pintura, tonalidad y melodía en la música, etc) más ligadas a técnicas y contenidos del pasado pero resignificadas</strong><span style="background-color:transparent">, tiempo donde el público llenaba las salas y festejaba a los compositores las nuevas obras y estrenos. Esta instancia de cambio ha abierto otras posibilidades para nuestra propuesta. <br />
</span></span></span></span></p>
<p style="text-align:center"><img alt="" src="/src/media/images/blog%204/Mauricio5.jpg" style="height:392px; width:800px" /></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>¿Cómo es la recepción del público a esta propuesta?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">El público siempre ha mostrado mucho interés en nuestra propuesta, ya que la misma aglutina un repertorio esencialmente de contenido y espíritu Romántico, tanto en las obras del pasado como en las nuevas creaciones.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">La búsqueda y el disfrute por la belleza es un anhelo que no se modifica con el tiempo, ni con los contextos sociales o de vida. Es algo permanente, en el corazón humano. El caos y la trasgresión no son figuras necesarias dentro de un concierto. Hacen falta otros valores para lograr que un concierto llegue a ser una experiencia reveladora. La emoción es el vehículo más fuerte para llegar a lo más profundo y transformar ese universo interior y la sensibilidad con la que se transita este mundo, sin racionalismo y esteticismos vacíos de contenido, apuntados hacia la manipulación estéril de la materia sonora y la especulación meramente intelectual, disfrutada por unos pocos. </span></span></span></span></p>
<p> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>¿Cómo eligen los compositores y obras que van a interpretar en cada ocasión?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">La línea rectora es elegir una estética y un contenido emparentado a lo romántico. Tratamos de buscar que las obras tengan un alto contenido emocional, lirismo y representen las grandes formas y arquetipos de esa época. El nacionalismo musical y la figura de los compositores de nuestra argentina también están presentes, valoramos mucho generar una identidad cultural como pueblo y país. </span></span></span></span></p>
<p> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000"><strong>¿Cómo surge el contacto entre vos y </strong></span><a href="http://www.leonardolesan.com/" style="text-decoration-line: none;"><span style="color:#000000"><strong>Leonardo Le San</strong></span></a><span style="color:#000000"><strong> y la idea de gestar New Music of the Americas?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Con Leonardo tomamos contacto por medio de redes sociales, veníamos siguiendo con atención el trabajo de cada uno en su respectivo país. Luego, surgió la idea de colaborar juntos y que él viniera de invitado a tocar con el ensamble. Tiempo más tarde -mientras le dábamos forma al repertorio que programaríamos en su concierto aquí- pensamos en una idea más grande para trabajar sobre la divulgación de la música de los compositores de nuestros países (Argentina- EE.UU/Colombia), tanto autores del pasado como actuales y allí surgió New Music of the Americas. </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:center"> </p>
<p style="text-align:center"><img alt="" src="/src/media/images/blog%204/Mauricio.jpg" style="height:600px; width:900px" /></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>¿Cómo se gestó el disco y la selección del material?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">El material involucró dos líneas de trabajo: por un lado la selección de autores americanos, argentinos en su mayoría, y de contenido nacionalista. Por otro lado, las nuevas obras de nuestra autoría (Le San / Charbonnier) con un contenido más romántico, y en el caso del Maestro Le San, con cierta influencia del Siglo XX y reminiscencias de ritmos propios de Colombia, Argentina (tango) y EE.UU (Jazz).</span></span></span></span></p>
<p> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>¿Crees que estamos asistiendo a un “reencuentro” entre el público y los compositores de su época? ¿A qué pensás que se debe?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Existen algunos avances en ese aspecto, pero aún falta mucho. El ámbito actual de vinculación y divulgación de obras de compositores argentinos es muy poco y conlleva mucho esfuerzo. Poder tener acceso a los grandes teatros y orquestas es una situación más ligada a las influencias y vinculaciones personales que al talento, lo cual encierra un panorama de bastante injusticia. No pasa tanto así cuando uno ofrece su trabajo en otros países, esa situación en un futuro cercano debería revertirse. Tampoco hay encomendaciones, ni fondos destinados a producir y generar nuevas obras, dentro de las orquestas y teatros de organismos públicos, lo cual el sustento de un compositor está librado muchas veces a su capacidad de sobrevivir. </span></span></span></span></p>
<p> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>¿Qué necesita para ser un compositor de música académica en pleno siglo XXI?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Intentar crear belleza y emocionar en un mundo que necesita cada vez más del genuino Arte. Estudio, voluntad de trabajo en la adversidad, curiosidad por seguir aprendiendo, valorar a los intérpretes y a sus colegas, porque sin ellos no habría música. Desarrollar la perseverancia y entender que las puertas cerradas o las “no respuestas” de un proyecto presentado, no están necesariamente relacionados a la calidad del trabajo propuesto. Hay que entender que todos necesitamos de todos y siempre ayudar. Pero más allá de eso, </span><strong>si la música está bien escrita y emociona… tarde o temprano aparecerá una oportunidad. </strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Como decía el gran escritor Ernesto Sábato: “Sentir que si uno no escribe, se muere”. Eso lo resume todo.</span></span></span></span></p>
<p> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>¿Cuáles son tus planes a futuro?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Seguir componiendo. En un futuro cercano tengo la ilusión de escribir un concierto para piano, alguna Suite para orquesta, algún trío de cámara. Es de mi interés también algunas obras concertantes para violín y algo más para clarinete, en 2020 lanzare algo para este último… probablemente en mayo. </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Otro plan es continuar divulgando mi propia música y la de otros autores, participaré del Ciclo de Conciertos de la Asociación de Compositores Argentinos y todas sus actividades -programa de radio y demás acciones que realizan- son un gran espacio para todos los colegas. </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">También lograr nuevas colaboraciones con solistas, orquestas y compositores, tanto a nivel local como a nivel internacional. Hay mucho planeado y mucho por realizar. Concretar nuevas sedes para el Proyecto New Music of the Americas (2020 Filadelfia y Santo Domingo), grabar un segundo material discográfico. Tengo ofrecimientos para dirigir un Ciclo de Conciertos que es algo que nunca hice pero me entusiasma, ya que se abrirían nuevos espacios de difusión musical y eso generaría más posibilidades y propuestas de participación para todos los colegas. Pero por lo pronto mi prioridad es la composición.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"> </p>
<p><iframe frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/SXmdSMpYivY" width="560"></iframe><br />
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<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>Acerca de "New music of the Americas"</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000"><span style="background-color:transparent">Surge como proyecto colaborativo entre el compositor argentino</span><strong> Mauricio Charbonnier,</strong><span style="background-color:transparent"> director del ensamble Nuevo Romanticismo, y </span></span><a href="http://www.leonardolesan.com/" style="text-decoration-line: none;"><span style="color:#000000"><strong>Leonardo Le San</strong></span></a><span style="color:#000000"><strong>,</strong><span style="background-color:transparent"> multipremiado compositor y pianista de Philadelphia. La idea principal es divulgar música académica, en particular de Argentina y de América del Norte, como así también las obras de compositores actuales de toda la región.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">El primer concierto de New music of the Americas se realizó en Argentina en octubre del año pasado, actualmente los compositores planean que la ciudad de Philadelphia (EE.UU) sea sede para alojar el proyecto durante el 2020, con estrenos de nuevas obras y la participación de grandes intérpretes locales.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">A mediados de este mes saldrá a la luz la primera grabación de este proyecto que incluirá obras de Guastavino, Ginastera, Piazzolla, Charbonnier y Le San, y será lanzada por la prestigiosa plataforma global de música clásica “Selecta Tv” para sus miles de suscriptores en todo américa.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000">Video adelanto: </span><a href="https://www.youtube.com/watch?v=SXmdSMpYivY" style="text-decoration-line: none;"><span style="color:#000000">https://www.youtube.com/watch?v=SXmdSMpYivY</span></a></span></span></p>
<p> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>Acerca del Ensamble Nuevo Romanticismo:</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Constituido en el año 2011, y a punto de cumplir casi diez años de forma ininterrumpida dentro de la escena cultural Argentina, el ensamble de cámara </span><strong>Nuevo Romanticismo</strong><span style="background-color:transparent">, ocupa un lugar singular y destacado en cuanto a su propuesta artística. Su fundador y director, el compositor y pianista </span><strong>Mauricio Charbonnier</strong><span style="background-color:transparent">, ha instaurado, con mucho tiempo de insistencia y trabajo la propuesta de brindar al público una serie de actuaciones y conciertos que tienen por objetivo, vincular </span><strong>“la gran tradición musical del pasado”</strong><span style="background-color:transparent"> con la música actual, integrada por nuevas creaciones de su autoría en conjunto con la de otros colegas. </span><br />
<br />
Bandoneón: Julio Pérez. Flauta: Carla Zarate. Cello: Nahuel Rodríguez. Soprano: Micaela Urg/ Gloria Berner. Piano, composición y Dirección: Leonardo Le San / Mauricio Charbonnier. Grabación y producción : Christian Paladino Avant producciones.</span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>Acerca de Mauricio Charbonnier:</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Compositor y pianista Argentino radicado en Buenos Aires, egresado del Conservatorio de la Ciudad de Buenos Aires. Su Catálogo abarca repertorio de Cámara, Orquestal, y Sinfónico Coral, con obras estrenadas en Europa, Sudamérica, y EE.UU. Miembro de La Asociación de Compositores Argentinos. Su estilo, definido como Neo Romántico, propone un estrecho vínculo con la tradición, el retorno a un lirismo musical y la vuelta a las grandes formas.</span></span></span></span><br />
</p>
<p dir="ltr"><strong><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Acerca de Leonardo Le San:</span></span></span></strong></p>
<p dir="ltr" style="text-align: justify;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Leonardo Le San es un compositor y pianista Colombiano radicado en los EEUU. Las obras de Leonardo han sido presentadas en teatros como Carnegie Hall, Merkin Hall, Gershiwn de Nueva York, El Museo de Queens, La Casa Blanca de EEUU, El Teatro Ibrahim de Philadelphia, Ehrbar Hall en Viena, Los jardines Dyffryn de Gales, teatros en Colombia y la Fundación Astolfi en Buenos Aires Argentina para nombrar algunos. Discípulo en composición de los Maestros Orlando Otey, Jeremy Gill, Jennifer Barker. El estilo de Le San tiene influencias en compositores de distintos periodos tales como Bach, Beethoven, Prokofiev, Piazzolla y Bernstein. Como así también de la música tradicional Colombiana, el tango, y estilos de jazz norteamericanos. </span></span></span></p>
<div style="text-align: center;"> </div>
<p style="text-align:center"><img alt="" src="/src/media/images/blog%204/Mauricio3.jpg" style="height:533px; width:800px" /></p>
titleEl futuro llegó hace rato: innovación y vanguardia en la UCA
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categoryentrevista
short_descCon la inauguración de un flamante nuevo estudio de grabación, la Universidad Católica de Argentina da otro paso adelante hacia una formación integral de jóvenes músicos en un contexto de constantes avances tecnológicos. Conversamos con Oliverio Duhalde, director del Departamento de Arte Sonoro y Producción Musical, quien nos cuenta cuáles son los desafíos actuales y futuros para compositores e instrumentistas en el rubro audiovisual.
description<p style="text-align: center;"><img alt="" src="/src/media/images/blog%204/cine%20uca%20(1).jpg" style="height:300px; width:600px" /></p>
<blockquote>
<p style="text-align:center"><strong style="font-family:georgia,times,times new roman,serif; font-style:italic"><span style="font-size:16px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent; color:rgb(0, 0, 0)">Con la inauguración de un flamante nuevo estudio de grabación, la Universidad Católica de Argentina da otro paso adelante hacia una formación integral de jóvenes músicos en un contexto de constantes avances tecnológicos. Conversamos con Oliverio Duhalde, director del Departamento de Arte Sonoro y Producción Musical, quien nos cuenta cuáles son los desafíos actuales y futuros para compositores e instrumentistas en el rubro audiovisual.</span></span></span></strong></p>
</blockquote>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><strong><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent; color:rgb(0, 0, 0)">Por Iván Gordin.</span></span></strong></span></p>
<p style="text-align:justify"> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Oliverio Duhalde es músico, compositor, productor musical y licenciado en Dirección Orquestal graduado de la UCA. Además, en esta misma casa de estudios es uno de los principales propulsores de la innovación interdisciplinaria, donde forma parte de proyectos que unen el campo de la robótica con la composición musical. Sin embargo, este trayecto empezó hace casi dos décadas atrás: con tan solo 28 años, Oliverio tuvo la encomienda de diseñar una carrera que articulara la producción musical con otras expresiones artísticas; un espacio que actualizara la formación tradicional con la actualidad tecnológica. Con este vínculo en mente, nació la </span><strong>Licenciatura en Música Cinematográfica</strong><span style="background-color:transparent">, un espacio académico que pone al músico al centro de la revolución digital. Sobre esto y mucho más nos abocamos a continuación.</span></span></span></span></p>
<p> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>¿Cómo surge la idea de una carrera que articule la música con otras disciplinas?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Por el año 2002, 2003 se venía hablando en la facultad de generar un tipo de perfil de egresado que no fuera solamente compositor, sino estuviera actualizado a la actualidad tecnológica, de lo que veníamos muy atrasados. Tenemos una formación ortodoxa muy sólida en la UCA y de mucho prestigio, pero nos costaba mucho dar el salto en el reconocimiento del presente tecnológico; que es lo que ha pasado en todas las carreras clásicas, que han tenido que reconvertirse de alguna manera Había una brecha laboral a cubrir, y si bien es una carrera artística y todos pensamos artísticamente, también tenés que pensar en cómo vas a preparar gente para articular con un universo, que si bien utiliza recursos artísticos, no lo es </span><em>per se</em><span style="background-color:transparent">. Nosotros ahí teníamos una falencia porque no estábamos preparando a los egresados para eso, lo tenían que aprender afuera. Entonces lo primero que hicimos fue incorporar todo lo que es tecnología de la grabación y todo lo que es tecnología de la secuenciación y programación; la computadora se ha transformado en un instrumento central.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>¿Siempre estuvo concebido como una carrera ligada a la música cinematográfica?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">A partir de 2013 empezamos con una tecnicatura, hicimos una primera inversión en un laboratorio. Primero tardó en ser entendido cuál era el perfil, además era una tecnicatura al lado de la la Licenciatura en Composición, entonces había gente que cursaba las dos cosas. La tecnicatura eventualmente se volvió en licenciatura porque teníamos mucha gente interesada. Lo que hicimos fue presentar un plan de estudios nuevo que extendía la carrera dos años más. A partir de ahí tuvimos cada vez más alumnos, lo que nos permitió invertir y crear un estudio propio dentro de la universidad [NdA: el estudio fue inaugurado en julio de 2019]. Hoy en día es una carrera que en el tercer año tenés una salida en producción musical, y en los dos años posteriores una especialización en producción musical aplicada al universo audiovisual. Es poner un uso práctico, concreto e industrial de la música. </span></span></span></span></p>
<p> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>¿Qué saberes te parecen fundamentales para poder trabajar en la industria?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000"><span style="background-color:transparent">Hace veinte años producir una música que tuviera un </span><em>finishing </em><span style="background-color:transparent">(proceso de finalización)</span><em> </em><span style="background-color:transparent">profesional era carísimo, los equipos profesionales eran muy poco accesibles, tenías que tener un piso de inversión muy alto. Hoy podés hacer un producto muy competitivo con un costo que es una fracción muy pequeña de lo que era antes. Por eso tenemos que preparar a los alumnos desde el concepto del </span><em>one man band</em><span style="background-color:transparent"> [banda de un solo hombre]; por otro lado, estamos en un período de la historia donde el trabajo en equipo es un plus, poder trabajar dentro de estructuras más grandes es una ventaja. A veces pasa que nos topamos con chicos que vienen de estudiar composición en otros lugares y nunca prendieron una computadora. Eso no te puede pasar en el siglo XXI. La música por computadora te permite anticipar y ensayar tu partitura, e incluso mostrarle a tu cliente lo que vos a grabar después. Eso antes no existía. Entonces, tenés que formar a tus profesionales para que puedan articular con lo que demanda la sociedad contemporánea y, en ese sentido, surge entonces la carrera de Música Cinematográfica, que tiene ese perfil: combina la base de la música tradicional (armonía, contrapunto, orquestación y composición) con conocimientos de acústica, grabación y programación. También es fundamental saber sobre </span></span><a href="https://translate.google.com/translate?hl=es&sl=en&u=https://en.wikipedia.org/wiki/Sound_design&prev=search" style="text-decoration-line: none;"><span style="color:#000000"><em>sound design</em></span></a><span style="color:#000000"><strong> [diseño de sonido], </strong><span style="background-color:transparent">que tiene mucha salida laboral….</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>Y que casi no hay formación específica en Argentina para ese rol...</strong><span style="background-color:transparent"> </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000"><span style="background-color:transparent">Una cosa que pasa con los </span><em>sound designers </em><span style="background-color:transparent">es que casi todos son músicos y eso te hace trabajar el sonido desde una óptica completamente diferente y conceptualmente mucho más sólida. Es muy difícil para alguien que no tiene cultura musical explicar el nivel de abstracción que tiene, por ejemplo, el </span><em>objeto sonoro</em><span style="background-color:transparent"> de </span></span><a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Pierre_Schaeffer" style="text-decoration-line: none;"><span style="color:#000000"><span style="background-color:transparent">Pierre Schaeffer.</span></span></a><span style="color:#000000"><span style="background-color:transparent"> Esto te permite resolver problemas que no son musicales desde una perspectiva musical, por ejemplo, con la idea de “contrapunto audiovisual”. Es una materia muy interesante porque te abre la cabeza y te convierte en un compositor diferente, te abre el espectro tímbrico más allá de los convencionales.</span></span></span></span></p>
<p> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>¿Cómo se articula esta parte de la técnica y la composición con la narrativa audiovisual?</strong></span></span></span></p>
<p> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Nosotros en general tenemos materias teóricas y prácticas. En todas las materias de producción, la técnica se aprende a través de la práctica y esta se da por medio de contenidos artísticamente relevantes. Es decir, tenemos todo un ciclo de trabajos en que los chicos tienen que hacer alrededor de 25-30 trabajos en los que tienen un problema, asociado a un formato y a un género cinematográfico. La devolución de estos trabajos viene acompañada de forma conceptual que explica lo que hicieron. </span><strong>Es muy importante saber expresarse y justificar tus decisiones. Algo que cuesta mucho porque es bajar el concepto a la escritura. </strong><span style="background-color:transparent">Y muchas veces este trabajo depende de un mail entre vos y tu cliente. Y además que esa explicación sea decodificable por alguien que no sabe de música. </span></span></span></span></p>
<p> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>Vos mencionaste la relación con el cliente, ¿cuál es el nivel de libertad que tiene un compositor ante cualquier pedido (guionista, director, etc)?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Hay cierta amplitud de libertad dada por la confianza, la trayectoria y la fama que te hacés como compositor. Cuando es un trabajo muy grande, mi consejo es mostrar algún tipo de referencia parecida, porque siempre podés explicar lo que vas a hacer. También tener en cuenta hacer planteos que tengan una lógica interna y esa es una idea propia de la literatura y la cinematografía. Cuando vos planteas una línea estética hay que hacer coherente con esa línea estética y es muy difícil mantener esa coherencia. </span></span></span></span></p>
<p> </p>
<p><iframe frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/ITkZRr22fs0" width="560"></iframe></p>
<p> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>¿Qué posibilidades de inserción laboral observas en un mercado muy limitado y en muchos casos autogestivo como la de nuestro país?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">No hay que pensar solo en Argentina porque estamos en un mundo súper dinámico. Si bien tenés que tener en cuenta la realidad local vos tenés que cambiar el chip. Yo trabajo con gente a la que nunca le vi la cara por ejemplo. Es verdad que en una producción mediana o grande, la articulación pasa a ser un </span><em>tet a tet</em><span style="background-color:transparent"> personal, pero hay toda una rama muy importante de laburos posibles que es a la distancia. Y en ese sentido tenemos una ventaja importante porque somos muy baratos. En la realidad local, si bien se produce mucho, se produce a muy bajo costo, entonces en general el aspecto sonoro-musical termina recayendo en una sola persona o en dos que, en general, no tienen experiencia porque no han sido formadas para eso porque es alguien que estudió composición, o algún músico que por ahí es tremendo pero no estudió formalmente o no conoce la historia del cine. Incluso pasa que la formación de los directores de cine en sonido es muy básica o inexistente, </span><strong>tenemos carreras de dirección de cine que no tienen una materia de sonido, eso es inconcebible</strong><span style="background-color:transparent">. Muchas veces los graduados de nuestra carrera terminan haciéndose cargo de toda la banda sonora, porque son los más idóneos para hacerlo. Y termina siendo dentro de la estructura semiformal que vos describís, y es fundamental un equipo de trabajo que después va creciendo en el tiempo.</span></span></span></span></p>
<p> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>¿Qué proyectos tienen preparados para el nuevo estudio de grabación?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Tenemos varios proyectos, uno es proseguir con nuestras ediciones discográficas. Nosotros solemos publicar discos, a razón de uno o dos por año. El año pasado publicamos del trío Alberto Williams. La idea es hacerlo de manera más regular, también es utilizar este ámbito para hacer trabajos de restauración de musicología. El instituto Carlos Vega tiene una gran cantidad de grabación que vamos a restaurar y digitalizarlas. También vamos a articular con otras carreras de la facultad. Con Ingeniería por ejemplo, con un estudio de grabación y con los estudios en diseño sonoro y acústica, que son estudios avanzados. Poseemos una capacidad de análisis fuera de lo común; tenemos proyectos que no tienen nada que ver con la música </span><em>a priori</em><span style="background-color:transparent"> pero sí con el sonido. Proyectos de robótica y proyectos de diagnóstico de funcionamiento de maquinaria a través de la sonoridad de esas máquinas. Peritajes judiciales, la universidad posee una capacidad y una homologación que la sitúa en un lugar muy interesante para hacer este tipo de trabajo. Por otro lado, también estamos trabajando con Medicina para desarrollar una serie de tests de audición con tecnología nueva y de punta que solo puede crear en un estudio de grabación. El estudio también está centrado en la aplicación de tecnología de sonido al cine, el estudio es Sorround 5.1, ese tipo de ejercicio también hacemos y tenemos la capacidad de producir este tipo de sonido desde nuestras instalaciones. Más allá de las grabaciones todos nuestros docentes tienen la posibilidad de grabar sus trabajos y además grabamos por fuera de la facultad, tenemos mucho equipamiento móvil, y después los mezclamos y masterizamos adentro. Y con respecto al lenguaje de la música que circula por el estudio, la facultad de música se ha abierto muchísimo. Ya no es solamente música clásica sino que abarcamos todas las músicas, desde música popular, electrónica, de vanguardia, clásica y antigua. La idea es que a partir de 2020 hacer ciclos de colecciones. Todos los egresados de quinto año tienen que publicar un disco. Editan su primer disco dentro del ámbito de la facultad y, de hecho, para aprobar la materia de “Edición Discográfica” deben publicarlo en Spotify. En ese sentido, vamos a ser una usina de producción musical muy interesante.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>Para cerrar, desde tu perspectiva, ¿cuál es el mayor desafío del músico en la actualidad?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Es un desafío doble. Por un lado la extensión del lenguaje musical en relación con el equipamiento creativo que se tiene,</span><strong> el uso de la tecnología que ha llegado para quedarse</strong><span style="background-color:transparent">. Quiero aclarar que cualquier instrumento musical es tecnología, en ese sentido para los músicos debería, y es natural integrar cualquier aporte que la tecnología pueda hacer. Ya sea que tenga que ver con la electrónica o la acústica. Como artistas siempre tenemos la obligación de investigar nuevos medios de expresión. También pasa por nuevas experiencias, llevar la música a través de dispositivos expresivos nuevos, como por ejemplo el celular, trabajar en tipos de creación colectiva. Creo que estamos en un momento de la historia donde la respuesta y participación del público a través de la tecnología puede ser un tema interesante. Por ejemplo se plantean obras colectivas donde el público tiene influencia sobre el campo musical. Creo que es un tema para explorar muy interesante y luego está el surgimiento de esta nueva forma de arte, que es el arte sonoro, que yo creo que si bien toma muchísimo de la música, toma muchísimo de las artes visuales al mismo tiempo. Entonces el arte sonoro es algo de nuestro tiempo y que constantemente estimula el cruce transdisciplinar, la música con una escultura, una instalación, una performance. Y cuando digo música me refiero en el sentido amplio, en el sentido </span><em>cageano</em><span style="background-color:transparent">. No solamente lo que nosotros conocemos como lo establecido (un cuarteto de cuerdas, dodecafonismo o nociones de armonía y melodía), sino a cosas más abiertas donde podamos utilizar elementos del gran universo sonoro que tenemos alrededor que son sonidos no convencionales. Me viene a la cabeza de [Mauricio] Kagel, por ejemplo, y obviamente eso está mucho más cercano al pensamiento de [John] Cage y [Marcel] Duchamp. Pero creo que el arte sonoro justamente es un espacio de expresión muy interesante y donde los músicos podemos articular de una manera muy fluida con el público. </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Hay que admitir que la música contemporánea no ha logrado conectar con el público de manera masiva y eso tiene que ver mucho con el nivel de complejidad que hemos desarrollados internamente. Hay músicas que son de vanguardia pero que no son tan nuevas, géneros como el cine o como el arte sonoro acercan este tipo de sonoridades por fuera del ámbito común de la música a través de otros formatos. Es decir, la música dialogando con otras artes, creo que es uno de los caminos más fuertes que tiene la música para emprender y de los desafíos más interesantes del compositor contemporáneo. No solamente los músicos, las otras disciplinas también son muy conscientes de esto, hoy en día la articulación del arte propio con las otras artes establece una riqueza mayor.</span></span></span></span></p>
<div> </div>
<p><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><strong>Link a la versión de la revista digital Música Clásica 3.0:</strong> </span></span><span style="color:#0000CD"><span style="font-size:14px">http://bit.ly/35NEXYq</span></span></p>
<p> </p>
title“La música puede transformar la sociedad”. Entrevista a Juan Diego Flórez
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categoryentrevista
short_descEn el año 2018 el gran tenor peruano volvió a nuestro país luego de 13 años para brindar un concierto inolvidable en el Teatro Colón acompañado impecablemente por el pianista Vincenzo Scalera. Días previos a esa noche mágica estuvimos en los estudios de Radio Nacional Clásica en donde pudimos participar de una entretenida charla junto a Boris y Margarita Zelarayán. En el día de su cumpleaños recordamos algunos momentos destacados de esa conversación.
description<p style="text-align:center"><img alt="" src="/src/media/images/blog%204/Arnaldo%20Colombaroli%204%20(1).jpg" style="height:685px; width:600px" /></p>
<p style="text-align:center"><span style="font-size:11px">PH: Arnaldo Colombaroli</span></p>
<blockquote>
<p style="text-align:center"><span style="font-size:16px"><strong><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">En el año 2018 el gran tenor peruano volvió a nuestro país luego de 13 años para brindar un concierto inolvidable en el Teatro Colón acompañado impecablemente por el pianista Vincenzo Scalera. Días previos a esa noche mágica estuvimos en los estudios de Radio Nacional Clásica en donde pudimos participar de una entretenida charla junto a Boris y Margarita Zelarayán. En el día de su cumpleaños recordamos algunos momentos destacados de esa conversación.</span></span></strong></span></p>
</blockquote>
<p style="text-align:justify"> </p>
<p style="text-align:justify"><strong><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Por Maxi Luna.</span></span></span></strong></p>
<p style="text-align:justify"> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>¿Contanos cómo es esto de la música popular que regresa a tu repertorio en los Conciertos?</strong></span></span></span></p>
<p style="text-align:justify"><span style="background-color:transparent; color:rgb(0, 0, 0); font-family:verdana,geneva,sans-serif; font-size:14px">La música popular siempre estuvo presente, pero desde que nació Leandro, mi primer hijo en 2011, retomé la guitarra porque la había dejado. En mi carrera de cantante de ópera siempre estaba la guitarra ahí pero no la tocaba, entonces con los niños comencé a tocar para cantar, entretenerlos y llevarlos a la cama. </span><span style="background-color:transparent; color:rgb(0, 0, 0); font-family:verdana,geneva,sans-serif; font-size:14px">De esta manera </span><span style="background-color:transparent; color:rgb(0, 0, 0); font-family:verdana,geneva,sans-serif; font-size:14px">volvió a tomar protagonismo y así empezaron a llegar los boleros, las rancheras, la música peruana. Ese fue el origen de que haya retomado la guitarra en los conciertos. Me parece que una de las primeras veces fue en Tenerife y canté una canción que se llama </span><em>Islas Canarias</em><span style="background-color:transparent; color:rgb(0, 0, 0); font-family:verdana,geneva,sans-serif; font-size:14px"> con la guitarra y gustó mucho. Así repetí esa propina (bis) en otros teatros y ya se ha vuelto una especie de tradición donde es el presentador del concierto que pide que por favor saque la guitarra. </span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Hace poco me rompí el dedo jugando fútbol y no podía tocar fue una especie de tragedia: </span><em>“qué pena, ¿cómo no va a tocar?” </em><span style="background-color:transparent">(risas). Se ha vuelto ya parte de los conciertos y de lo que la gente espera. </span></span></span></span></p>
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<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong> ¿Y en tu nuevo disco Bésame Mucho?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">El disco es producto también de esto porque hacía una o dos canciones con la guitarra hacia el final de mis conciertos y gustaba mucho y entonces la gente decía “¿</span><em>Por qué no haces un disco con estas canciones?”</em><span style="background-color:transparent">. Entonces seleccioné las que tenían más éxito al final los conciertos y las incluí en este disco, que son prácticamente los bises. Además lo quise hacer sin orquesta, algunas de las canciones son solo con guitarra, quise mantener la intimidad de la música popular para preservar ese feeling como si estuvieras sentado en el salón de tu casa o alrededor de una fogata en la playa. Esa era mi intención.</span></span></span></span></p>
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<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>Es la cercanía que tiene la música popular pero con una técnica del canto lírico...</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Las melodías son siempre melodías, ¿no? Y me ha pasado también cuando escuchamos a nuestros intérpretes latinoamericanos de comienzos del siglo pasado donde todos tenían una técnica operística justamente porque no había micrófonos en todos lados entonces había que proyectar la voz en los cafés, en los salones, teatros. Se me viene a la cabeza Libertad Lamarque por ejemplo, Gardel, Jorge Negrete.</span></span></span></span></p>
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<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>Te conocés todas las canciones de rock argentino...</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">No todas..Sui Generis sí, por ejemplo. Tengo 45 </span><span style="background-color:transparent">años </span><span style="background-color:transparent">y eso era un poquito antes pero todavía estaba en mi infancia. Se escuchaba mucho porque en Perú había en esa época la onda de tocar la guitarra y todo el mundo se sabía más o menos las mismas canciones.</span></span></span></span></p>
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<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>¿Hay un puente entre esa música popular y la lírica?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Que un cantante lírico haga estas canciones ya ayuda mucho porque escuchas la voz educada. Y eso puede acercar porque uno dice </span><em>“ah, mirá, me gusta como suena, no suena igual que cuando un cantante tradicional de tango lo canta, suena diferente”</em><span style="background-color:transparent">. Y entonces esto puede aportar, claro, pero hay algunos boleros que quedan bien cantados con una voz impostada y hay otros que no quedan para nada bien.</span></span></span></span></p>
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<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>¿Y al revés, para el que escucha música popular escucharte desde ese punto de vista?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">¿Si la ópera puede acercar a la música popular? Claro, eso es más fácil porque seguramente mis fans van a comprar este disco o se lo van a bajar de Spotify y se van a acercar a muchas canciones que no conocen. Todo el mundo conoce </span><em>Bésame mucho</em><span style="background-color:transparent">, es un hit, pero hay muchas canciones que quizás no conocen y les podrían gustar. </span><em>Solo le pido a Dios</em><span style="background-color:transparent"> es una onda bastante rock, entonces quizás muchos de mis fans no han escuchado nunca eso.</span></span></span></span></p>
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<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>Y hasta hay una cumbia por ahí.</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Sí, </span><em>La pollera colorada</em><span style="background-color:transparent"> (risas). He tratado de incluir algunos himnos de determinados países.</span></span></span></span></p>
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<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>Tus primeros vínculos tuvieron que ver con esta música ¿no?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Sí, empecé con la música popular porque mi entorno era así, mi papá cantaba mucho Chabuca Granda. En la familia también se tocaba la guitarra, se hacían peñas de música peruana, yo acompañaba a veces a mi padre a cantar en festivales, o en el teatro. El tenía una voz educada, había estudiado un poco de canto lírico, entonces solía cantar bonito y yo absorbía todo eso. </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">La guitarra siempre estaba en casa y empecé con ella a los 10 años. Ese era mi mundo, luego entré al Conservatorio queriendo estudiar música popular y encontré la música lírica. Me gustó y después me metí a la lírica de lleno. Ahora la música popular ha aflorado más que en mis primeros años.</span></span></span></span></p>
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<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>¿Sentís que te ha aportado en cuanto a lo que tiene que ver con la frescura y el espíritu más libre?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Ahora que canto mucho más música popular lo siento más. A veces al cantante de ópera lo ven como que se tiene que comportar de un cierto modo y no debe ser así, debemos ser simplemente músicos y personajes, roles que interpretamos.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Eso es muy importante porque el canto lírico es un esfuerzo muscular que no es el mismo de la música popular donde quizás cantas sentado, en cambio en el canto lírico tienes que pararte, trabajar y es un esfuerzo muscular como en un deporte. Tenemos que relajarnos mucho más y aprender a cantar, tener el training de cantar y relajarte dentro de ese canto atlético. Dentro de esa proyección de la voz y de ese fluir de aire con presión y todo, tenemos que sonar relajados y meter lo que es nuestra música adentro, lo que hemos aprendido. Eso es una gran ventaja.</span></span></span></span></p>
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<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>Actuar es realmente un compromiso físico enorme y no siempre los cantantes o los estudiantes de canto lo tienen tan claro ¿Es necesario además del trabajo sobre la técnica entrenarse físicamente?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Es necesario que nos demos cuenta que es el cuerpo completo el que trabaja. Por ejemplo, cuando tú normalmente no sabes por qué hoy no te sientes muy bien y la voz no está tan alta o no funciona, corres tres o cuatro veces hacia arriba las escaleras por tres pisos y te pones a cantar y ya se arregló todo. Porque qué pasa: el cuerpo tiene que prenderse, encenderse y cuando comienza a encenderse los músculos se han activado, la trompa de Eustaquio se ha abierto..¡pum! La voz sale. </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Es que no podemos pretender cantar bien en cualquier momento: el cuerpo tiene que estar muy bien preparado, muy alerta para cantar. Hay situaciones en las cuales, por ejemplo, cuando juego fútbol, después de jugar la voz está altísima. Corrí una hora jugué y después puedo cantar. Y no sientes nada acá porque el aire ha influido tanto corriendo que la voz ya está ahí arriba.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Hay un cantante, Luca Pisaroni, que tiene su soga y antes de cantar se pone a saltar. Y los mejores cantantes son aquellos, ahora me viene Piero Cappuccilli por ejemplo, la postura que tenían y ese control del respiro que te da después el legato, el agudo fácil. Pienso mucho también en barítonos, en muchos bajos que tienen ese control. </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">El canto atlético es muy relajado, hay veces que estoy en mi estudio y canto y es una terapia. Después de estudiar una hora, me siento como si hubiera hecho una clase de yoga o tai chi porque es eso, aire, energía que mueve y que cuando cantas gozando y te sientes bien porque el cuerpo está bien, no te duele nada, ni el estómago. Es una especie de terapia y en conciertos también debería ser así.</span></span></span></span></p>
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<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>Con respecto a esto que hablábamos del disco, pienso que siempre es un riesgo para los cantantes líricos cuando incursionan en la música popular, porque quizás el público popular dice “Está demasiado impostado” y el público del lírico dice “Es demasiado popular” ¿Vos cómo lo vivís?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Uno debe pensar y grabar como se siente. A estas alturas de mi carrera he tomado muchas decisiones: los discos que quiero hacer, las óperas que quiero hacer, proyectos, estrategias y todo eso. En el disco pensé solamente en cantar porque si piensas “</span><em>está muy impostado esto o muy popular</em><span style="background-color:transparent">” no llegas a ningún sitio, no eres verdadero contigo mismo, no eres fiel a lo que quieres. Quería cantar y transmitir y repito: si no hubiese habido esa experiencia de los bises después de los conciertos quizás no habría disco y no hubiese encontrado esa forma de cantar menos impostada, más popular. Después de los conciertos fue como un estudio para hacer ese disco, fue una razón, una consecuencia. Si haces las cosas así, naturalmente, ya hay una razón para hacer un disco mejor que si no lo has vivido y no lo sientes.</span></span></span></span></p>
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<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>Hay una versión de Volver, que sin ser una versión tradicionalmente tanguera, es muy buena ¿Hay algún disco de tango en el futuro?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Me encantan las canciones de Gardel porque tienen unas melodías y letras súper lindas. Mi siguiente disco popular tendrá que ser de música peruana ya que comienza el bicentenario de la Independencia que es en 2021. Me encantaría hacer un disco de Gardel, pero claro, el tango es también como la ópera, como Rossini o Verdi, donde hay toda una serie de leyes, convenciones y gente que dice “</span><em>no, no se hace así</em><span style="background-color:transparent">” y entonces es también un terreno difícil y complicado. Hay que entender y saber. </span></span></span></span></p>
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<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>¿Cuáles son los principales desafíos que encontrás con un instrumento como el tuyo, con tus características, con esa facilidad para los agudos y el desarrollo de un centro también muy interesante?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">En el canto todo es milimétrico: si cambias una cosa demasiado acá, se escucha y tiene que ser todo muy mental. Los cambios son casi pensados y ahí un poco está haber encontrado toda la facilidad del mundo, en mentalizar casi todo, pensarlo. Cuando hago un rol nuevo siempre es una incógnita. </span><em>Werther</em><span style="background-color:transparent"> es una ópera que han cantado todos los grandes tenores y nunca hubiese pensado años antes que la hubiera cantado. Primero la hice en París, pero en forma de concierto para estudiarla y poder tenerla en garganta. Las críticas fueron muy buenas y eso me dio alivio porque no sabía cómo reaccionarían los parisinos. Pero después la hice en Bologna y ahí me sentí más inseguro porque los italianos tienen la última palabra en el juicio sobre los cantantes. </span><span style="background-color:transparent">M</span><span style="background-color:transparent">e dije: “</span><em>aquí voy a actuar, haré Werther, no me importa el público</em><span style="background-color:transparent">”. Y en esta interiorización terminó la ópera y hubo un gran aplauso. Después pasó lo mismo con Hoffmann que es un poquito más complicado. Entonces, pasar por todas estas óperas y después volver a Rossini, que es más encantable, es bonito porque siempre fue mi sueño: seguir cantando Rossini y cantar este repertorio romántico que normalmente no se ha hecho. </span></span></span></span></p>
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<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>Dijiste en una entrevista que la “</strong><em>ópera era algo más bien restringido a la gente que estaba acostumbrada a ir al teatro, pero hoy ya es más conocido el género</em><strong>” ¿Qué se puede hacer para acercar al nuevo público?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">A quien le gusta la ópera, le gusta o no. No necesariamente si llevas al joven al teatro le va a gustar, es algo que tiene que ver con tu sensibilidad. Nunca la había escuchado en mi casa y cuando entré al Conservatorio dije “</span><em>esto es lo que quiero hacer</em><span style="background-color:transparent">”, pero no siempre pasa así. Me gustó, me conquistó inmediatamente y no tiene que ver con tu nivel social, económico o educacional. Lo importante es que el joven tenga un contacto para ver si le gusta o no. Llevarlo a la ópera. Hay funciones en teatros donde se invitan a los colegios, en distintas universidades, programas donde la ópera puede ir a colegios para representaciones, actos, conciertos. Todas estas cosas ayudan, como los programas de comunicación y marketing de los teatros que incentivan, hacen campañas.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Está en sus manos que la ópera llegue y el joven tenga un acercamiento, un primer contacto.</span></span></span></span></p>
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<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>¿Y qué fue lo que te atrapó puntualmente a vos?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Me gustaba lo que podía hacer con mi voz, lo que me enseñaban lo ponía en práctica y me gustaba como sonaba en mi cara, en mi voz y después muchos de los cassettes que obtenía de Pavarotti, Kraus y me preguntaba: </span><em>“¿cómo se puede cantar así?”</em><span style="background-color:transparent">. Me gustaba el sonido de los agudos, los fraseos, ese sonido timbrado y bonito del canto. Eso me conquistó y quería cantar así. </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Me acuerdo yendo al Conservatorio con mis audífonos y el walkman escuchando e imaginándome en el teatro cantando como Pavarotti, Kraus o Carreras. Fue el sonido de la música de ópera y de la música en general. Cuando entré al Conservatorio casi poco tiempo después entré al Coro Nacional y empecé a cantar todas las canciones, las piezas corales más importantes, de Bach, Beethoven, Mozart y de ahí al poco tiempo empecé a hacer solos de esas misas y cantatas. </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Eso también me conquistó, estar en medio de ese mar de sonido que es una orquesta sinfónica o con el coro o ser solista y estar ahí metido en esa belleza, en esa sopa.</span></span></span></span></p>
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<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>¿Cuándo llegaste al teatro, a la primera ópera, recordabas esos momentos de estudiante, de caminar con tus auriculares escuchando ópera?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Sí, claro. En Perú estuve tres años. Pero en realidad todavía no sabía mucho de ópera ni tampoco aprendí demasiado y no era un fanático. Seguía en la música popular y sabía lo que hacía en el coro o lo que el coro cantaba en las óperas que se hacían en Lima como </span><em>La flauta mágica</em><span style="background-color:transparent">, entonces estaba dentro de la ópera como corista. Luego, cuando fui a Filadelfia hacía las óperas que tenía que representar y conocí otras. La primera fue </span><em>Capuletos y Montescos</em><span style="background-color:transparent">, luego el </span><em>Barbero de Sevilla</em><span style="background-color:transparent">. Y como el ritmo ahí en Filadelfia eran tan frenético me dedicaba solo a aprender esas óperas y cantarlas. </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Tenía 20 años e inmediatamente debuté en Europa sin todavía hacerme una cultura de ópera y empecé a cantarlas mientras las iba descubriendo. </span><span style="background-color:transparent">Mientras avanzaba en la carrera, l</span><span style="background-color:transparent">as piezas me sorprendían y conquistaban. Es como si has vivido en una ciudad muy simple y de repente vas a Dubai o Sídney o New York. Así eran las emociones que vivía y siempre decía: “</span><em>que privilegiado que soy de poder estar aquí</em><span style="background-color:transparent">”. </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Cuando terminé el Conservatorio en Filadelfia en 1996 estaba en la Scala de Milán en un palco y dije, como una meta que me trazaba: “</span><em>aquí cantaré en 10 años, vas a ver</em><span style="background-color:transparent">”. Y después de seis meses estaba debutando en la Scala y cuando lo hacía decía “</span><em>guau, estoy aquí en la Scala</em><span style="background-color:transparent">”. Y luego </span><span style="background-color:transparent">vinieron </span><span style="background-color:transparent">otros grandes teatros. Así iba descubriendo estos mundos y esta belleza de la música adecuándome a cada situación. </span></span></span></span></p>
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</p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>Contanos un poco acerca de Sinfonía del Perú ¿Cómo surge este gran proyecto?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Fui a Venezuela porque me invitaron a hacer un concierto con Gustavo Dudamel en Caracas y ya sabía y tenía información sobre el Sistema de Orquestas porque me interesaba mucho. Llamé a Miguel Molinari para que también viniese y de la mano de Dudamel fuimos conociendo diferentes núcleos y partes del país. Era una emoción después de otra. Eran golpes realmente porque nos mostraban cómo la música podía cambiar la vida de los más pobres comenzando por los niños. Se podía transformar la sociedad y me dije: “</span><em>esto es increíble</em><span style="background-color:transparent">”, porque a la música la conocía como difusión de belleza, como algo cultural. Canto, emociono a la gente y se acabó. Aquí no, era ver cómo la música puede transformar la sociedad, salvar, rescatar y proteger a los niños de las drogas, la prostitución, el trabajo infantil, etc. Y me dije: “</span><em>esto lo tengo que hacer en Perú</em><span style="background-color:transparent">”. Inmediatamente nos pusimos a trabajar y en 2011 fundamos oficialmente </span><em>Sinfonía por Perú</em><span style="background-color:transparent"> y hace poco hicimos un concierto por los primeros siete años. Siete siempre ha sido un número importante y demostramos y representamos en ese concierto, que lo tenemos grabado y saldrá en dvd, como los niños desde los más pequeños hasta los más grandes tocan.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Tenemos más de 7.000 niños y jóvenes en </span><em>Sinfonía por Perú</em><span style="background-color:transparent">. Tenemos una orquesta juvenil que representa a todos los núcleos y tocan maravillosamente Mahler, Tchaikovsky, Beethoven, etc. Realmente han avanzado muchísimo, tocan en poco tiempo muy bien. No teniendo estima personal ni pública, siendo pobres y un poco abandonados por la sociedad, les das un instrumento, una familia, que es la orquesta y a ellos no los para nadie. Esa es la razón por la cual se vuelven también grandes personas y músicos. </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Hay muchas cosas que no me esperaba como tener una orquesta así que dentro de poco va a empezar a viajar por el mundo representando al Perú y esta filosofía, contando de qué se trata esto.</span></span></span></span></p>
<p style="text-align:justify"> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>Nos muestra cómo la música puede influir en la sociedad, cosa que no se creía mayormente y sin embargo es muy posible sacar a los chicos de lugares desfavorecidos y llevarlos a la belleza y la organización de vida de la música. </strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Sí, exactamente. La música clásica, en este caso, es parte de los chicos desde los cinco años</span>. <span style="background-color:transparent">Voy al </span><em>cliché </em><span style="background-color:transparent">de que la música clásica es para las élites y hay que ser educado, hay que haber crecido con la música clásica. Todo eso </span><span style="background-color:transparent">ha sido </span><span style="background-color:transparent">derrumbado con </span><em>Sinfonía por el Perú</em><span style="background-color:transparent"> porque para ellos es normal, como cualquier otra cosa, han crecido con eso, viven esa realidad como si fueran suyas y tocan Mozart como Chabuca Granda, como un Huayno andino, para ellos no hay diferencia. Es lo mismo. Es otra concepción de la música que lo ha hecho crecer.</span></span></span></span></p>
<p style="text-align:justify"> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>¿Cómo haces para congeniar tu actividad profesional como cantante y ese compromiso que tenés con el desarrollo de este proyecto?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Siempre estoy atento a todo lo que pasa en Perú, tengo una fantástica oficina donde hay gente incansable que son una razón también del éxito porque se necesita un equipo de gestión muy eficaz y desde Europa trabajo también para captar fondos</span><span style="background-color:transparent">.</span><span style="background-color:transparent"> He creado una asociación en Viena que se ocupa de </span><span style="background-color:transparent">recaudar </span><span style="background-color:transparent">en galas </span><span style="background-color:transparent">benéficas </span><span style="background-color:transparent">que</span><span style="background-color:transparent"> realizo </span><span style="background-color:transparent"> todos los años y también estoy siempre buscando nuevos donantes, patrocinadores. En todos los conciertos, recitales que doy</span><span style="background-color:transparent">,</span><span style="background-color:transparent"> en todo el mundo se habla de </span><em>Sinfonía por el Perú</em><span style="background-color:transparent">, la gente se entera, lo conoce y el proyecto se vuelve más internacional, un poco porque lo relacionan a mí que soy el presidente y lo llevo por el mundo. </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Hay que estar constantemente encima para que las cosas salgan. Y sobre todo siempre buscando nuevas ideas. Ahora, por ejemplo, obtuvimos que una universidad nos de títulos universitarios, porque ya nuestros chicos crecieron y nos dicen “</span><em>maestro ¿Ahora qué vamos a hacer?</em><span style="background-color:transparent">”. Tendremos también una academia: nos donaron un edificio enorme y construiremos. Estamos buscando aliados. Eso pasará. Son sueños que los tenemos ahí.</span></span></span></span></p>
<p style="text-align:justify"> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>Estás criando a tus hijos en Austria que es como la antítesis de Latinoamérica, pero asimismo estás muy comprometido con tu país y tus raíces, ¿qué no querrías que pierdan de su herencia latinoamericana y puntualmente peruana?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Ellos hablan español y alemán. Hablar español es ya bastante, luego conocen la música latinoamericana porque se las canto y la escuchan también. Este disco seguro se lo van a escuchar todo</span><span style="background-color:transparent">.</span><span style="background-color:transparent"> </span><span style="background-color:transparent">L</span><span style="background-color:transparent">os videos del concierto de </span><em>Sinfonía por el Perú</em><span style="background-color:transparent"> se los conocen de memoria, ven a los chicos de la orquesta que cantan El Alcatraz y entonces se saben esas canciones. Viven el mundo latinoamericano por mí. En casa comemos comida peruana, entonces ellos saben, están comunicados con mi familia. Eso no falta, hay gente peruana también en Viena. La música al final te da esa garantía para que no pierdas conexión con tu país.</span></span></span></span></p>
<div> </div>
<p><iframe frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/kSL73lvb0-E" width="560"></iframe></p>
<p><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000">Encontrá esta entrevista en la revista impresa+online <strong>MusicaClasicaBA</strong> Nº9: http://bit.ly/38633yf</span></span></p>
title“La técnica debe servir a la expresividad de la música” Entrevista a Avi Avital
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categoryentrevista
short_descEl jueves 22 se presenta en el Teatro Coliseo el virtuoso mandolinista Avi Avital junto a la Orquesta De Cámara L´arte Del Mondo con Werner Ehrhardt como Director. Desde MCBA conversamos con el talentoso músico israelí para conocer más sobre su vida, su música y su particular instrumento.
description<p style="text-align:center"><img alt="" src="/src/media/images/Agenda/avi.jpg" style="height:449px; width:800px" /></p>
<blockquote>
<p style="text-align:center"><strong><span style="color:#000000"><span style="font-size:16px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">El jueves 22 se presenta en el Teatro Coliseo el virtuoso mandolinista Avi Avital junto a la Orquesta De Cámara L´arte Del Mondo con Werner Ehrhardt como Director. Desde MCBA conversamos con el talentoso músico israelí para conocer más sobre su vida, su música y su particular instrumento.</span></span></span></strong></p>
</blockquote>
<p style="text-align:justify"> </p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><strong><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Por Maxi Luna.</span></span></strong></span></p>
<p style="text-align:justify"> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>¿Cuáles son tus primeros recuerdos con la música?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Hay dos recuerdos distintos que tengo con la música, uno es a muy temprana edad y además es la anécdota favorita de mi madre en las reuniones familiares como un mito, pero que también tiene algo de verdad, y es que ya desde que era un bebé mis juguetes favoritos eran instrumentos musicales, tambores de plástico, flautas y ese tipo de cosas que hacen ruidos y música. </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">En relación a la música clásica, recuerdo tener 4 o 5 años, en nuestra casa teníamos un reproductor de discos y había un vinilo que realmente me gustaba mucho escuchar: “Las 4 estaciones” de Vivaldi. Recuerdo que mi favorito absolutamente era “El invierno” y siempre pedía que lo pusieran. Más tarde cuando crecí escuché la obra en concierto y estaba bastante confundido porque lo que pensaba que era el Invierno descubrí que en realidad era el “Verano”. Si puedes recordar el “Verano” está lleno de tormentas, el tercer movimiento es todo acerca de una terrible tormenta, con truenos y viento. Es increible como Vivaldi puso esto en música de manera que uno realmente puede sentir la tormenta. Yo como un niño de 4 años, creciendo en Beerseba, en la parte sur de Israel, nunca vi una lluvia en verano, allí solo se produce en invierno y es por esto que, incluso sin saber que Vivaldi escribió intencionalmente sobre una tormenta, para mí era definitivamente el Invierno y lo seguí creyendo </span></span></span></span><span style="color:rgb(0, 0, 0); font-family:verdana,geneva,sans-serif; font-size:14px">cada vez que la escuchaba,</span><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent"> hasta que tuve 16 años por lo menos.</span></span></span></span></p>
<p> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>¿Cómo y cuándo empezaste a estudiar música? ¿Cómo llegaste a la mandolina?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Comencé a tocar la mandolina a los 8 años. Tenía un vecino que tocaba el instrumento y al que yo siempre escuchaba, y me enamoré de su dulce sonido. Por eso fue uno de los primeros instrumentos musicales que conocí y creo que fue algo que les pedí mis padres. Comenzó como una actividad después de la escuela en el conservatorio local. Dos años más tarde ingresé a la orquesta de mandolinas juvenil. Así fue como comenzó mi amor por la música y por la mandolina.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>¿Qué aprendizajes te dieron tus profesores?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Siempre fui bendecido por maestros realmente asombrosos, esa es la clave en todo músico profesional. Estoy seguro de que todos recuerdan a un maestro o a varios maestros, que los hayan influenciado de manera crucial para convertirse en músicos. Hasta que cumplí los 23 años mis maestros ni siquiera eran intérpretes de mandolina, sabían un poco del instrumento, pero eran en realidad violinistas. No había profesores de mandolina en la institución en la que estudié en Jerusalem así que fue un profesor de violín el que me guió a través de la carrera. Tocaba repertorio de violín en la mandolina, así que lo más importante que aprendí no fueron para nada cuestiones técnicas sino los aspectos musicales, como el fraseo, los elementos poéticos, lo que representa el corazón de la música, lo que considero más importante que la técnica. Me enseñaron cómo expresar la música, como una poesía o una pintura y usar todas estas referencias de otras artes para comprender de manera realmente profunda el significado de la experiencia artística que le brindas al oyente. </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Luego como tenía que expresar todas estas cosas tuve que desarrollar la técnica, como algo muy importante también, pero que para mí está en segundo lugar y que debe servir a la expresividad de la música.</span></span></span></span></p>
<p> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>¿Cómo describirías tu instrumento?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">La Mandolina tiene una voz muy dulce. Si miramos a la familia de instrumentos de cuerda pulsada descubrimos que a cada lugar que vayamos, cada cultura, cada música, tan ancestral como pueda ser, tiene instrumentos de cuerda, parientes lejanos de la Mandolina, como el principal instrumento melódico, como el Citar en la música india, el Buzuki en la música griega, la Balalaika en rusia, el Pipa en china, el Tar en persia, en sudamérica ustedes tienen el Charango, el Tres. La razón de esto es que siempre en la evolución de los instrumentos musicales el concepto de los de cuerda pulsada es muy intuitivo, muy inmediato y para mí es muy encantador. Pulsas la cuerda y el sonido emerge, lo veo incluso con los niños como se maravillan con la posibilidad de hacer música de manera inmediata, a diferencia quizás de un instrumento de viento o de arco con los que realmente tenés que saber cómo producir un buen sonido. </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">La mandolina tiene también muchos secretos, por todas estas referencias ancestrales, que todavía están por ser descubiertos completamente. Disfruto el hecho de que no sea todavía un instrumento tan familiar en las salas de concierto como el piano o el violín, lo que me da la oportunidad de ofrecer a las audiencias un sonido realmente nuevo y fresco que quizás no escucharon anteriormente.</span></span></span></span></p>
<p> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>¿Qué nos podés decir sobre el tiempo que pasaste estudiando en Italia?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Fui a italia cuando tenía 23 años, luego de graduarme del conservatorio. Como comentaba antes mis maestros eran violinistas, así que decidí ir a italia a investigar el repertorio y las técnicas tradicionales. Encontré un maestro para adquirir esa pieza del rompecabezas que me faltaba para ser un profesional de la Mandolina. </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Vivir en Italia fue una experiencia formativa en mi vida, es un lugar en el que la belleza y la estética tienen un alto valor y son algo natural en la vida de todos. Eso se ve en la arquitectura, los edificios, la naturaleza, todo es hermoso, la moda, la comida. En todo, la estética y la belleza aparecen muy presentes en la gente y en el día a día. Eso para un músico, para un artista en general, es muy importante, ya que uno de los aspectos de ser artista es la continua tarea de buscar la belleza y crearla. Así que este elemento fue muy importante en la formación. Todo en definitiva me sirvió para convertirme en un artista en esa época de mi vida.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>¿Fue difícil abrirse camino en el mundo clásico con un instrumento que no está muy asociado con él?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Yo preferiría usar la palabra desafiante porque enfrente mío tambien estaban todas las ventajas de convertirme en un intérprete profesional de Mandolina. Cuando comencé ningún productor, director de teatro, manager de orquesta, pensaba “</span><em>debemos tener a un mandolinista tocando con nosotros</em><span style="background-color:transparent">”. Nadie estaba esperando que yo fuera a tocar, por lo que tuve que iniciar muchos de los proyectos yo mismo. Ahora, gracias a Dios, es un poco diferente, pero todos estos desafíos fueron finalmente una bendición, los veo como ventajas y no como desventajas porque tuve la oportunidad de ofrecer algo que era nuevo en la sala de concierto, que era fresco en el contexto de una forma de arte bastante tradicional en la música clásica, y me forzó a mí a ser muy creativo y muy proactivo acerca de los proyectos que hago. </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Sé que tengo una doble responsabilidad como intérprete de mandolina, más que cualquier pianista o violinista, de realmente crear una performance superlativa para la audiencia, si me dan su confianza, liberan su tarde, compran su ticket y contratan a una niñera para poder ir a un concierto de mandolina, realmente debe ser especial. Sentía, y aun siento, esa responsabilidad en un cien por ciento cada vez que doy un concierto. Tiene que ver desde luego con el hecho de que la Mandolina es un instrumento inusual y tengo la responsabilidad en mis hombros de probar al mundo y darles una experiencia de alta calidad musical con este instrumento.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><iframe frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/XWJd54J8iqk" width="560"></iframe></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>No hay mucho repertorio original dedicado al instrumento en la música clásica, además de Vivaldi, pero haces muchos arreglos y también encargaste piezas originales. ¿Qué nos podés contar sobre esto?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Eso es verdad, no hay mucho repertorio original para Mandolina en música clásica. El compositor más famoso en escribir para el instrumento fue Vivaldi quien compuso dos conciertos, Beethoven compuso 4 pequeñas sonatas, Mozart escribió un aria en “Don Giovanni”, y eso es casi todo en relación a los grandes compositores. En la historia de la música clásica la Mandolina fue considerado un instrumento más amateur o de salón y no de concierto, es por eso que los grandes nombres de los compositores que conocemos no escribieron para el instrumento. Hay música escrita pero por compositores menores que no figuran en los libros de historia. Eso significa que la mayor parte de mi vida he interpretado arreglos de piezas escritas para otros instrumentos. Interpreto compositores como Bach, al cual lo tocó en casi cada concierto desde que empecé en la música. Por supuesto su música es divina y su absolutidad le permite ser ejecutada en distintos instrumentos y tener el mismo impacto. Así que arreglar es algo que hago bastante a menudo. </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Además de eso y el poco repertorio escrito para la mandolina, también toco mucha música contemporánea, he encargado más de 100 obras nuevas para el instrumento, como solista, conciertos o música de cámara. Espero poder corregir estos vacíos históricos en los que los compositores no consideraban a la Mandolina como un instrumento de concierto. Ahora a partir de este momento, los compositores vivos, también de gran importancia, están escribiendo para él instrumentos y la están considerando como un instrumento de concierto. Espero que esto contribuya a una masa crítica de repertorio de alta calidad artística para las generaciones venideras. </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>Sos muy activo en la grabación de música, ¿que podés contar sobre este aspecto tuyo? ¿Qué buscas cuando decidís hacer un nuevo álbum? ¿Cuáles son tus próximos proyectos?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Por supuesto es una parte muy importante de mi trabajo documentar y hacer accesible musica hermosa a mucha gente para que la escuche alrededor del mundo. Igualmente existe una gran diferencia en la experiencia de escuchar música en vivo en un concierto y hacerlo a través de una grabación, en tu hogar, manejando o yendo al gimnasio. Mi actividad principal sigue siendo la realización de conciertos. Creo que es una experiencia artística que tiene un valor mucho mayor al de escuchar una grabación. La diferencia entre la música grabada y en vivo es algo así como la diferencia entre el teatro y el cine. En un concierto, en una situación en vivo, el material, la energía con la que él intérprete trabaja es la audiencia; los oyentes son una parte activa, aunque sólo se sienten en silencio y no se sientan necesariamente como parte, lo son. Esto hace que cada velada sea única y especial. </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">La grabación es algo más artificial, grabás pequeñas piezas y luego las editás para mejorarlas, y por supuesto los detalles en la grabación son mucho más importantes. Por ejemplo si tomamos de nuevo la diferencia entre cine y teatro, en teatro el pestañeo de un ojo de un actor es algo que no ves de acuerdo a donde estés sentado pero en el cine, si hay un close up, cada pequeño movimiento de la cara tiene una expresión y un significado que puede ser usado por actor, el director o el editor. En las grabaciones, siguiendo este ejemplo, cuando hago música barroca pretendo que todos los pequeños elementos estén más ornamentados y en general hay mucho más énfasis en los detalles. También tenés la oportunidad de producir cosas que en la sala de concierto pueden pasar de largo a diferencia de si tenés auriculares cerca de tus oídos.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Documentar mi trabajo y hacerlo accesible es algo extremadamente importante. Yo mismo disfruto escuchando música grabada tanto como ir a conciertos. </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>Hace unos años te vi tocar en Buenos Aires en un evento poco convencional, con djs, música electrónica, bebidas, algo muy raro para la música clásica, pero me pareció muy interesante. ¿Te gusta experimentar, fusionar estilos y mundos? </strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">El evento es algo llamado “Yellow lounge” y fue arreglado por Universal Music y la Universidad para las Artes, que honestamente ahora no recuerdo el nombre (</span><em>Se refiere a la Universidad Nacional de San Martín</em><span style="background-color:transparent">). Se trataba de ofrecer música clásica de una manera diferente en un ambiente distinto y alternativo. Era un lugar más parecido a una discoteca, porque era un ambiente estimulante y no solo para los oídos sino también visualmente, con video arte y diseño de luces. Era muy especial. La atmósfera era más alternativa, la gente podía socializar y escuchar música clásica, no en el formato que quizás alguna gente joven podría encontrar un poco aburrido, rígido o fuera de tiempo. </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Estas son cosas que por supuesto me gusta mucho hacer y también asistir. Creo que la música por sí misma es poderosa así que cuando llega a los oídos de los oyentes tiene un impacto y es hermosa. El contexto de la ceremonia de escuchar un concierto de la manera tradicional en que lo conocemos es en la sala de conciertos, con los códigos, la ceremonia de la gente que sube al escenario, no aplaudir entre movimientos, los músicos saludan empiezan a tocar, cuando terminan se aplaude, etc. También hay códigos acerca de la ropa, de la audiencia y definitivamente de los músicos, especialmente si se trata de una orquesta, y así en general. Esta es la forma tradicional, pero toda otra forma por supuesto es interesante. Ver que cuando rompes estas reglas y lo ofreces de manera diferente o en un contexto diferente, con códigos distintos, puede atraer a audiencias distintas y realmente cambiar la experiencia, y si está bien hecho entonces cambia para bien. Así que me encantó hacerlo y tengo grandes recuerdos de esa experiencia. </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>¿Qué van a descubrir las personas que no están tan familiarizadas con vos en tus próximos conciertos en Buenos Aires?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Bueno espero que disfruten el concierto (risas). Creo que para la mayoría de la gente, sino me equivoco, será la primera vez que vean a una Mandolina junto a una orquesta en vivo tocando música clásica y espero que disfruten este descubrimiento. La Mandolina es un instrumento hermoso, muy poco familiar, además probablemente escuchen piezas que quizás conozcan muy bien, como el Concierto para violín en La menor de J.S.Bach o el Concierto para laúd en Re mayor de Vivaldi. Son obras famosas que algunos reconocerán muy rápidamente pero por supuesto en la Mandolina. Espero ofrecerle a la audiencia un punto de vista diferente, de escuchar estas obras con este sonido tan particular en vez del violín o el laúd. En definitiva ofrecer una escucha fresca de obras muy familiares.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"> </p>
<p> </p>
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<h2><strong>ORQUESTA DE CÁMARA L´ARTE DEL MONDO. Con Werner Ehrhardt como Director, y Avi Avital en mandolina.</strong></h2>
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</td>
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</tbody>
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<h2><em>JUEVES 22 DE AGOSTO A LAS 20.30 HS. EN EL TEATRO COLISEO.</em></h2>
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</div>
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<table align="left" cellpadding="0" cellspacing="0" class="m_-8185064086966835865full m_-8185064086966835865middle m_-8185064086966835865table-4 m_-8185064086966835865text" id="m_-8185064086966835865" style="background-color:rgb(231, 230, 235); border-collapse:collapse; border-spacing:0px; border-style:none; clear:both; color:rgb(34, 34, 34); font-family:roboto,robotodraft,helvetica,arial,sans-serif; font-size:small; min-width:100%; table-layout:fixed; width:590px">
<tbody>
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<td>
<div class="m_-8185064086966835865module m_-8185064086966835865text" dir="ltr">
<p><strong>PROGRAMA</strong> <br />
Sinfonía en La mayor, de Sammartini.</p>
<p>Concierto RV 93 en Re mayor para mandolina y orquesta, de Vivaldi.</p>
<p>Concerto grosso Nr.5 en Re mayor op. 6, de Dall´Abaco.</p>
<p>Concierto para violín, cuerdas y bajo contínuo en la menor, BWV 1041 de Bach.</p>
<p>Sinfonía Nº10 para cuerdas en si menor, de Mendelssohn-Bartholdy.</p>
<p>Ciaconna para Partita para violín en re menor BWV 1004 (solo de Mandolina), de Bach.</p>
<p>Danzas Rumanas (6) BB 68, Sz.56 de Bartók (arreglo para Mandolina y Orquesta, de Avi Avital).</p>
<p>Danzas Españolas para mandolina y orquesta (arreglo de Avi Avital), de Falla.</p>
<p><a href="https://www.ticketek.com.ar/orquesta-de-camara-larte-del-mondo/teatro-coliseo">https://www.ticketek.com.ar/orquesta-de-camara-larte-del-mondo/teatro-coliseo</a></p>
</div>
</td>
</tr>
</tbody>
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<hr />
<div> </div>
<p style="text-align:justify"> </p>
<p> </p>
description<p>Gestión de módulos en el Panel de Control</p>
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description<p>Listado de configuraciones generales</p>
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description<p>Módulo para gestión de usuario en el Panel de Control</p>
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titleGuía Musical
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description<p>Productos o servicios ofrecidos</p>
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titleCategorías
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description<p>Categorías</p>
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description<p>Gestión de items para el calendario. Agenda.</p>
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description<p>Items para el shop de MBCA</p>
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