“La técnica debe servir a la expresividad de la música” Entrevista a Avi Avital
El jueves 22 se presenta en el Teatro Coliseo el virtuoso mandolinista Avi Avital junto a la Orquesta De Cámara L´arte Del Mondo con Werner Ehrhardt como Director. Desde MCBA conversamos con el talentoso músico israelí para conocer más sobre su vida, su música y su particular instrumento.
Por Maxi Luna.
¿Cuáles son tus primeros recuerdos con la música?
Hay dos recuerdos distintos que tengo con la música, uno es a muy temprana edad y además es la anécdota favorita de mi madre en las reuniones familiares como un mito, pero que también tiene algo de verdad, y es que ya desde que era un bebé mis juguetes favoritos eran instrumentos musicales, tambores de plástico, flautas y ese tipo de cosas que hacen ruidos y música.
En relación a la música clásica, recuerdo tener 4 o 5 años, en nuestra casa teníamos un reproductor de discos y había un vinilo que realmente me gustaba mucho escuchar: “Las 4 estaciones” de Vivaldi. Recuerdo que mi favorito absolutamente era “El invierno” y siempre pedía que lo pusieran. Más tarde cuando crecí escuché la obra en concierto y estaba bastante confundido porque lo que pensaba que era el Invierno descubrí que en realidad era el “Verano”. Si puedes recordar el “Verano” está lleno de tormentas, el tercer movimiento es todo acerca de una terrible tormenta, con truenos y viento. Es increible como Vivaldi puso esto en música de manera que uno realmente puede sentir la tormenta. Yo como un niño de 4 años, creciendo en Beerseba, en la parte sur de Israel, nunca vi una lluvia en verano, allí solo se produce en invierno y es por esto que, incluso sin saber que Vivaldi escribió intencionalmente sobre una tormenta, para mí era definitivamente el Invierno y lo seguí creyendo cada vez que la escuchaba, hasta que tuve 16 años por lo menos.
¿Cómo y cuándo empezaste a estudiar música? ¿Cómo llegaste a la mandolina?
Comencé a tocar la mandolina a los 8 años. Tenía un vecino que tocaba el instrumento y al que yo siempre escuchaba, y me enamoré de su dulce sonido. Por eso fue uno de los primeros instrumentos musicales que conocí y creo que fue algo que les pedí mis padres. Comenzó como una actividad después de la escuela en el conservatorio local. Dos años más tarde ingresé a la orquesta de mandolinas juvenil. Así fue como comenzó mi amor por la música y por la mandolina.
¿Qué aprendizajes te dieron tus profesores?
Siempre fui bendecido por maestros realmente asombrosos, esa es la clave en todo músico profesional. Estoy seguro de que todos recuerdan a un maestro o a varios maestros, que los hayan influenciado de manera crucial para convertirse en músicos. Hasta que cumplí los 23 años mis maestros ni siquiera eran intérpretes de mandolina, sabían un poco del instrumento, pero eran en realidad violinistas. No había profesores de mandolina en la institución en la que estudié en Jerusalem así que fue un profesor de violín el que me guió a través de la carrera. Tocaba repertorio de violín en la mandolina, así que lo más importante que aprendí no fueron para nada cuestiones técnicas sino los aspectos musicales, como el fraseo, los elementos poéticos, lo que representa el corazón de la música, lo que considero más importante que la técnica. Me enseñaron cómo expresar la música, como una poesía o una pintura y usar todas estas referencias de otras artes para comprender de manera realmente profunda el significado de la experiencia artística que le brindas al oyente.
Luego como tenía que expresar todas estas cosas tuve que desarrollar la técnica, como algo muy importante también, pero que para mí está en segundo lugar y que debe servir a la expresividad de la música.
¿Cómo describirías tu instrumento?
La Mandolina tiene una voz muy dulce. Si miramos a la familia de instrumentos de cuerda pulsada descubrimos que a cada lugar que vayamos, cada cultura, cada música, tan ancestral como pueda ser, tiene instrumentos de cuerda, parientes lejanos de la Mandolina, como el principal instrumento melódico, como el Citar en la música india, el Buzuki en la música griega, la Balalaika en rusia, el Pipa en china, el Tar en persia, en sudamérica ustedes tienen el Charango, el Tres. La razón de esto es que siempre en la evolución de los instrumentos musicales el concepto de los de cuerda pulsada es muy intuitivo, muy inmediato y para mí es muy encantador. Pulsas la cuerda y el sonido emerge, lo veo incluso con los niños como se maravillan con la posibilidad de hacer música de manera inmediata, a diferencia quizás de un instrumento de viento o de arco con los que realmente tenés que saber cómo producir un buen sonido.
La mandolina tiene también muchos secretos, por todas estas referencias ancestrales, que todavía están por ser descubiertos completamente. Disfruto el hecho de que no sea todavía un instrumento tan familiar en las salas de concierto como el piano o el violín, lo que me da la oportunidad de ofrecer a las audiencias un sonido realmente nuevo y fresco que quizás no escucharon anteriormente.
¿Qué nos podés decir sobre el tiempo que pasaste estudiando en Italia?
Fui a italia cuando tenía 23 años, luego de graduarme del conservatorio. Como comentaba antes mis maestros eran violinistas, así que decidí ir a italia a investigar el repertorio y las técnicas tradicionales. Encontré un maestro para adquirir esa pieza del rompecabezas que me faltaba para ser un profesional de la Mandolina.
Vivir en Italia fue una experiencia formativa en mi vida, es un lugar en el que la belleza y la estética tienen un alto valor y son algo natural en la vida de todos. Eso se ve en la arquitectura, los edificios, la naturaleza, todo es hermoso, la moda, la comida. En todo, la estética y la belleza aparecen muy presentes en la gente y en el día a día. Eso para un músico, para un artista en general, es muy importante, ya que uno de los aspectos de ser artista es la continua tarea de buscar la belleza y crearla. Así que este elemento fue muy importante en la formación. Todo en definitiva me sirvió para convertirme en un artista en esa época de mi vida.
¿Fue difícil abrirse camino en el mundo clásico con un instrumento que no está muy asociado con él?
Yo preferiría usar la palabra desafiante porque enfrente mío tambien estaban todas las ventajas de convertirme en un intérprete profesional de Mandolina. Cuando comencé ningún productor, director de teatro, manager de orquesta, pensaba “debemos tener a un mandolinista tocando con nosotros”. Nadie estaba esperando que yo fuera a tocar, por lo que tuve que iniciar muchos de los proyectos yo mismo. Ahora, gracias a Dios, es un poco diferente, pero todos estos desafíos fueron finalmente una bendición, los veo como ventajas y no como desventajas porque tuve la oportunidad de ofrecer algo que era nuevo en la sala de concierto, que era fresco en el contexto de una forma de arte bastante tradicional en la música clásica, y me forzó a mí a ser muy creativo y muy proactivo acerca de los proyectos que hago.
Sé que tengo una doble responsabilidad como intérprete de mandolina, más que cualquier pianista o violinista, de realmente crear una performance superlativa para la audiencia, si me dan su confianza, liberan su tarde, compran su ticket y contratan a una niñera para poder ir a un concierto de mandolina, realmente debe ser especial. Sentía, y aun siento, esa responsabilidad en un cien por ciento cada vez que doy un concierto. Tiene que ver desde luego con el hecho de que la Mandolina es un instrumento inusual y tengo la responsabilidad en mis hombros de probar al mundo y darles una experiencia de alta calidad musical con este instrumento.
No hay mucho repertorio original dedicado al instrumento en la música clásica, además de Vivaldi, pero haces muchos arreglos y también encargaste piezas originales. ¿Qué nos podés contar sobre esto?
Eso es verdad, no hay mucho repertorio original para Mandolina en música clásica. El compositor más famoso en escribir para el instrumento fue Vivaldi quien compuso dos conciertos, Beethoven compuso 4 pequeñas sonatas, Mozart escribió un aria en “Don Giovanni”, y eso es casi todo en relación a los grandes compositores. En la historia de la música clásica la Mandolina fue considerado un instrumento más amateur o de salón y no de concierto, es por eso que los grandes nombres de los compositores que conocemos no escribieron para el instrumento. Hay música escrita pero por compositores menores que no figuran en los libros de historia. Eso significa que la mayor parte de mi vida he interpretado arreglos de piezas escritas para otros instrumentos. Interpreto compositores como Bach, al cual lo tocó en casi cada concierto desde que empecé en la música. Por supuesto su música es divina y su absolutidad le permite ser ejecutada en distintos instrumentos y tener el mismo impacto. Así que arreglar es algo que hago bastante a menudo.
Además de eso y el poco repertorio escrito para la mandolina, también toco mucha música contemporánea, he encargado más de 100 obras nuevas para el instrumento, como solista, conciertos o música de cámara. Espero poder corregir estos vacíos históricos en los que los compositores no consideraban a la Mandolina como un instrumento de concierto. Ahora a partir de este momento, los compositores vivos, también de gran importancia, están escribiendo para él instrumentos y la están considerando como un instrumento de concierto. Espero que esto contribuya a una masa crítica de repertorio de alta calidad artística para las generaciones venideras.
Sos muy activo en la grabación de música, ¿que podés contar sobre este aspecto tuyo? ¿Qué buscas cuando decidís hacer un nuevo álbum? ¿Cuáles son tus próximos proyectos?
Por supuesto es una parte muy importante de mi trabajo documentar y hacer accesible musica hermosa a mucha gente para que la escuche alrededor del mundo. Igualmente existe una gran diferencia en la experiencia de escuchar música en vivo en un concierto y hacerlo a través de una grabación, en tu hogar, manejando o yendo al gimnasio. Mi actividad principal sigue siendo la realización de conciertos. Creo que es una experiencia artística que tiene un valor mucho mayor al de escuchar una grabación. La diferencia entre la música grabada y en vivo es algo así como la diferencia entre el teatro y el cine. En un concierto, en una situación en vivo, el material, la energía con la que él intérprete trabaja es la audiencia; los oyentes son una parte activa, aunque sólo se sienten en silencio y no se sientan necesariamente como parte, lo son. Esto hace que cada velada sea única y especial.
La grabación es algo más artificial, grabás pequeñas piezas y luego las editás para mejorarlas, y por supuesto los detalles en la grabación son mucho más importantes. Por ejemplo si tomamos de nuevo la diferencia entre cine y teatro, en teatro el pestañeo de un ojo de un actor es algo que no ves de acuerdo a donde estés sentado pero en el cine, si hay un close up, cada pequeño movimiento de la cara tiene una expresión y un significado que puede ser usado por actor, el director o el editor. En las grabaciones, siguiendo este ejemplo, cuando hago música barroca pretendo que todos los pequeños elementos estén más ornamentados y en general hay mucho más énfasis en los detalles. También tenés la oportunidad de producir cosas que en la sala de concierto pueden pasar de largo a diferencia de si tenés auriculares cerca de tus oídos.
Documentar mi trabajo y hacerlo accesible es algo extremadamente importante. Yo mismo disfruto escuchando música grabada tanto como ir a conciertos.
Hace unos años te vi tocar en Buenos Aires en un evento poco convencional, con djs, música electrónica, bebidas, algo muy raro para la música clásica, pero me pareció muy interesante. ¿Te gusta experimentar, fusionar estilos y mundos?
El evento es algo llamado “Yellow lounge” y fue arreglado por Universal Music y la Universidad para las Artes, que honestamente ahora no recuerdo el nombre (Se refiere a la Universidad Nacional de San Martín). Se trataba de ofrecer música clásica de una manera diferente en un ambiente distinto y alternativo. Era un lugar más parecido a una discoteca, porque era un ambiente estimulante y no solo para los oídos sino también visualmente, con video arte y diseño de luces. Era muy especial. La atmósfera era más alternativa, la gente podía socializar y escuchar música clásica, no en el formato que quizás alguna gente joven podría encontrar un poco aburrido, rígido o fuera de tiempo.
Estas son cosas que por supuesto me gusta mucho hacer y también asistir. Creo que la música por sí misma es poderosa así que cuando llega a los oídos de los oyentes tiene un impacto y es hermosa. El contexto de la ceremonia de escuchar un concierto de la manera tradicional en que lo conocemos es en la sala de conciertos, con los códigos, la ceremonia de la gente que sube al escenario, no aplaudir entre movimientos, los músicos saludan empiezan a tocar, cuando terminan se aplaude, etc. También hay códigos acerca de la ropa, de la audiencia y definitivamente de los músicos, especialmente si se trata de una orquesta, y así en general. Esta es la forma tradicional, pero toda otra forma por supuesto es interesante. Ver que cuando rompes estas reglas y lo ofreces de manera diferente o en un contexto diferente, con códigos distintos, puede atraer a audiencias distintas y realmente cambiar la experiencia, y si está bien hecho entonces cambia para bien. Así que me encantó hacerlo y tengo grandes recuerdos de esa experiencia.
¿Qué van a descubrir las personas que no están tan familiarizadas con vos en tus próximos conciertos en Buenos Aires?
Bueno espero que disfruten el concierto (risas). Creo que para la mayoría de la gente, sino me equivoco, será la primera vez que vean a una Mandolina junto a una orquesta en vivo tocando música clásica y espero que disfruten este descubrimiento. La Mandolina es un instrumento hermoso, muy poco familiar, además probablemente escuchen piezas que quizás conozcan muy bien, como el Concierto para violín en La menor de J.S.Bach o el Concierto para laúd en Re mayor de Vivaldi. Son obras famosas que algunos reconocerán muy rápidamente pero por supuesto en la Mandolina. Espero ofrecerle a la audiencia un punto de vista diferente, de escuchar estas obras con este sonido tan particular en vez del violín o el laúd. En definitiva ofrecer una escucha fresca de obras muy familiares.
ORQUESTA DE CÁMARA L´ARTE DEL MONDO. Con Werner Ehrhardt como Director, y Avi Avital en mandolina.
JUEVES 22 DE AGOSTO A LAS 20.30 HS. EN EL TEATRO COLISEO.
PROGRAMA
Sinfonía en La mayor, de Sammartini.
Concierto RV 93 en Re mayor para mandolina y orquesta, de Vivaldi.
Concerto grosso Nr.5 en Re mayor op. 6, de Dall´Abaco.
Concierto para violín, cuerdas y bajo contínuo en la menor, BWV 1041 de Bach.
Sinfonía Nº10 para cuerdas en si menor, de Mendelssohn-Bartholdy.
Ciaconna para Partita para violín en re menor BWV 1004 (solo de Mandolina), de Bach.
Danzas Rumanas (6) BB 68, Sz.56 de Bartók (arreglo para Mandolina y Orquesta, de Avi Avital).
Danzas Españolas para mandolina y orquesta (arreglo de Avi Avital), de Falla.
El jueves 5 de diciembre Nuova Harmonia cierra su temporada 2019 con una gala lírica a cargo del Programa de Jóvenes Artistas del Teatro Dell´Opera di Roma en el Teatro Coliseo. Desde MCBA conversamos con Eleonora Pacetti, fundadora y directora del Programa, acerca de este proyecto.
Desde MCBA conversamos con Daniel Romano, Coordinador Artístico del SODRE, sobre este importante acontecimiento cultural y la actualidad de la música clásica en su país, entre otros temas.
Entrevista a Laura Figueiras y Carla Rímola, dos coreógrafas emergentes, muy amalgamadas en el arte y en la vida. Ambas acaban de estrenar POLVAREDAL -obra seleccionada para participar del FIBA- donde replantean el lugar histórico de la mujer dentro de las convenciones arquetípicas del Folklore.
La principal función de MusicaClasicaBA es fomentar la interacción entre músicos, agentes del sector público y privado y el público en general, permitiendo afianzar los lazos culturales y artísticos de nuestra región.
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title“Promover la tradición italiana la lírica a las nuevas generaciones”. Entrevista a Eleonora Pacetti.
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description<p dir="ltr" style="text-align:center"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><img alt="" src="/src/media/images/Agenda/Ybaja%20asuko%20Kageyama_NUOVA%20HARMONIA%202019%20(1).jpg" style="height:400px; width:800px" /></span></span></p>
<blockquote>
<p dir="ltr" style="text-align:center"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="font-size:16px"><strong>El jueves 5 de diciembre a las 20:30 hs Nuova Harmonia cierra su temporada 2019 con una gala lírica a cargo del Programa de Jóvenes Artistas del Teatro Dell´Opera di Roma en el Teatro Coliseo. </strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:center"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="font-size:16px"><strong> Además contará con una función gratuita el día domingo 7 de diciembre.</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:center"> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:center"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="font-size:16px"><strong>Desde MCBA conversamos con Eleonora Pacetti, fundadora y directora del programa acerca de este proyecto.</strong></span></span></span></p>
</blockquote>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="font-size:14px"><strong>Por Maxi Luna.</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>Contanos un poco acerca de tu formación y experiencia artística...</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Mi primera formación fue como pianista. Me he graduado del Conservatorio Nacional de Bolonia, Italia. Luego hice un curso de especialización en Salzburgo y estudié también Canto Lírico en la Escuela de música Di Fiezole. Después de esas dos formaciones musicales, hice una formación en la Business School de la Universidad Poconi, de Milán, donde me gradué en Economía con una especialización en Management. </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Como experiencia artística, después de haber realizado conciertos como pianista, me especialicé en la preparación del repertorio italiano y francés para cantantes líricos. Con esta actividad de Coach para cantantes he trabajado mucho en Francia con cantantes que tenían que preparar audiciones o roles principales en los teatros franceses. También he trabajado mucho en la música antigua y barroca, preparando grupos de música para giras mundiales. </span></span></span></span></p>
<p> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>¿Cómo surge la idea de Fabbrica? ¿En qué consiste y cuáles son sus objetivos?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Empecé a trabajar en los teatros líricos cuando tenía 25 años y mi primera posición fue como asistente en la oficina que se ocupaba de los repartos en el Teatro L´Scalla de Milán. He trabajado como responsable de proyectos en la Academia del Teatro Comunal de Bolonia. </span></span></span></span><span style="background-color:transparent; color:rgb(0, 0, 0); font-family:verdana,geneva,sans-serif; font-size:14px">A partir de 2012 fui apuntada como responsable de repartos y de la programación artística para todo lo que estaba relacionado a la lírica en el Teatro Petruzzelli de Bari. Esa fue una experiencia muy importante para mí porque me ocupaba de escoger los cantantes, los directores y de seguir todos los aspectos prácticos y artísticos relativos a la programación de la lírica. Eso fue hasta el 2015 cuando me pidieron si podía mudarme a Roma para empezar un proyecto nuevo, que era el proyecto de la Academia que tenía que ser fundada porque no existía nada parecido. Esto era muy extraño porque en la capital italiana, todo el mundo espera que la ópera lírica tenga un gran valor nacional. Nuestra capital no tenía un programa de ópera para promover a los jóvenes, los campos de la música lírica. Por eso cuando el superintendente Carlos Duartes me preguntó si estaba interesada en empezar un proyecto nuevo, me pareció una oportunidad fantástica y opté por dejar mi trabajo en Bari para así lanzar esta nueva aventura.</span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">La idea de <strong>Fabbrica surge a partir de la necesidad de promover la tradición italiana de la ópera lírica a las nuevas generaciones</strong>, a través de un programa dedicado a la búsqueda de nuevos talentos y al ingreso en el mercado de esos talentos. Para divulgar este programa estudié mucho las programaciones de los teatros del mundo. Estudié el modelo de Londres, París, Milán, San Francisco, New York, Moscú y Alemania. Intenté tomar lo mejor de cada programa, pero lo que me parecía más importante de la idea de Fabbrica, eran dos cosas: La primera, Fabricca tenía que ser una parte del teatro y vivir dentro de allí. Nosotros estamos en el cuarto piso del teatro, no es una estructura separada. Los chicos seleccionados pueden participar de todas las actividades del teatro, de los ensayos, las funciones, y comparten con los artistas. Todo eso es parte de la formación. La segunda cosa, y para mí fundamental, era que Fabbrica no tenía que ser un programa de formación, sino un programa de inserción profesional. Como yo no vengo del mundo de la formación, mi experiencia era la de la programación, pensé que podía ser más útil darle a los estudiantes la perspectiva del mercado, más que la del estudio. </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">La filosofía de Fabbrica es que no es una escuela, sino que la gente seleccionada está considerada como jóvenes profesionales que se tienen que comportar como adultos independientes para llegar listos y preparados para las tareas que les doy. Es un cambio fundamental de filosofía y mentalidad. Es verdad que nosotros tenemos también cursos de especialización, pero más que cursos son encuentros con profesionales del escenario internacional que les dan a los alumnos una verdadera perspectiva del escenario, de alguien que trabaja en eso. Por este motivo, no son cursos en el sentido de escuela, l</span></span></span></span><span style="background-color:transparent; color:rgb(0, 0, 0); font-family:verdana,geneva,sans-serif; font-size:14px">a mayoría de las actividades no son de estudio sino de trabajo en el escenario. Cada uno de los cantantes que entra en el programa recibe un rol para cantar en el escenario. Normalmente arrancamos con roles pequeños y después pasan a los medianos. Luego, en el segundo año, les puedo atribuir también roles principales. Esas son las actividades principales de Fabbrica y hasta ahora ha funcionado muy bien porque he podido darle roles principales y han cantado roles muy difíciles como María Stuardo, Violeta de La Traviata. </span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="background-color:transparent; color:rgb(0, 0, 0); font-family:verdana,geneva,sans-serif; font-size:14px">Es un programa que cada dos años selecciona 15 talentos jóvenes que envían su candidatura desde cualquier lugar del mundo, de los cuales 8 son cantantes, tres pianistas, 1 director de escena, 1 de escenario, 1 de vestuario y 1 de luces. En la tercera edición se presentaron 680 candidaturas. </span><span style="background-color:transparent; color:rgb(0, 0, 0); font-family:verdana,geneva,sans-serif; font-size:14px">El objetivo es claro</span><span style="background-color:transparent; color:rgb(0, 0, 0); font-family:verdana,geneva,sans-serif; font-size:14px">: <strong>la inserción en la vida profesional</strong>, y eso se hace dando tareas </span><span style="background-color:transparent; color:rgb(0, 0, 0); font-family:verdana,geneva,sans-serif; font-size:14px">específicas y muy ambiciosas dentro de lo que pueden hacer en el teatro de la ó</span><span style="background-color:transparent; color:rgb(0, 0, 0); font-family:verdana,geneva,sans-serif; font-size:14px">pera.</span></p>
<p> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>¿Cómo se hizo la selección de los cantantes?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Para esta tercer edición hemos hecho una preselección con videos. Cada cantante tenía que enviar dos videos y luego junto con una colega seleccionamos la mitad. Los seleccionados fueron invitados a hacer una audición en vivo en el Teatro de la Ópera de Roma. Hemos buscado dos voces para cada voz. La sección de los cantantes era de aproximadamente cuatrocientos candidaturas, y nosotros seleccionamos a ocho personas.</span></span></span></span></p>
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<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>¿Cuáles son las cualidades que buscan?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Es difícil formalizar las cualidades que buscamos, pero la voz es la primera cualidad para los cantantes porque como somos un teatro bastante grande y tenemos que buscar voces que estén técnicamente formadas, de buen color y que se puedan utilizar en el escenario. Lo segundo es el talento musical, ya que no puedo trabajar con gente que solo utiliza la voz, sino que lo más importante es la musicalidad y la posibilidad realmente de trabajar sobre el estilo con los cantantes. </span></span></span></span><span style="background-color:transparent; color:rgb(0, 0, 0); font-family:verdana,geneva,sans-serif; font-size:14px">La tercera cosa que busco es muy importante y es la personalidad. Para ser más precisa, la cabeza, porque hoy en día, el talento y la voz significan el 50 o 60 por ciento pero el 40 restante lo hace la cabeza y la inteligencia. Si los cantantes no son inteligentes no entienden cómo funciona este mundo, no entienden cómo prepararse físicamente y psicológicamente para esta carrera y no logran obtener resultados. Hay una preparación de disciplina y de trabajo sobre ellos mismos a nivel psicológico y físico porque hoy la ópera no solo es un trabajo que se oye y se escucha, sino que se ve. En conclusión, son estas tres cosas. Por eso escojo artistas que sé que puedo utilizar en el escenario, para darles de esa forma más oportunidades.</span></p>
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<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>¿Cómo ves el panorama de la lírica actualmente?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Mi respuesta inmediata es que veo bien el panorama de la lírica. Estoy en contacto con muchísimos jóvenes que se dedican a este arte, que quieren seguir la ópera lírica como profesión, que invierten todo para hacer esto en la vida, y veo mucha pasión. Encuentro muchos talentos. <strong>Me parece que el panorama de la lírica está vivo y hay mucho talento</strong>. Me llama la atención que hay países en donde se encuentra más marginación. En este momento, por ejemplo, creo que Europa sigue produciendo buenos artistas pero el ex bloque soviético, es decir Europa del Este, está más motivados. Lo mismo creo de los jóvenes que vienen de América Latina. Encuentro una voluntad en los artistas que no encuentro en otros lados. Es importante recordar que para mí la música clásica siempre ha sido una posibilidad de empujar un ascensor social y la mayoría de los artistas de máximo nivel han venido de situaciones desfavorables. Es decir, <strong>la música clásica les ha dado la posibilidad de cambiar su destino</strong>. Siempre me gusta recordar lo que han hecho en Venezuela, con el sistema de la educación musical, que da la posibilidad a miles de jóvenes de estudiar. Se ve después de muchos años cuántos jóvenes han seguido carreras internacionales importantes. <strong>El futuro de la lírica es la posibilidad de valorizar el talento y una vez que encuentras el talento y la motivación, conseguir el triunfo.</strong></span></span></span></span></p>
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<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>¿Qué consejos le podés dar a los jóvenes que realizan sus primeros pasos?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">El consejo principal es darse cuenta inmediatamente que la carrera artística es de sacrificio y competencia. Hay que preguntarse de una manera clara y profunda si la persona está lista y dispuesta a sacrificar todo. El consejo es simplemente eso, hacer un autoanálisis bastante cruel con sí mismos, y si la respuesta es sí, entonces empezar inmediatamente a trabajar todos los aspectos necesarios para conseguir triunfar en esta carrera. </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">También la capacidad de cantar repertorios diferentes, la estética, la actuación y la musicalidad son las cosas que se evalúan hoy en día. La movilidad es muy importante en el sentido que un artista añade conocimiento si tiene la posibilidad de viajar, estudiar en diferentes países. La determinación también es fundamental y leer y tener cultura general sobre la música. Abrir la mente leyendo, mirando lo que hacen los mayores artistas del mundo, escuchándolos en teatro, y estudiar el repertorio lírico. Todos estos son consejos para distinguirse de la competencia y así estar listos para cuando llegue su momento. </span></span></span></span></p>
<p> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>¿Qué criterios se utilizaron para la programación de esta gala?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Esta gala que presentamos al Teatro Coliseo está formada por cuatro cantantes que acaban de graduarse en la segunda edición del programa Fabbrica y la pianista que se gradúa con ellos. El criterio ha sido uno que garantiza un concierto muy divertido y con mucho movimiento porque he seleccionado un cantante de cada voz. Eso me ha dado la posibilidad de insertar solos, dúos, tríos y cuartetos. Eso va a movilizar mucho. </span></span></span></span></p>
<p> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>¿Qué se va a encontrar el público que no conoce a estos jóvenes cantantes?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">El público se va a encontrar con dos cosas. El 5 de diciembre se van a encontrar con las áreas más conocidas del repertorio italiano y del repertorio francés. El 7 de diciembre en cambio se van a encontrar con un programa muy particular Italo Argentino que hemos construido en colaboración con el periodista Nelson Castro, que es quien va a hacer la presentación del concierto. Hemos escogido y seleccionado distintos partes de óperas importantes para Argentina. Por un lado, óperas que han sido importantes para la historia de la ópera en Argentina, y otras escritas por autores argentinos. </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>¿Cómo es la continuidad del proyecto?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Como es un proyecto muy joven, todo es posible. Tenemos muchas cosas para mejorar y hacer. Una de las cosas que agradezco muchísimo es que comenzamos a hacer colaboraciones muy grandes con el extranjero. Es la primera vez que el programa de los jóvenes se produce en América Latina y en Argentina. Para mí es un honor estar aquí. Elisabetta Riva nos dio la maravillosa posibilidad de producir el programa en el Teatro Coliseo, un lugar lleno de historia. </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"> </p>
<div>
<hr />
<p> </p>
<p><span style="color:#000000"><span style="font-size:12px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>ELENCO ARTÍSTICO:</strong></span></span></span></p>
<p><span style="color:#000000"><span style="font-size:12px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">• Rafaela Albuquerque, soprano.<br />
• Timofei Baranov, barítono.<br />
• Domenico Pellicola, tenor.<br />
• Sara Rocchi, mezzosoprano.<br />
• Elena Burova, pianista.</span></span></span></p>
<p><span style="color:#000000"><span style="font-size:12px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>PROGRAMA DEL JUEVES 5 DE DICIEMBRE. 20.30 HS. NUOVA HARMONIA E ITALIAXXI.</strong></span></span></span><br />
</p>
<p><span style="color:#000000"><span style="font-size:12px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Primera Parte<br />
• “Una voce poco fa” - Il Barbiere di Siviglia, G. Rossini.</span></span></span></p>
<p><span style="color:#000000"><span style="font-size:12px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Intérprete: Sara Rocchi.</span></span></span></p>
<p><span style="color:#000000"><span style="font-size:12px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">• “Deh, vieni alla finestra” - Don Giovanni, W.A. Mozart.</span></span></span></p>
<p><span style="color:#000000"><span style="font-size:12px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Intérprete: Timofei Baranov.</span></span></span></p>
<p><span style="color:#000000"><span style="font-size:12px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">• “La? ci darem la mano” - Don Giovanni, W.A. Mozart.</span></span></span></p>
<p><span style="color:#000000"><span style="font-size:12px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Intérpretes: Sara Baranov, Rafaela Albuquerque.</span></span></span></p>
<p><span style="color:#000000"><span style="font-size:12px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">• “Chanson bohe?me” - Carmen, G. Bizet. Interprete: Sara</span></span></span></p>
<p><span style="color:#000000"><span style="font-size:12px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Rocchi.</span></span></span></p>
<p><span style="color:#000000"><span style="font-size:12px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">• “Je veux vivre” - Rome?o et Juliette, C. Gounod.</span></span></span></p>
<p><span style="color:#000000"><span style="font-size:12px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Interprete: Rafaela Albuquerque.</span></span></span></p>
<p><span style="color:#000000"><span style="font-size:12px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">• “Do?me e?pais, le jasmin” - Lakme?, L. Delibes. Interpretes:</span></span></span></p>
<p><span style="color:#000000"><span style="font-size:12px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Rafaela Albuquerque, Sara Rocchi.</span></span></span></p>
<p><span style="color:#000000"><span style="font-size:12px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">• “Lunge da lei...de’miei bollenti spiriti” - La Traviata, G.</span></span></span></p>
<p><span style="color:#000000"><span style="font-size:12px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Verdi. Interprete: Domenico Pellicola.</span></span></span></p>
<p><span style="color:#000000"><span style="font-size:12px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Segunda Parte</span></span></span></p>
<p><br />
<span style="color:#000000"><span style="font-size:12px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">• "No, no, no; non v'è", (duetto) - La Cenerentola, G.</span></span></span></p>
<p><span style="color:#000000"><span style="font-size:12px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Rossini. Intérpretes: Rafaela Albuquerque, Sara Rocchi.</span></span></span></p>
<p><span style="color:#000000"><span style="font-size:12px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">• "Largo al factotum" - Il Barbiere di Siviglia, G. Rossini.</span></span></span></p>
<p><span style="color:#000000"><span style="font-size:12px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Intérpretes: Timofei Baranov.</span></span></span></p>
<p><span style="color:#000000"><span style="font-size:12px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">• "Soave sia il vento" - Cosi? fan tutte, W.A. Mozart.</span></span></span></p>
<p><span style="color:#000000"><span style="font-size:12px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Intérpretes: Rafaela Albuquerque, Sara Rocchi , Timofei</span></span></span></p>
<p><span style="color:#000000"><span style="font-size:12px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Baranov.</span></span></span></p>
<p><span style="color:#000000"><span style="font-size:12px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">• "Questa o quella" - Rigoletto, G. Verdi. Interprete:</span></span></span></p>
<p><span style="color:#000000"><span style="font-size:12px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Domenico Pellicola.</span></span></span></p>
<p><span style="color:#000000"><span style="font-size:12px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">• "Belle nuit, o? nuit d’amour" - Les Contes d’Hoffmann, J.</span></span></span></p>
<p><span style="color:#000000"><span style="font-size:12px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Offenbach. Interpretes: Rafaela Albuquerque, Sara</span></span></span></p>
<p><span style="color:#000000"><span style="font-size:12px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Rocchi.</span></span></span></p>
<p><span style="color:#000000"><span style="font-size:12px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">• "Che gelida manina" - La Bohe?me, G. Puccini. Intérprete:</span></span></span></p>
<p><span style="color:#000000"><span style="font-size:12px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Domenico Pellicola.</span></span></span></p>
<p><span style="color:#000000"><span style="font-size:12px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">• "Quando m’en vo" - La Bohe?me, G. Puccini. Intérprete:</span></span></span></p>
<p><span style="color:#000000"><span style="font-size:12px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Rafaela Albuquerque.</span></span></span></p>
<p><strong><span style="font-size:12px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000">Entradas: </span><a href="https://www.teatrocoliseo.org.ar/progetto-fabbrica/"><span style="color:#000000">https://www.teatrocoliseo.org.ar/progetto-fabbrica/</span></a></span></span></strong><br />
</p>
<hr />
<p> </p>
<p><span style="color:#000000"><span style="font-size:12px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>PROGRAMA DEL SÁBADO 7 DE DICIEMBRE. 19 HS.</strong><br />
<br />
En el marco del Concierto de Fin de Año del Consulado General de Italia en Buenos Aires. “Una pasión ítalo argentina: la Ópera”. Con la presentación del periodista y musicólogo Nelson Castro, quien acompañará al público desde el escenario, a lo largo de un recorrido operístico que une a los dos países hermanos.<br />
<br />
• “Dunque io son”, Duetto Figaro/Rosina - Il Barbiere di</span></span></span></p>
<p><span style="color:#000000"><span style="font-size:12px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Siviglia, G.Rossini. Intérpretes: Timofei Baranov y Sara</span></span></span></p>
<p><span style="color:#000000"><span style="font-size:12px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Rocchi.</span></span></span></p>
<p><span style="color:#000000"><span style="font-size:12px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">• “Anhelando ver de cerca una flor” - La angelical</span></span></span></p>
<p><span style="color:#000000"><span style="font-size:12px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Manuelita, Eduardo Garcia-Mansilla. Intérprete: Rafaela</span></span></span></p>
<p><span style="color:#000000"><span style="font-size:12px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Albuquerque.</span></span></span></p>
<p><span style="color:#000000"><span style="font-size:12px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">• “La canción de Urpilay” - Corimayo, Enrique Mario</span></span></span></p>
<p><span style="color:#000000"><span style="font-size:12px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Casella. Intérprete: Sara Rocchi.</span></span></span></p>
<p><span style="color:#000000"><span style="font-size:12px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">• “Addio dolce svegliare”, Quartetto terzo quadro - La</span></span></span></p>
<p><span style="color:#000000"><span style="font-size:12px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Bohème, G. Puccini. Intérpretes: Timofei Baranov,</span></span></span></p>
<p><span style="color:#000000"><span style="font-size:12px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Domenico Pellicola, Sara Rocchi, Rafaela Albuquerque.</span></span></span></p>
<p><span style="color:#000000"><span style="font-size:12px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">• “Questo amor, vergogna mia”, Aria di Frank - Edgar, G.</span></span></span></p>
<p><span style="color:#000000"><span style="font-size:12px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Puccini. Intérprete: Timofei Baranov.</span></span></span></p>
<p><span style="color:#000000"><span style="font-size:12px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">• “Non colombelle”- Isabeau, P.Mascagni. Intérprete:</span></span></span></p>
<p><span style="color:#000000"><span style="font-size:12px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Domenico Pellicola.</span></span></span></p>
<p><span style="color:#000000"><span style="font-size:12px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">• Tango “Don Pedro”, de Ángel Villoldo. Intérprete: Elena</span></span></span></p>
<p><span style="color:#000000"><span style="font-size:12px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Burova.</span></span></span></p>
<p><span style="color:#000000"><span style="font-size:12px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">• “El siempre vuelve” - Don Juan, Juan Carlos Zorzi.</span></span></span></p>
<p><span style="color:#000000"><span style="font-size:12px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Intérpretes: Sara Rocchi y Rafaela Albuquerque.</span></span></span></p>
<p> </p>
<p><br />
</p>
</div>
<div> </div>
titleTristan und Isolde por primera vez en Uruguay
draft0
categoryentrevista
short_descDesde MCBA conversamos con Daniel Romano, Coordinador Artístico del SODRE, sobre este importante acontecimiento cultural y la actualidad de la música clásica en su país, entre otros temas.
description<p><br />
<span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><img alt="" src="/src/media/images/blog%204/image%20(1).png" style="height:523px; width:1000px" /></span></span></span><br />
</p>
<blockquote>
<p dir="ltr" style="text-align:center"><span style="font-size:16px"><strong><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000"><span style="background-color:transparent">Los</span><em> días 17, 20 y 22 de noviembre </em><em>la Ossodre presenta por primera en vez Uruguay </em></span><a href="http://www.sodre.gub.uy/espectaculos/espectaculo/2761" style="text-decoration-line: none;"><span style="color:#000000"><em>Tristan und Isolde</em></span></a><span style="color:#000000"><em> la culminación del ideario artístico de Wagner, con una gran presencia de argentinos que incluye a la Dirección escénica de Marcelo Lombardero, Dirección musical de Alejo Pérez y </em><em>Gustavo López Manzitti y Carla Filipcic Hölm en los papeles protagónicos.</em></span></span></strong></span></p>
<p> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:center"><span style="font-size:16px"><strong><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><em>Desde MCBA conversamos con Daniel Romano, </em><em>Coordinador Artístico del SODRE, sobre este importante acontecimiento cultural y la actualidad de la música clásica en su país, entre otros temas.</em></span></span></strong></span></p>
</blockquote>
<p> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Daniel Romano nació en Montevideo, se formó en la Escuela Nacional de Arte lírico, ganó concursos nacionales y obtuvo becas de formación Artística en Francia y España. En la actualidad se desempeña como Coordinador Artístico del SODRE<em>. </em>Es además Cantante lírico y docente y ha realizado diferentes talleres de gestión destacando el de Proyectos Escénicos a cargo de Martín Inthamoussu.</span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align: center;"> </p>
<p dir="ltr" style="text-align: center;"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><img alt="" src="/src/media/images/blog%204/ROM024%20alta%20diario.jpg" style="height:779px; width:600px" /></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>Estás hace muchos años al Sodre ¿cómo fueron tus comienzos y tu camino para llegar a donde estás hoy?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Mi primer contacto con el SODRE fue a los 18 años cuando ingresé a la Escuela Nacional de Arte Lírico del SODRE. Luego estuve siempre vinculado de diferentes maneras, como coreuta contratado y como solista en algunas producciones de ópera del SODRE. En el año 2010 es que se me convoca para formar parte del equipo de Artística en el rol de Coordinador Artístico de Producciones del Instituto.</span></span></span></p>
<p> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>¿Cuáles son las funciones y desafíos de un Coordinador Artístico de una institución como el Sodre?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">La coordinación artística tiene la función de articular la programación que hacen los directores de los diferentes cuerpos estables (Orquesta sinfónica, coro, ópera, etc.) diagramando la logística desde un punto de vista técnico-artístico y manteniendo un permanente contacto con los diferentes equipos técnicos del Auditorio.</span></span></span></p>
<p> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>¿Cómo es la realidad de la ópera y de la música clásica en general de Uruguay? ¿Cuáles son los problemas y retos que ves?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Creo que en lo que refiere a la música clásica se viene un importante y constante crecimiento, prueba de ello es el aumento de público que acompaña las programaciones tanto del SODRE como de otras instituciones. Nuestra Orquesta la OSSODRE es la Sinfónica Nacional del Uruguay y hemos tenido -luego de 29 años- la posibilidad de volver a salir al exterior con importante suceso, cosa que siempre es gratificante y alegra mucho. En el tema ópera se busca dentro de lo posible ir incrementando la cantidad de títulos en un futuro cercano. La ópera, naturalmente, para realizarla de la mejor manera tiene sus costos y muchas veces esto impide la realización de cierta cantidad de títulos, pero de todas maneras se viene trabajando para lograr a corto plazo tener temporadas con mayor cantidad de producciones.</span></span></span></p>
<p> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>Continuamente se busca la manera de atraer nuevo público, sobre todo joven, a la música clásica. ¿Qué experiencias han realizado uds. en ese sentido? ¿Qué crees que haría falta hacer?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">En ese sentido el SODRE y el Auditorio Nacional vienen desarrollando una tarea magnífica con todos sus cuerpos estables.En los ensayos generales, tanto del Ballet como en la Ópera, son invitados los escolares no solamente de Montevideo sino también del interior de Uruguay. Muchos de ellos quizás llegan a la capital por primera vez y concurren a nuestras actividades. </span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">La OSSODRE a su vez viene llevando adelante un ciclo que se denominó "La OSSODRE hace escuela", que consiste en el acercamiento de los niños al Auditorio para nuestros conciertos didácticos, donde además el Mtro. Diego Naser, que es actualmente el director artístico de la orquesta, tiene un ida y vuelta con ellos. Les enseña qué es una orquesta, los instrumentos que la componen y finalmente les hace escuchar los resultados de esos sonidos de las diferentes familias de una sinfónica.</span></span></span></p>
<p> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>¿Cuánto sabes y cómo ves la realidad de los teatros de la región?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">No conozco a fondo la situación de todos los teatros de la región, pero no nos es ajeno que existen algunas complicaciones, las cuales deseamos que puedan resolver rápidamente y mejorar para poder tener el mejor funcionamiento.</span></span></span></p>
<p> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>¿Cuáles son los hitos más destacados que te ha tocado vivir en todos estos años dedicados al Sodre?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Por suerte han sido muchos los lindos momentos que se han vivido, artísticamente hablando, tanto en conciertos Sinfónicos, sinfónicos-corales, ópera, ballet, con grandes e importantes solistas, etc. Creo que por la complejidad que tiene el armado del trabajo, la ópera, con muchos equipos involucrados en la logística del espectáculo, hace que cuando baja el último telón todos sientan que finalizó un largo e intenso camino hasta lograr el objetivo y se pueda sentir la felicidad de la tarea cumplida .</span></span></span></p>
<p> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>¿Qué nos podés contar de la producción de Tristán e Isolda?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Es una estupenda producción, bellísima a la vista y que seguramente será histórica en nuestra institución y en el país, ya que no se realiza desde hace muchísimos años un Wagner en el Uruguay. </span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Además cuenta con un elenco totalmente Sudamericano, lo cual es muy importante destacar. Entre otros, tiene a Gustavo López Manzzitti como Tristán, a Carla Filipcic Holm en el papel de Isolda; puesta en escena de Marcelo Lombardero y la actuación de la Orquesta sinfónica del SODRE y el Coro Nacional. </span></span></span></p>
<p> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>¿Por qué vale la pena “cruzar el charco” para presenciar las actividades que el Sodre realiza?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Para nosotros siempre es un enorme placer recibirlos, es un aliciente importante que nos motiva a todos, a los artistas que son quienes en definitiva dan lo mejor de sí siempre y para quienes trabajamos en producciones. </span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Van a encontrar en nuestro teatro equipos que los van a atender de la mejor manera desde el ingreso y les van a hacer pasar junto a nuestros artistas una hermosa velada. ¡Así que quedan todos invitados! Además es importante destacar que el SODRE tiene 90 años y el Auditorio Nacional del SODRE cumple 10 años de su apertura.</span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"> </p>
<hr />
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><u><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>Tristán e Isolda</strong></span></span></span></u></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Tristán Gustavo López Manzitti</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Isolda Carla Filipcic Hölm</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Rey Marke Hernán Iturralde</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Kurwenal Leonardo Neiva</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Melot Gerardo Marandino</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Brangania Cecilia Díaz</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Un Timonel Alvaro Godiño</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Voz de Marino y Pastor Javier Mayo Cordero</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Dirección musical Diego Naser</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Dirección escénica Marcelo Lombardero </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Asistente Dirección Escénica Mercedes Marmorek</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Reposición Escenográfica y Diseño de Video Matías Otálora</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Iluminación Horacio Efron</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Vestuario Luciana Gutman</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Dirección de Arte y Multimedia Diego Siliano</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Maestros Preparadores Mark Hastings y Esteban Rajmilchuk</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Con la Ossodre y el Coro Nacional</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent"> </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Platea alta $1600 l Platea baja $1250 l Tertulia y Palcos Platea alta $850 l Galería baja y Palcos tertulia $480 l Galería alta central $190 l Galería alta lateral y Palcos galería baja y alta $280. Tarjetas aceptadas OCA, VISA y Master Card en el Auditorio Nacional. Venta web con eBROU, BBVA, Banque Heritage, Santander, VISA, OCA y Master Card. Por promociones consultar boletería del Auditorio Nacional Adela Reta 2900.70.84.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><strong><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Fecha/s: </span></span></span></span></strong></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Domingo, 17 Noviembre, 2019 - 18:00</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Miércoles, 20 Noviembre, 2019 - 19:30</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Viernes, 22 Noviembre, 2019 - 19:30</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent"><strong>Lugar:</strong> </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Auditorio Nacional Adela Reta, sala Eduardo Fabini</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><strong><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Más info en:</span></span></span></span></strong></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><a href="http://www.sodre.gub.uy/espectaculos/espectaculo/2761" style="text-decoration-line: none;"><span style="color:#000000"><span style="background-color:transparent">http://www.sodre.gub.uy/espectaculos/espectaculo/2761</span></span></a></span></span></p>
<p> </p>
<hr />
<p> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>Historia del Sodre</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000">Fue creado por la ley N° 8.557 del </span><a href="https://es.wikipedia.org/wiki/18_de_diciembre" style="text-decoration-line: none;"><span style="color:#000000">18 de diciembre</span></a><span style="color:#000000"> de </span><a href="https://es.wikipedia.org/wiki/1929" style="text-decoration-line: none;"><span style="color:#000000">1929</span></a><span style="color:#000000"> como <em>Servicio Oficial de Difusión Radio Eléctrica</em>. Su función inicial era transmitir <em>«espectáculos o audiciones de carácter artístico, científico, ilustrativo o ameno con fines de mejoramiento espiritual de los habitantes del país»</em>. La ley de creación también le encomendó, entre otras tareas, «crear escuelas y conservatorios», «adquirir y arrendar material fonográfico, teatral, cinematográfico, musical impreso o cualquier otro que se relacione con sus actividades», «editar catálogos, programas u otras publicaciones», «actuar individualmente o en conjuntos en los espectáculos o audiciones que realice o que contribuya a realizar así como en las escuelas o conservatorios que instituya». Por la misma ley se establecieron una orquesta sinfónica, una de cámara, un coro, un cuerpo de baile, salas de espectáculos, una fonoteca y otras reparticiones.</span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">El SODRE cuenta con: Escuelas de Formación Artística (Escuela de Danza y escuela nacional de Arte Lírico ), La OSSODRE ( Orquesta sinfónica del SODRE,) Coro Nacional del SODRE, BNS (Ballet Nacional del SODRE), Conjunto de Música de Cámara, Orquesta juvenil, Coro de niños y jóvenes.</span></span></span></p>
<p> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>Auditorio Nacional Adela Reta</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000"><span style="background-color:transparent">El </span></span><a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Estudio_Auditorio_del_Sodre" style="text-decoration-line: none;"><span style="color:#000000"><span style="background-color:transparent">Estudio Auditorio del Sodre</span></span></a><span style="color:#000000"><span style="background-color:transparent"> funcionó durante 40 años (entre 1931 y 1971), en el ex Teatro Urquiza en un lugar privilegiado del centro de la ciudad de Montevideo. Sufrió un incendio en 1971 y fue reconstruido, reinaugurándose en 2009 con el nombre </span></span><a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Auditorio_Nacional_Adela_Reta" style="text-decoration-line: none;"><span style="color:#000000"><span style="background-color:transparent">Auditorio Nacional Adela Reta</span></span></a><span style="color:#000000"><span style="background-color:transparent">.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align: center;"> </p>
<p dir="ltr" style="text-align: center;"><img alt="" src="/src/media/images/blog%204/SalaFabini01_vacia%20(1).jpg" style="height:504px; width:639px" /></p>
<p><br />
</p>
titleLaura Figueiras y Carla Rímola: "Las posibilidades de una Matria"
draft0
categoryentrevista
short_descEntrevista a Laura Figueiras y Carla Rímola, dos coreógrafas emergentes, muy amalgamadas en el arte y en la vida. Ambas acaban de estrenar POLVAREDAL -obra seleccionada para participar del FIBA- donde replantean el lugar histórico de la mujer dentro de las convenciones arquetípicas del Folklore.
description<blockquote>
<p dir="ltr" style="text-align:center"><span style="font-size:16px"><strong><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Entrevista a Laura Figueiras y Carla Rímola, dos coreógrafas emergentes, muy amalgamadas en el arte y en la vida. Ambas acaban de estrenar POLVAREDAL -obra seleccionada para participar del FIBA- donde replantean el lugar histórico de la mujer dentro de las convenciones arquetípicas del </span></span></span><span style="background-color:transparent; color:rgb(0, 0, 0); font-family:verdana,geneva,sans-serif">Folklore.</span></strong></span></p>
</blockquote>
<p dir="ltr" style="text-align: center;"> </p>
<p dir="ltr" style="text-align: center;"><img alt="" src="/src/media/images/blog%204/2019-10-31-ctba-ensayo-general-polvaredal-fotos-manuel-pose-varela-02%20(1).jpg" style="height:600px; width:600px" /></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><br />
<span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Por María Luz Lassalle</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>¿Cómo comenzaron a gestar POLVAREDAL? </strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>Carla Rímola: </strong><span style="background-color:transparent">A esta idea comenzamos a desarrollarla ahora, pero en realidad sentimos muchas veces que de un trabajo que hacemos se desprenden otras ideas.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>Laura Figueiras: </strong><span style="background-color:transparent">Nuestro trabajo final de graduación de la U.N.A. fue Acto Blanco y cuando hicimos el escrito pudimos revisitarlo con una distancia en tiempo y en ideas.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>CR:</strong><span style="background-color:transparent"> La reflexión acerca de cómo es nuestra identidad, donde Argentina siempre está con los ojos en Europa, nos llevó a preguntarnos sobre ese aspecto. Nos dimos cuenta de que nos interesaba la historia.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>LF:</strong><span style="background-color:transparent"> La historia en general y la historia de la danza en particular. Entonces, ya en el Laberinto de la Historia (obra presentada en la BIENAL) hay un atisbo de empezar a pensarnos como danza argentina, cuál es nuestra historia de la danza, y también nos dimos cuenta de que en Acto Blanco habíamos sido muy eurocéntricas; hablábamos del ballet, de la figura de la mujer en Europa, de todo un trazado conceptual estético que tiene que ver con un ideario europeo. Entendimos que nuestra formación es muy eurocéntrica y pensábamos cómo sería empezar a pensarnos desde acá, con nuestros cuerpos, con nuestras tradiciones, con nuestra propia historia; cómo son esas tensiones que nos constituyen en la identidad.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>CR: </strong><span style="background-color:transparent">Algo que nos sucedió cuando estrenamos El laberinto de la historia; a una de las escenas le decíamos la escena CAPORÁ, que es un ballet que fue escrito por Ricardo Güiraldes y fue pensado conjuntamente con el mismísimo Nijinski. Acá se estaba tratando de forjar una identidad nacional mediante símbolos. Güiraldes y Nijinski empatizaron en este espíritu nacionalista y entonces decidieron hacer un ballet juntos; Güiraldes lo escribió pero Nijinski tuvo un brote psicótico y ese ballet quedó inconcluso, no tuvo su coreografía. Nosotras pensamos cómo hubiese sido esa coreografía construida desde esa mirada de los ballet rusos. Llegamos a un juego con todo esto. La leyenda que escribe Güiraldes para ser coreografiada es una leyenda guaraní, y nos vino como anillo al dedo, porque mucha gente de la crítica y algunos espectadores comentaron: “¡Qué tensión hablar guaraní en el teatro Colón!”. Nos hacían esa observación y ahí nosotras dijimos: “¡Acá hay algo interesante!”.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>LF: </strong><span style="background-color:transparent">De esto hay que hablar más profundamente ¿Por qué se registra una tensión en esto? ¿Con qué tiene que ver? De ahí surgió la idea de POLVADERAL, un poco de esas tensiones y qué es lo que constituye a nuestra identidad nacional que está llena de símbolos donde el arte interviene para construirlos. Nos interesaba en POLVAREDAL trabajar esa estetización de los símbolos, de nuestros próceres y cómo el poder decide que sea ese ideario de personajes; qué es lo que se recuerda y qué es lo que queda afuera, aquello que se constituye como el ideario y aquello que se invisibiliza. Ésa fue nuestra primera idea de POLVAREDAL.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>CR: </strong><span style="background-color:transparent">Agitar el polvo de la historia y empezar a revisar un poco todas estas cuestiones. Por supuesto aquí aparece el elemento folklore porque generalmente la identidad nacional recae muchísimo sobre él. También es donde aparecen estos juegos de poder. El nombre tiene que ver con esto, que polvareda es algo muy usado en el folklore, los buenos bailarines los virtuosos levantan polvareda cuando bailan y de ahí el nombre de la obra.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>¿Desde cuándo trabajan juntas y cómo es la relación entre ustedes durante el particular momento de creación?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>LF:</strong><span style="background-color:transparent"> Con Carla nos conocimos en la carrera y en el 2011 empezamos con el trabajo de tesis de </span><em>Acto Blanco</em><span style="background-color:transparent"> que se estrenó en el 2013. A partir de ahí fuimos generando proyectos todos los años. ¿Y nuestra relación al trabajar juntas? Siempre decimos que contamos con una vibración muy particular porque estamos en la misma sintonía energética, nos gustan mucho las mismas cosas, influye que tenemos una formación idéntica, hablamos un lenguaje común, tenemos una manera muy similar de construir la escena, de abordar los materiales.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>CR:</strong><span style="background-color:transparent"> Estamos de acuerdo en lo que queremos decir, en los temas que elegimos. A las dos nos gusta muchísimo la música, tenemos una formación musical un poco sin querer, por nuestros familiares cercanos. Es un rasgo que tenemos en común y que aparece mucho en nuestro trabajo por el lugar que le damos a la música y al tipo de música en general.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>LF: </strong><span style="background-color:transparent">Durante la creación, lo que más disfrutamos son los momentos iniciales del proceso, abrimos libros, buscamos un texto para trabajar o una imagen, charlamos de una idea; son momentos en general compartidos desde un lugar de mucho relajo. Nos juntamos a desayunar o a almorzar, tenemos un momento íntimo entre las dos porque después son espacios más abiertos. Muchas veces es lo que motoriza verdaderamente el proceso donde nosotras nos ponemos de acuerdo y entablamos una buena conexión para llevar adelante la escena.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>CR: </strong><span style="background-color:transparent">Algo que nos gusta muchísimo es trabajar con imágenes y es algo que nos devuelven cuando ven nuestras obras. Miramos muchas pinturas, nos interesa la construcción de una imagen, entonces muchas veces nos empapamos y después es increíble cómo deviene en el proceso creativo, las bailarinas mismas lo proponen sin querer queriendo, aparece en el inconsciente de la obra y se manifiesta.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>LF:</strong><span style="background-color:transparent"> ¡Exactamente!</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>La obra tiene una fuerte impronta femenina. Más allá de que las bailarinas sean todas mujeres, tanto ACTO BLANCO como POLVAREDAL destacan, de una u otra manera, el rol de la mujer ¿Cómo desarrollan esta idea al momento de componer? ¿Cómo fue trabajar con esta temática en un momento histórico social tan comprometido con la idea de género?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>CR: </strong><span style="background-color:transparent">Somos mujeres creadoras y desde un primer momento es un tema que nos interpeló; cual es el rol que tiene la mujer. Cuando creamos Acto Blanco no estaba tan en boga.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>LF:</strong><span style="background-color:transparent"> No estaba tan visible la cuestión de género como ahora, pero sí nos interesó siempre pensar el rol de la figura femenina en la escena. En el caso de POLVAREDAL, que de alguna manera es la continuación de las ideas del Laberinto de la historia, y también es continuación de Acto Blanco en este sentido, visibiliza lo que la historia del poder oculta. Muchas veces las mujeres argentinas que han luchado por la liberación, que han tenido roles importantes dentro de la constitución del país, lugares de relevancia han sido invisibilizadas. Entonces también fue una premisa de la que partimos en POLVAREDAL, visibilizar aquello que la historia del poder invisibiliza. Así como Acto Blanco tuvo que ver con subvertir esa idea de la mujer frágil, estas ideas de Giselle, La Silfide en donde la mujer tiene un lugar de fragilidad, de enfermedad, un lugar donde es absolutamente inmaterial, no tiene carne, no tiene cuerpo, para nosotras, en Acto Blanco, era interesante que se planteen mujeres de carne y hueso, mujeres potentes, mujeres animales, mujeres fuertes; y en en el caso de POLVAREDAL se trata de investigar o trazar una línea de reflexión respecto al rol de la mujer dentro del folklore, por lo menos del criollo, sin tomar en cuenta los elementos indigenistas en donde sí quizás la mujer tiene otro rol. Hay una cuestión heteronormativa, patriarcal, en donde la mujer ocupa determinados roles y lugares fijos o estáticos. Y la idea en POLVAREDAL es indagar en esos roles, ironizarlos, hacerse preguntas, re-visitarlos, ver qué pasa con este lugar más mágico de la mujer, esta idea de la mujer bruja, la mujer hechicera.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>CR: </strong><span style="background-color:transparent">La mujer sabia, la que teje los hilos invisibles del mundo, la chamana. Para el trabajo leímos mucho a Gabriela Cabezón Cámera, autora de "Las aventuras de la china" que justamente hace una revisión del género gauchesco desde una mirada que tiene que ver con la mirada que estamos planteando respecto a la mujer.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>Laura, POLVAREDAL te encontró en un momento muy particular de tu vida, fuiste mamá hace poco. ¿Sentís que influye tu maternidad en algún aspecto de la obra? ¿De qué manera?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>LF:</strong><span style="background-color:transparent"> Bueno, sí, la maternidad es todo (risas). Te transforma en todo sentido, en todo nivel. Transforma el cuerpo, el espíritu, la vida cotidiana, es un torbellino de intensidad. La realidad es que nosotras empezamos este proyecto sabiendo que yo estaba embarazada, y fue una de las cosas que nos preguntamos: si estaba bien el hecho de encarar un proyecto que se iba a estrenar a muy poco tiempo de mi maternidad. Y decidimos que sí, que había que seguir adelante, que nuestra vida artística va a continuar más allá de la maternidad, que nuestra vida es lo que somos. Es estar en el teatro. </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">No sabía cómo iba a ser la llegada de Sebi, mi hijito, no sabía cómo me iba a transformar, si iba a poder continuar o no con el proceso. Pero Carli me dio la tranquilidad de que ella iba a estar al pie del cañón para llevar adelante el proyecto en caso de yo tuviera que frenar por algún tiempo, así que muy tranquila tuve a mi bebé y fueron muy hermosos los ensayos con la panza, muy místicos también, por lo que significa estar construyendo todas estas ideas en relación a la mujer creación; doble creación.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>CR:</strong><span style="background-color:transparent"> Son muchos años de trabajo juntas, más de siete, y hay mucha confianza, mucho amor. Creo que ésa es la base de que este trabajo se pueda dar de manera fluida y que podamos siempre incorporar la vida al trabajo y festejar la vida. Nos gusta decir eso, nos encanta festejar.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>Ya pasaron por la Bienal de Arte Joven, el Festival de Danza Contemporánea, FAUNA y el FIBA. Parecería que han encontrado la receta para una relación de trabajo sólida y eficaz ¿Cómo lo viven?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>LF:</strong><span style="background-color:transparent"> Respecto a la manera de trabajar y encontrar una receta, nosotras sentimos que el proceso creativo de Acto Blanco sirvió para conocernos mucho en relación a cómo manejarnos en un ensayo, llevar adelante una idea, cómo relacionarnos con la gente, cómo dirigir un grupo, cómo sortear conflictos de toda índole. Nuestro comienzo nos consolidó fuertemente.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>CR:</strong><span style="background-color:transparent"> Nos dio una receta, una manera de trabajar, porque Acto Blanco fue nuestro primer trabajo y es un poco el que te revela. También nos conocimos trabajando juntas y a partir de entonces, en los otros trabajos que hicimos, que fueron varios, logramos que Laufi o yo podamos estar solas en un ensayo y cuando viene la otra retome el material, porque ya sabemos por donde tenemos que ir. Más allá de que tome el mando una o la otra, vamos estar siempre de acuerdo.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>¿Qué entienden por comunicar a través de la danza?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>LF: </strong><span style="background-color:transparent">Bueno, Isadora dijo, cita textual…</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>CR: </strong><span style="background-color:transparent">"La danza es un arte muy elevado y desde la fosa que ha caído se levantará" (risas). Es todo lo que podemos hacer porque nuestro deseo pasa por ahí, por movernos por poner el cuerpo, y a la hora de la creación creemos que la danza condensa imágenes, signos, sentidos; que tiene un poder muy simbólico y poético. Nos interesa, la polisemia de la danza.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>LF:</strong><span style="background-color:transparent"> Es lo más lindo, porque es cuando el espectador es invitado a pensar de otras maneras, distintas de lo racional. La potencia de la danza está en lo poético y en la imagen, que dispara muchos sentidos. Entonces, esa condensación de imágenes se traduce en distintos estímulos y sensaciones. A nosotras nos gusta mucho trabajar con eso de las sensaciones.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>CR: </strong><span style="background-color:transparent">Proponer al espectador una experiencia inmersa, como viajando por diferentes imágenes.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>LF: </strong><span style="background-color:transparent">El fin último, lo esperable (no sabemos si sucede o no) es generar alguna reflexión, alguna transformación, alguna pregunta respecto a cómo nos constituimos como sujetos en este mundo.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"> </p>
<hr />
<p> </p>
<blockquote>
<p style="text-align:center"><strong><span style="font-size:16px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="color:#000000">Ver reseña de la obra: </span></span></span></strong></p>
<p style="text-align:center"><strong><span style="font-size:16px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><a href="http://musicaclasicaba.com.ar/blog/ver/1087/Polvaredal"><span style="color:#000000">http://musicaclasicaba.com.ar/blog/ver/1087/Polvaredal</span></a></span></span></strong></p>
</blockquote>
title“La técnica debe servir a la expresividad de la música” Entrevista a Avi Avital
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categoryentrevista
short_descEl jueves 22 se presenta en el Teatro Coliseo el virtuoso mandolinista Avi Avital junto a la Orquesta De Cámara L´arte Del Mondo con Werner Ehrhardt como Director. Desde MCBA conversamos con el talentoso músico israelí para conocer más sobre su vida, su música y su particular instrumento.
description<p style="text-align:center"><img alt="" src="/src/media/images/Agenda/avi.jpg" style="height:449px; width:800px" /></p>
<blockquote>
<p style="text-align:center"><strong><span style="color:#000000"><span style="font-size:16px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">El jueves 22 se presenta en el Teatro Coliseo el virtuoso mandolinista Avi Avital junto a la Orquesta De Cámara L´arte Del Mondo con Werner Ehrhardt como Director. Desde MCBA conversamos con el talentoso músico israelí para conocer más sobre su vida, su música y su particular instrumento.</span></span></span></strong></p>
</blockquote>
<p style="text-align:justify"> </p>
<p style="text-align:justify"><span style="font-size:14px"><strong><span style="color:#000000"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif">Por Maxi Luna.</span></span></strong></span></p>
<p style="text-align:justify"> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>¿Cuáles son tus primeros recuerdos con la música?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Hay dos recuerdos distintos que tengo con la música, uno es a muy temprana edad y además es la anécdota favorita de mi madre en las reuniones familiares como un mito, pero que también tiene algo de verdad, y es que ya desde que era un bebé mis juguetes favoritos eran instrumentos musicales, tambores de plástico, flautas y ese tipo de cosas que hacen ruidos y música. </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">En relación a la música clásica, recuerdo tener 4 o 5 años, en nuestra casa teníamos un reproductor de discos y había un vinilo que realmente me gustaba mucho escuchar: “Las 4 estaciones” de Vivaldi. Recuerdo que mi favorito absolutamente era “El invierno” y siempre pedía que lo pusieran. Más tarde cuando crecí escuché la obra en concierto y estaba bastante confundido porque lo que pensaba que era el Invierno descubrí que en realidad era el “Verano”. Si puedes recordar el “Verano” está lleno de tormentas, el tercer movimiento es todo acerca de una terrible tormenta, con truenos y viento. Es increible como Vivaldi puso esto en música de manera que uno realmente puede sentir la tormenta. Yo como un niño de 4 años, creciendo en Beerseba, en la parte sur de Israel, nunca vi una lluvia en verano, allí solo se produce en invierno y es por esto que, incluso sin saber que Vivaldi escribió intencionalmente sobre una tormenta, para mí era definitivamente el Invierno y lo seguí creyendo </span></span></span></span><span style="color:rgb(0, 0, 0); font-family:verdana,geneva,sans-serif; font-size:14px">cada vez que la escuchaba,</span><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent"> hasta que tuve 16 años por lo menos.</span></span></span></span></p>
<p> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>¿Cómo y cuándo empezaste a estudiar música? ¿Cómo llegaste a la mandolina?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Comencé a tocar la mandolina a los 8 años. Tenía un vecino que tocaba el instrumento y al que yo siempre escuchaba, y me enamoré de su dulce sonido. Por eso fue uno de los primeros instrumentos musicales que conocí y creo que fue algo que les pedí mis padres. Comenzó como una actividad después de la escuela en el conservatorio local. Dos años más tarde ingresé a la orquesta de mandolinas juvenil. Así fue como comenzó mi amor por la música y por la mandolina.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>¿Qué aprendizajes te dieron tus profesores?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Siempre fui bendecido por maestros realmente asombrosos, esa es la clave en todo músico profesional. Estoy seguro de que todos recuerdan a un maestro o a varios maestros, que los hayan influenciado de manera crucial para convertirse en músicos. Hasta que cumplí los 23 años mis maestros ni siquiera eran intérpretes de mandolina, sabían un poco del instrumento, pero eran en realidad violinistas. No había profesores de mandolina en la institución en la que estudié en Jerusalem así que fue un profesor de violín el que me guió a través de la carrera. Tocaba repertorio de violín en la mandolina, así que lo más importante que aprendí no fueron para nada cuestiones técnicas sino los aspectos musicales, como el fraseo, los elementos poéticos, lo que representa el corazón de la música, lo que considero más importante que la técnica. Me enseñaron cómo expresar la música, como una poesía o una pintura y usar todas estas referencias de otras artes para comprender de manera realmente profunda el significado de la experiencia artística que le brindas al oyente. </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Luego como tenía que expresar todas estas cosas tuve que desarrollar la técnica, como algo muy importante también, pero que para mí está en segundo lugar y que debe servir a la expresividad de la música.</span></span></span></span></p>
<p> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>¿Cómo describirías tu instrumento?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">La Mandolina tiene una voz muy dulce. Si miramos a la familia de instrumentos de cuerda pulsada descubrimos que a cada lugar que vayamos, cada cultura, cada música, tan ancestral como pueda ser, tiene instrumentos de cuerda, parientes lejanos de la Mandolina, como el principal instrumento melódico, como el Citar en la música india, el Buzuki en la música griega, la Balalaika en rusia, el Pipa en china, el Tar en persia, en sudamérica ustedes tienen el Charango, el Tres. La razón de esto es que siempre en la evolución de los instrumentos musicales el concepto de los de cuerda pulsada es muy intuitivo, muy inmediato y para mí es muy encantador. Pulsas la cuerda y el sonido emerge, lo veo incluso con los niños como se maravillan con la posibilidad de hacer música de manera inmediata, a diferencia quizás de un instrumento de viento o de arco con los que realmente tenés que saber cómo producir un buen sonido. </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">La mandolina tiene también muchos secretos, por todas estas referencias ancestrales, que todavía están por ser descubiertos completamente. Disfruto el hecho de que no sea todavía un instrumento tan familiar en las salas de concierto como el piano o el violín, lo que me da la oportunidad de ofrecer a las audiencias un sonido realmente nuevo y fresco que quizás no escucharon anteriormente.</span></span></span></span></p>
<p> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>¿Qué nos podés decir sobre el tiempo que pasaste estudiando en Italia?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Fui a italia cuando tenía 23 años, luego de graduarme del conservatorio. Como comentaba antes mis maestros eran violinistas, así que decidí ir a italia a investigar el repertorio y las técnicas tradicionales. Encontré un maestro para adquirir esa pieza del rompecabezas que me faltaba para ser un profesional de la Mandolina. </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Vivir en Italia fue una experiencia formativa en mi vida, es un lugar en el que la belleza y la estética tienen un alto valor y son algo natural en la vida de todos. Eso se ve en la arquitectura, los edificios, la naturaleza, todo es hermoso, la moda, la comida. En todo, la estética y la belleza aparecen muy presentes en la gente y en el día a día. Eso para un músico, para un artista en general, es muy importante, ya que uno de los aspectos de ser artista es la continua tarea de buscar la belleza y crearla. Así que este elemento fue muy importante en la formación. Todo en definitiva me sirvió para convertirme en un artista en esa época de mi vida.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>¿Fue difícil abrirse camino en el mundo clásico con un instrumento que no está muy asociado con él?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Yo preferiría usar la palabra desafiante porque enfrente mío tambien estaban todas las ventajas de convertirme en un intérprete profesional de Mandolina. Cuando comencé ningún productor, director de teatro, manager de orquesta, pensaba “</span><em>debemos tener a un mandolinista tocando con nosotros</em><span style="background-color:transparent">”. Nadie estaba esperando que yo fuera a tocar, por lo que tuve que iniciar muchos de los proyectos yo mismo. Ahora, gracias a Dios, es un poco diferente, pero todos estos desafíos fueron finalmente una bendición, los veo como ventajas y no como desventajas porque tuve la oportunidad de ofrecer algo que era nuevo en la sala de concierto, que era fresco en el contexto de una forma de arte bastante tradicional en la música clásica, y me forzó a mí a ser muy creativo y muy proactivo acerca de los proyectos que hago. </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Sé que tengo una doble responsabilidad como intérprete de mandolina, más que cualquier pianista o violinista, de realmente crear una performance superlativa para la audiencia, si me dan su confianza, liberan su tarde, compran su ticket y contratan a una niñera para poder ir a un concierto de mandolina, realmente debe ser especial. Sentía, y aun siento, esa responsabilidad en un cien por ciento cada vez que doy un concierto. Tiene que ver desde luego con el hecho de que la Mandolina es un instrumento inusual y tengo la responsabilidad en mis hombros de probar al mundo y darles una experiencia de alta calidad musical con este instrumento.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><iframe frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/XWJd54J8iqk" width="560"></iframe></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>No hay mucho repertorio original dedicado al instrumento en la música clásica, además de Vivaldi, pero haces muchos arreglos y también encargaste piezas originales. ¿Qué nos podés contar sobre esto?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Eso es verdad, no hay mucho repertorio original para Mandolina en música clásica. El compositor más famoso en escribir para el instrumento fue Vivaldi quien compuso dos conciertos, Beethoven compuso 4 pequeñas sonatas, Mozart escribió un aria en “Don Giovanni”, y eso es casi todo en relación a los grandes compositores. En la historia de la música clásica la Mandolina fue considerado un instrumento más amateur o de salón y no de concierto, es por eso que los grandes nombres de los compositores que conocemos no escribieron para el instrumento. Hay música escrita pero por compositores menores que no figuran en los libros de historia. Eso significa que la mayor parte de mi vida he interpretado arreglos de piezas escritas para otros instrumentos. Interpreto compositores como Bach, al cual lo tocó en casi cada concierto desde que empecé en la música. Por supuesto su música es divina y su absolutidad le permite ser ejecutada en distintos instrumentos y tener el mismo impacto. Así que arreglar es algo que hago bastante a menudo. </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Además de eso y el poco repertorio escrito para la mandolina, también toco mucha música contemporánea, he encargado más de 100 obras nuevas para el instrumento, como solista, conciertos o música de cámara. Espero poder corregir estos vacíos históricos en los que los compositores no consideraban a la Mandolina como un instrumento de concierto. Ahora a partir de este momento, los compositores vivos, también de gran importancia, están escribiendo para él instrumentos y la están considerando como un instrumento de concierto. Espero que esto contribuya a una masa crítica de repertorio de alta calidad artística para las generaciones venideras. </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>Sos muy activo en la grabación de música, ¿que podés contar sobre este aspecto tuyo? ¿Qué buscas cuando decidís hacer un nuevo álbum? ¿Cuáles son tus próximos proyectos?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Por supuesto es una parte muy importante de mi trabajo documentar y hacer accesible musica hermosa a mucha gente para que la escuche alrededor del mundo. Igualmente existe una gran diferencia en la experiencia de escuchar música en vivo en un concierto y hacerlo a través de una grabación, en tu hogar, manejando o yendo al gimnasio. Mi actividad principal sigue siendo la realización de conciertos. Creo que es una experiencia artística que tiene un valor mucho mayor al de escuchar una grabación. La diferencia entre la música grabada y en vivo es algo así como la diferencia entre el teatro y el cine. En un concierto, en una situación en vivo, el material, la energía con la que él intérprete trabaja es la audiencia; los oyentes son una parte activa, aunque sólo se sienten en silencio y no se sientan necesariamente como parte, lo son. Esto hace que cada velada sea única y especial. </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">La grabación es algo más artificial, grabás pequeñas piezas y luego las editás para mejorarlas, y por supuesto los detalles en la grabación son mucho más importantes. Por ejemplo si tomamos de nuevo la diferencia entre cine y teatro, en teatro el pestañeo de un ojo de un actor es algo que no ves de acuerdo a donde estés sentado pero en el cine, si hay un close up, cada pequeño movimiento de la cara tiene una expresión y un significado que puede ser usado por actor, el director o el editor. En las grabaciones, siguiendo este ejemplo, cuando hago música barroca pretendo que todos los pequeños elementos estén más ornamentados y en general hay mucho más énfasis en los detalles. También tenés la oportunidad de producir cosas que en la sala de concierto pueden pasar de largo a diferencia de si tenés auriculares cerca de tus oídos.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Documentar mi trabajo y hacerlo accesible es algo extremadamente importante. Yo mismo disfruto escuchando música grabada tanto como ir a conciertos. </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>Hace unos años te vi tocar en Buenos Aires en un evento poco convencional, con djs, música electrónica, bebidas, algo muy raro para la música clásica, pero me pareció muy interesante. ¿Te gusta experimentar, fusionar estilos y mundos? </strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">El evento es algo llamado “Yellow lounge” y fue arreglado por Universal Music y la Universidad para las Artes, que honestamente ahora no recuerdo el nombre (</span><em>Se refiere a la Universidad Nacional de San Martín</em><span style="background-color:transparent">). Se trataba de ofrecer música clásica de una manera diferente en un ambiente distinto y alternativo. Era un lugar más parecido a una discoteca, porque era un ambiente estimulante y no solo para los oídos sino también visualmente, con video arte y diseño de luces. Era muy especial. La atmósfera era más alternativa, la gente podía socializar y escuchar música clásica, no en el formato que quizás alguna gente joven podría encontrar un poco aburrido, rígido o fuera de tiempo. </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Estas son cosas que por supuesto me gusta mucho hacer y también asistir. Creo que la música por sí misma es poderosa así que cuando llega a los oídos de los oyentes tiene un impacto y es hermosa. El contexto de la ceremonia de escuchar un concierto de la manera tradicional en que lo conocemos es en la sala de conciertos, con los códigos, la ceremonia de la gente que sube al escenario, no aplaudir entre movimientos, los músicos saludan empiezan a tocar, cuando terminan se aplaude, etc. También hay códigos acerca de la ropa, de la audiencia y definitivamente de los músicos, especialmente si se trata de una orquesta, y así en general. Esta es la forma tradicional, pero toda otra forma por supuesto es interesante. Ver que cuando rompes estas reglas y lo ofreces de manera diferente o en un contexto diferente, con códigos distintos, puede atraer a audiencias distintas y realmente cambiar la experiencia, y si está bien hecho entonces cambia para bien. Así que me encantó hacerlo y tengo grandes recuerdos de esa experiencia. </span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"> </p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><strong>¿Qué van a descubrir las personas que no están tan familiarizadas con vos en tus próximos conciertos en Buenos Aires?</strong></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"><span style="color:#000000"><span style="font-size:14px"><span style="font-family:verdana,geneva,sans-serif"><span style="background-color:transparent">Bueno espero que disfruten el concierto (risas). Creo que para la mayoría de la gente, sino me equivoco, será la primera vez que vean a una Mandolina junto a una orquesta en vivo tocando música clásica y espero que disfruten este descubrimiento. La Mandolina es un instrumento hermoso, muy poco familiar, además probablemente escuchen piezas que quizás conozcan muy bien, como el Concierto para violín en La menor de J.S.Bach o el Concierto para laúd en Re mayor de Vivaldi. Son obras famosas que algunos reconocerán muy rápidamente pero por supuesto en la Mandolina. Espero ofrecerle a la audiencia un punto de vista diferente, de escuchar estas obras con este sonido tan particular en vez del violín o el laúd. En definitiva ofrecer una escucha fresca de obras muy familiares.</span></span></span></span></p>
<p dir="ltr" style="text-align:justify"> </p>
<p> </p>
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<h2><strong>ORQUESTA DE CÁMARA L´ARTE DEL MONDO. Con Werner Ehrhardt como Director, y Avi Avital en mandolina.</strong></h2>
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<h2><em>JUEVES 22 DE AGOSTO A LAS 20.30 HS. EN EL TEATRO COLISEO.</em></h2>
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</div>
</td>
</tr>
</tbody>
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<table align="left" cellpadding="0" cellspacing="0" class="m_-8185064086966835865full m_-8185064086966835865middle m_-8185064086966835865table-4 m_-8185064086966835865text" id="m_-8185064086966835865" style="background-color:rgb(231, 230, 235); border-collapse:collapse; border-spacing:0px; border-style:none; clear:both; color:rgb(34, 34, 34); font-family:roboto,robotodraft,helvetica,arial,sans-serif; font-size:small; min-width:100%; table-layout:fixed; width:590px">
<tbody>
<tr>
<td>
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<p><strong>PROGRAMA</strong> <br />
Sinfonía en La mayor, de Sammartini.</p>
<p>Concierto RV 93 en Re mayor para mandolina y orquesta, de Vivaldi.</p>
<p>Concerto grosso Nr.5 en Re mayor op. 6, de Dall´Abaco.</p>
<p>Concierto para violín, cuerdas y bajo contínuo en la menor, BWV 1041 de Bach.</p>
<p>Sinfonía Nº10 para cuerdas en si menor, de Mendelssohn-Bartholdy.</p>
<p>Ciaconna para Partita para violín en re menor BWV 1004 (solo de Mandolina), de Bach.</p>
<p>Danzas Rumanas (6) BB 68, Sz.56 de Bartók (arreglo para Mandolina y Orquesta, de Avi Avital).</p>
<p>Danzas Españolas para mandolina y orquesta (arreglo de Avi Avital), de Falla.</p>
<p><a href="https://www.ticketek.com.ar/orquesta-de-camara-larte-del-mondo/teatro-coliseo">https://www.ticketek.com.ar/orquesta-de-camara-larte-del-mondo/teatro-coliseo</a></p>
</div>
</td>
</tr>
</tbody>
</table>
<hr />
<div> </div>
<p style="text-align:justify"> </p>
<p> </p>
description<p>Gestión de módulos en el Panel de Control</p>
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description<p>Módulo para gestión de usuario en el Panel de Control</p>
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titleGuía Musical
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titleCategorías
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description<p>Gestión de items para el calendario. Agenda.</p>
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description<p>Items para el shop de MBCA</p>
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